Fritillaires dans un vase en cuivre : histoire et signification
Au début de l’année 1887, Vincent van Gogh vivait avec son frère Theo à Montmartre, passant ses journées en compagnie de peintres dont il connaissait à peine l’œuvre deux ans plus tôt. Pissarro, Signac et le cercle autour de Seurat décomposaient la couleur en ses composantes distinctes, et Van Gogh, observant, discutant et peignant à leurs côtés, se mit à utiliser les fleurs coupées comme son laboratoire. Elles étaient bon marché, ne se plaignaient pas de rester immobiles, et lui permettaient de tester une combinaison de couleurs contre une autre sans la pression d’un portrait commandé ou d’un paysage qu’il fallait trouver et rejoindre.
Un bouquet comme problème de couleur
Fritillaires dans un vase de cuivre appartient à cette série de natures mortes florales de 1887, peinte à un moment où Van Gogh s’intéressait moins aux fleurs en tant que fleurs qu’à ce qui se produisait lorsqu’une teinte était fermement opposée à une autre. Les fritillaires impériales, avec leurs lourdes têtes en forme de cloche, lui offraient une masse d’orange chaud et d’ocre à pousser contre quelque chose de froid.
Il n’avait pas besoin de voyager pour trouver ce motif ni d’attendre que le temps s’y prête. Un vase, une table et un après-midi suffisaient, et cette liberté pratique explique en partie pourquoi tant de toiles de fleurs coupées subsistent de cette seule année de sa vie.
Ce qui se trouve sur la table
Le vase lui-même est un pot de cuivre arrondi, large à la base et resserré au col, sa surface métallique construite de courtes touches d’ocre, d’olive et d’or terne qui captent et perdent la lumière tandis que le regard descend le long de sa courbe. Il en émerge un groupe dense de fritillaires impériales, leurs cloches orange et jaune-orangé pendantes sur de fines tiges au-dessus d’un éventail de longues feuilles vertes et pointues.
Une tige fleurie se détache du bouquet principal et retombe vers la gauche, presque entièrement hors du vase, ses fleurs pâles captant la lumière contre le fond sombre. C’est une petite asymétrie qui empêche le bouquet de se lire comme un arrangement net et équilibré, et elle donne à la composition le sentiment d’une plante se comportant encore comme une plante plutôt que comme un dispositif de nature morte.
En dessous, la table est posée par des hachures croisées d’ocre, de rose et de vert, une surface tissée ou nervurée rendue rapidement, en net contraste avec le traitement plus lisse du cuivre au-dessus. La signature se trouve dans le coin supérieur gauche, sur le champ bleu tacheté.
L’orange contre un champ de bleu
L’arrière-plan est là où le tableau fait son vrai travail. Van Gogh a posé un fond bleu profond puis l’a couvert d’une dispersion de petits points et de courtes touches en bleu plus clair et en blanc, un champ qui vibre plutôt qu’il ne reste plat, et contre lui l’orange des fleurs se lit avec bien plus de force qu’il ne le ferait contre un mur uni.
L’orange et le bleu se font face sur le cercle chromatique, et Van Gogh lisait précisément sur ce type d’association durant ces années parisiennes, testant en peinture ce qu’il rencontrait en conversation et dans ses lectures sur la théorie des couleurs. Le traitement pointillé de l’arrière-plan montre aussi qu’il essayait une technique proche de la couleur décomposée des néo-impressionnistes, sans adopter leur système strict dans son ensemble.
Le résultat est une toile où les fleurs semblent avancer et où l’arrière-plan semble vibrer plutôt que de reculer tranquillement, de sorte que toute la surface reste active d’un bord à l’autre.
La peinture elle-même
De près, le travail du pinceau change de caractère d’une partie de la toile à l’autre. Les pétales sont construits de touches chargées et assurées qui suivent la courbe de chaque fleur en forme de cloche, les feuilles sont posées de touches linéaires rapides qui s’élancent vers l’extérieur depuis les tiges, et le vase de cuivre est travaillé de touches plus courtes et plus délibérées qui décrivent sa forme métallique arrondie.
C’est une peinture utilisée à la fois de manière descriptive et expressive. Les touches ne se contentent pas de remplir une couleur locale, elles portent la direction et la pression de la main qui les a faites, ce qui explique en partie pourquoi le tableau semble encore si immédiat plus d’un siècle plus tard.
Avec ses 60 sur 76 centimètres, la toile est assez proche de la taille réelle dans ses éléments principaux pour que le bouquet ait une présence véritable plutôt que de rester un petit détail décoratif. Elle récompense le type d’examen attentif qu’une reproduction accrochée à un mur invite, où le spectateur peut s’approcher pour voir le travail du pinceau et reculer pour voir l’ensemble de l’arrangement se mettre en place.
Sur un mur
Accroché dans une pièce où la lumière du jour change, un tableau construit sur autant de contraste ne cesse de se modifier. La lumière du matin tirera le champ bleu vers l’avant et laissera les fleurs orange chaudes et distinctes contre lui, tandis que la lumière d’une lampe le soir adoucira ce contraste et laissera le vase de cuivre briller plus que les fleurs qui l’entourent.
C’est un tableau qui demande à être regardé plus d’une fois dans la journée, ce qui distingue en partie une bonne nature morte d’une décoration choisie puis jamais vraiment revue. Fritillaires dans un vase de cuivre est conservé aujourd’hui au musée d’Orsay à Paris, la ville où Van Gogh l’a peint en 1887, élaborant sur la toile un ensemble de relations de couleurs qu’il emporterait avec lui dans les tableaux plus célèbres encore à venir.
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