La Vigne verte : histoire, signification et technique picturale
Fin septembre 1888, Vincent van Gogh était à Arles depuis six mois et travaillait plus vite qu’il ne l’avait jamais fait auparavant. Il préparait la Maison jaune pour l’arrivée de Paul Gauguin, remplissant ses pièces de toiles dans une hâte qui se lit, encore aujourd’hui, comme de l’urgence plutôt que de la précipitation. Parmi les champs auxquels il revint cet automne-là figuraient les vignes au sud de la ville, où la vendange était en cours et où la lumière tournait déjà.
Il peindrait les vignes plus d’une fois cette saison, dans différents états de couleur à mesure que la saison avançait. Le vignoble vert, peint en 1888, saisit un moment plus ancien que son compagnon plus connu, le vignoble encore principalement vert avec seulement les premières taches de rouille et de cuivre qui affleurent. C’est le témoignage d’une semaine précise dans un lieu précis, réalisé sur place et achevé avec la même vitesse qu’il dépeint.
Un champ encore en mutation
La toile est presque entièrement consacrée au vignoble et au ciel au-dessus, avec à peine une ligne d’horizon pour séparer les deux. Les rangées de vignes partent du bord inférieur du tableau vers une mince bande d’arbres et de toits, si bien que l’œil est attiré dans le champ plutôt que à travers lui.
Le vert domine, mais ce n’est pas un vert unique. Van Gogh dispose côte à côte de l’olive, du vert sapin et un vert acide plus vif, puis les entrelace d’orange, de rouille et de touches de violet là où le feuillage a déjà commencé à tourner. L’effet est celui d’un champ saisi en pleine transformation, ni entièrement vert ni encore livré à l’automne.
De petites maisons se dressent à l’horizon sur la droite, leurs toits d’un ocre chaud contre la distance plus froide. Elles ancrent la scène dans un morceau de campagne réel et habité plutôt qu’imaginaire, le genre de paysage de travail que van Gogh avait appris à bien connaître lors de son deuxième été en Provence.
Les gens qui travaillent les rangs
Des figures sont dispersées dans les vignes, petites face à l’échelle du champ. À gauche, une femme s’abrite sous un parasol rouge, sa couleur étant la note de rouge la plus vive de toute la toile et la première chose que l’œil trouve. À côté d’elle, une autre figure se penche bas parmi les feuilles, assez proche dans le traitement pour n’être identifiée que par la posture plutôt que par le détail.
Plus loin dans le champ, d’autres ouvriers apparaissent par deux et par trois, leurs formes réduites à quelques coups de tissu sombre et de ton chair pâle. À droite, deux figures se tiennent près l’une de l’autre près d’une masse plus sombre de feuillage, observant ou se reposant plutôt que cueillant.
Aucune de ces personnes n’est peinte avec des traits individuels. Van Gogh leur donne juste assez de forme pour qu’on les lise comme du labeur humain, des figures accomplissant un travail qui aurait été tout à fait ordinaire pour quiconque vivait près d’Arles en septembre, et laisse le reste aux vignes qui les entourent.
Un ciel qui ne tient pas en place
La moitié supérieure de la toile est du ciel, et il est tout sauf calme. Van Gogh le construit à partir de coups courts, sombres, en forme de virgule, posés sur un fond de bleu et de vert pâle, si bien que toute l’étendue semble vaciller plutôt que de rester immobile.
Que ces marques sombres se lisent comme des oiseaux, comme du vent traversant une nuée invisible, ou simplement comme une touche agitée, elles donnent à la moitié supérieure du tableau la même agitation qu’au champ en dessous. Rien dans cette peinture n’est inerte.
Le contraste compte. En bas, les rangées de vignes ont une structure et une direction, s’enfonçant en lignes disciplinées. En haut, cet ordre cède la place à quelque chose de plus proche du temps qu’il fait, un ciel qui semble bouger alors même que le tableau reste immobile.
Comment la peinture se pose sur la toile
Van Gogh a travaillé cette scène par coups courts et chargés, posés l’un contre l’autre sans beaucoup de mélange, si bien que la touche elle-même porte la direction de la croissance dans les vignes et le mouvement de l’air au-dessus. De près, le tableau se brise en des centaines de marques individuelles. De loin, ces marques se résolvent en rangées, feuilles et figures.
La peinture est par endroits assez épaisse pour accrocher la lumière réelle, des crêtes de pigment qui projettent de petites ombres sur la surface selon l’endroit où se trouve une lampe ou une fenêtre. Ce n’est pas un tableau plat, et il n’a jamais été destiné à être regardé seulement depuis une distance fixe et idéale.
La couleur fait une grande part du travail structurel que le dessin aurait pu faire autrement. Les paires complémentaires, vert contre rouge, bleu contre orange, maintiennent l’œil en mouvement à travers la toile, du parasol aux feuilles couleur rouille jusqu’aux toits chauds à l’horizon.
Vivre avec la peinture
Avec ses 92 sur 72 centimètres, Le vignoble vert est assez grand pour tenir un mur à lui seul, sans avoir besoin de compagnie. Accroché là où la lumière du jour l’atteint sous un angle, l’empâtement accroche et perd la lumière au fil de la journée, si bien que le champ semble changer exactement comme le ferait un vrai vignoble lorsque le soleil se déplace.
Le soir, sous la lumière d’une lampe, les rouges et les oranges ont tendance à avancer, tandis que les coups sombres du ciel reculent dans le bleu qui les entoure. Le tableau se lit différemment selon l’heure, ce qui convient à une peinture si préoccupée par un paysage en pleine transformation.
L’original est conservé au musée Kröller-Müller, l’une des plus importantes collections d’œuvres de van Gogh au monde, où il côtoie les autres peintures de sa période arlésienne. Vu là-bas ou reproduit chez soi, il reste le témoignage d’un champ d’automne en pleine activité, peint par quelqu’un qui avait besoin, cette saison-là, de travailler aussi vite que la terre devant lui changeait.
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