La Sieste (d'après Millet) : histoire, signification et technique picturale

Un peintre sans modèles

Au printemps 1890, Vincent van Gogh vivait sous surveillance à l’asile de Saint-Paul-de-Mausole, près de Saint-Rémy-de-Provence, dans ce qui allait être la dernière année de sa vie. Il lui était rarement permis d’engager des paysans locaux pour poser pour lui, et l’enfermement le coupait des sujets au travail qu’il avait peints directement à Nuenen et à Arles. Tenu en grande partie dans l’enceinte de l’asile et son jardin clos, il se tourna à la place vers des estampes et des reproductions que Theo lui envoyait de Paris.

Parmi elles se trouvait une gravure d’après Jean-François Millet, le peintre que Van Gogh vénérait depuis ses premières années de travail. Les paysans de Millet, semant, glanant, se reposant entre les tâches, avaient façonné son sens de ce à quoi servait la peinture : non pas la décoration, mais un témoignage honnête du labeur et des gens qui l’accomplissaient. Travaillant d’après une estampe en noir et blanc du dessin de Millet pour un repos de midi dans les champs, Van Gogh entreprit non pas de la copier mais de la refaire en couleur.

Il décrivait à Theo les peintures ainsi réalisées comme des traductions plutôt que des copies, comparant son propre rôle à celui d’un musicien interprétant une partition écrite par quelqu’un d’autre. Les poses, la composition et les deux figures au repos venaient toutes de Millet. La palette, la lumière et l’urgence du pinceau étaient celles de Van Gogh, et La sieste (d’après Millet), peinte en 1890, est parmi les exemples les plus clairs de cette méthode dans son dernier ensemble d’œuvres.

Le repos au milieu de la moisson

Le tableau montre un homme et une femme allongés tête-bêche dans un lit de foin coupé, prenant leur repos de midi pendant la moisson du blé. La femme est allongée dos au spectateur, le visage tourné vers son avant-bras, un bonnet blanc couvrant ses cheveux. L’homme est allongé à l’opposé, son chapeau de paille rabattu sur les yeux, un bras rejeté derrière la tête dans la posture abandonnée de quelqu’un qui a cessé de lutter contre le sommeil.

Leurs sabots de bois ont été retirés et laissés en un petit tas à l’avant de la toile, un détail ordinaire qui rend le calme des deux corps complet. Derrière eux, une meule s’élève dans des tons d’ocre et d’or, sa couronne incurvée remplissant la majeure partie du côté droit du tableau. À gauche, la moisson se poursuit sans eux : deux autres meules se dressent au plan intermédiaire, et une charrette avec un bœuf pâle attend près d’une autre figure encore au travail, de sorte que le champ reste un lieu de labeur en cours même si son premier plan appartient entièrement au sommeil.

Van Gogh situa la scène à midi véritable, lorsque le soleil est au plus haut et les ombres les plus courtes, et tout le champ est baigné d’une lumière uniforme et aplatissante. Il n’y a ni arbre, ni toit, rien pour rompre la chaleur. Le repos que prennent les deux figures se lit comme mérité plutôt qu’accessoire, une pause découpée dans une journée qui reprendra à l’instant où ils se réveilleront.

Bleu contre or

Le tableau est construit presque entièrement à partir de deux couleurs opposées. Le blé, la paille et les meules sont posés dans des jaunes chauds, des ocres et de l’or ; le ciel et les pantalons et la jupe de coton du couple sont des bleus froids et du violet. Van Gogh avait écrit à Theo sur la manière dont les couleurs complémentaires s’intensifient mutuellement lorsqu’elles sont placées côte à côte, et ici l’effet est direct : l’or paraît plus chaud à cause du bleu à côté de lui, et le bleu paraît plus froid à cause de l’or.

La touche porte autant le tableau que la couleur. Le ciel est posé en courtes touches diagonales allant toutes dans la même direction, donnant à l’air une sorte de temps visible même si rien n’y bouge. La meule est construite à partir de longs coups de pinceau courbes qui suivent sa forme arrondie, d’épaisses crêtes de peinture qui accrochent la lumière réelle à leur surface. Les deux dormeurs sont peints plus simplement, en passages plus plats de bleu pâle et de blanc, ce qui leur permet de se détacher nettement contre la texture agitée qui les entoure.

Avec ses 91 sur 73 centimètres, la toile est assez grande pour que ces différences de facture se perçoivent à une distance de visionnement normale. L’œil tend à se poser d’abord sur le bras levé et le chapeau de l’homme, le passage de blanc le plus lumineux du tableau, avant de descendre le long de la diagonale des deux corps vers les sabots abandonnés et de s’étendre dans le champ au-delà. Toute la composition s’assemble le long de cette seule ligne ample, du sommeil au premier plan au travail qui se poursuit derrière lui.

Sur un mur aujourd’hui

La sieste (d’après Millet) est conservée aujourd’hui par le Musée d’Orsay à Paris, aux côtés d’une grande partie de l’œuvre tardive de Van Gogh. C’est un tableau qui récompense une pièce à la lumière changeante, puisque les touches diagonales du ciel et la peinture en crêtes de la meule accrochent la lumière différemment au fil de la journée, passant d’un or plat le matin à une texture plus vive et rasante le soir.

Accroché à une hauteur où l’œil rencontre directement les figures endormies, il tend à ralentir une pièce plutôt qu’à la remplir. Il s’y passe peu de chose au-delà de deux personnes endormies et d’un champ qui continue sans elles, et cette simplicité est exactement ce qui porte.

Vu de près, il se lit comme une étude sur la discipline du repos, peinte à la fin d’une année où le calme n’était pas quelque chose que Van Gogh trouvait facilement. Vu de l’autre bout d’une pièce, il se fond en une seule forme chaude, foin doré et figures bleues, qui tient son rang face à la plupart des autres couleurs à proximité.

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