Autoportrait (1887) : histoire, signification et touche picturale
Au printemps 1887, Vincent van Gogh était à Paris depuis près d’un an, vivant avec son frère Theo au-dessus d’un magasin de fournitures de peinture et d’une galerie d’estampes rue Lepic. Il était arrivé d’Anvers en peignant dans la palette sombre et terreuse de la tradition hollandaise, tout en bruns bitume et en ombres lourdes. En quelques mois, il se tenait devant des toiles de Seurat, Signac et Pissarro, observant la couleur se fragmenter en petites touches indépendantes au lieu d’être mélangée sur la palette.
Il n’avait pas les moyens d’engager facilement des modèles, alors il transforma le problème en méthode. Tout au long de 1887, il installa son chevalet devant un miroir encore et encore, utilisant son propre visage pour tester ce qu’il venait de voir dans les ateliers d’autres peintres. Cet Autoportrait, peint cette année-là et aujourd’hui conservé à l’Art Institute of Chicago, est l’un des résultats de cette expérience privée et répétée.
Un visage tenu immobile contre un fond agité
Van Gogh se présente légèrement tourné de côté, le menton bas, les yeux fixés droit vers le spectateur. Le regard est horizontal et sans fard, plus attentif que chaleureux, le regard d’un homme étudiant ses propres traits avec le même détachement qu’il apporterait à un bol de fruits ou à une paire de bottes.
Ses cheveux et sa barbe sont d’un blond roux chaud, captant la lumière sur le sommet du crâne où la peinture devient presque crème. La mâchoire et la moustache portent le même orange rouille, posé contre une peau peinte en touches de rose, d’ocre et de vert pâle qui ne se fondent jamais tout à fait en un seul ton de chair.
Derrière lui, le fond n’a aucune forme fixe. C’est un champ de courtes touches en bleu canard, bleu profond et vert, moucheté d’orange et de rouge, plus dense et plus sombre vers les bords de la toile et plus clair là où il rencontre le halo des cheveux. Il n’y a ni mur, ni fenêtre, ni détail d’atelier, rien pour le situer dans une pièce au-delà de la surface peinte elle-même.
La couleur posée touche par touche
La peinture sur toute l’image, à 32,5 par 41 centimètres un petit panneau travaillé de près, est construite de touches courtes et directionnelles plutôt que de passages fondus. Rien ici n’est lissé. Chaque parcelle du visage, de la veste et du fond garde la marque d’un seul pinceau chargé pressé puis retiré.
Van Gogh oppose le chaud au froid comme le faisaient les néo-impressionnistes qu’il avait étudiés, barbe orange contre fond bleu-vert, joue rose contre ombre bleu canard. Placées côte à côte plutôt que mélangées, ces couleurs opposées continuent de vibrer l’une contre l’autre au lieu de se résoudre en une peau calme et uniforme.
La veste sombre est traitée avec la même discipline. Sa laine bordeaux est traversée de fils de bleu et de vert, posés en courtes touches diagonales qui suivent la chute du col, de sorte que même la zone la plus simple du tableau conserve un scintillement bas et régulier de couleur plutôt que de rester plate.
Un modèle bon marché qui ne refusait jamais une pose
Van Gogh s’est peint près de deux douzaines de fois pendant ses deux années à Paris, plus souvent qu’il n’a peint presque quiconque d’autre. L’argent en était une partie de la raison. Un modèle professionnel coûtait plus que ce que lui et Theo pouvaient régulièrement se permettre, tandis que son propre reflet ne coûtait rien et ne se fatiguait jamais de tenir une pose.
Mais les autoportraits faisaient aussi un travail qu’un modèle engagé ne pouvait pas faire. Chacun lui permettait de répéter une idée différente sur la peinture, parfois plus proche de la couleur fragmentée impressionniste, parfois plus proche des points disciplinés du pointillisme, sans avoir besoin de la patience de quiconque d’autre que la sienne.
Vus en séquence, ces tableaux de 1886 à 1888 retracent un changement rapide et visible : un peintre arrivant d’Anvers dans des bruns boueux et partant deux ans plus tard pour Arles avec une palette entièrement construite de couleurs contrastées. Cette toile s’inscrit dans cette éducation brève et condensée.
Vivre avec, au gré de la lumière
Accroché là où la lumière du jour l’atteint tout au long de la journée, ce type de touche fragmentée et directionnelle ne cesse de changer. Une forte lumière latérale accroche les reliefs de peinture sur la barbe et la veste et projette de petites ombres entre les touches, de sorte que la surface possède une texture qu’une photographie lisse de la même image ne porte pas.
Sous une lumière plus douce du soir, la même toile s’apaise. Les touches du fond cessent de se lire comme des marques individuelles et fusionnent en un bourdonnement bas de bleu et de vert derrière la tête, et le regard devient ce vers quoi l’œil ne cesse de revenir, stable et un peu réservé, exactement comme Van Gogh l’a peint en 1887.
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