Le Faucheur (d’après Millet, 1889) : histoire et signification
Une copie réalisée sans champ en vue
À l’automne 1889, Vincent van Gogh s’était engagé à l’asile de Saint-Rémy-de-Provence, et pendant de longues périodes, il n’était pas autorisé, ou pas assez bien portant, à sortir parmi les blés qu’il aimait peindre. Ce qu’il avait à la place, c’était un petit stock d’estampes en noir et blanc d’après Jean-François Millet, envoyées de Paris par son frère Theo.
Van Gogh entreprit de transformer ces gravures grises en couleur, travaillant dans une cellule spartiate qui lui avait été attribuée comme atelier. Il considérait ce processus comme une traduction plutôt qu’une copie, à la manière dont un musicien pourrait lire la partition d’un autre compositeur et la rejouer dans une tonalité différente.
Le Faucheur (d’après Millet) appartient à ce projet. Peint en 1889 sur une petite toile verticale mesurant 25 sur 43,5 centimètres, il reprend le faucheur gravé de Millet et le rend dans la couleur brute et non mélangée que Van Gogh avait passé les trois années précédentes à apprendre à faire confiance.
Un homme, vu de dos, plié en deux
La peinture nous donne un seul faucheur de dos, coupé à la taille par l’angle de son propre labeur. Il est plié presque en deux, la tête baissée sous un chapeau de paille, tout son poids enfoncé dans la faux à long manche tenue à deux mains.
Ses vêtements sont simples : une blouse crème pâle et un pantalon ample de la couleur du grain autour de lui, avec une veste bleue retirée de ses épaules et nouée à sa taille par les manches. Cette seule note de bleu contre tout le jaune est la seule chose qui sépare l’homme du champ qu’il coupe.
Ses bottes sont usées et lourdes, plantées dans un bout de terrain rendu dans une ombre bleu-vert froide, le seul passage du tableau où la température chute. Derrière lui, le blé s’étend en arrière en coups de pinceau courts et serrés de jaune de chrome et d’ocre jusqu’à ce qu’il rencontre une ligne basse et verte de haie et d’arbres.
Dans le coin supérieur droit, petite et facile à manquer, se trouve une seconde figure plus minuscule travaillée dans les mêmes jaunes, un écho lointain de l’homme devant qui empêche la moisson de ressembler au travail d’un seul corps solitaire. Au-dessus de tout cela, le ciel est d’un cobalt pur et profond, appliqué en longs coups de pinceau diagonaux qui balaient la même direction que les tiges courbées en dessous.
La couleur faisant le travail de la ligne
Le faucheur original de Millet était construit à partir de tonalités, de gris soigneusement nuancés allant vers le noir. Van Gogh n’avait aucun intérêt à égaler cela ; au lieu de cela, il laissa une poignée de couleurs pures porter toute la structure de la figure et du champ.
Le jaune du blé n’est jamais une seule couche plate. Il passe du jaune paille pâle au chrome chaud jusqu’à des touches d’ombre verte, chaque changement posé comme un coup de pinceau distinct et visible plutôt que fondu lisse.
Contre cette chaleur, le ciel cobalt et la veste bleue unique agissent comme un lest. C’est un simple appariement complémentaire, jaune contre bleu, mais Van Gogh pousse les deux à leur saturation maximale, de sorte que le contraste se lit avant tout détail de la figure.
La touche elle-même a une direction et une urgence. Les coups dans le champ suivent l’inclinaison du grain, les coups dans le ciel courbent et se précipitent au-dessus, et toute la surface a la densité serrée et travaillée d’une toile construite rapidement, en courtes séances, par un homme qui cette année-là faisait plus confiance à sa main qu’à son œil.
Un sujet auquel Van Gogh ne cessait de revenir
Le faucheur n’était pas un emprunt passager. La même année, Van Gogh peignit ses propres moissonneurs coupant le blé sous un soleil brûlant, travaillant le motif encore et encore depuis les terres de l’asile et de mémoire.
La figure de Millet lui donnait une version toute faite de ce même sujet, un homme réduit au pur effort physique, plié sous le poids du travail et de la saison. L’aborder dans sa propre couleur permettait à Van Gogh de s’installer avec une image qu’il avait déjà rendue personnelle, sans avoir besoin d’un modèle ni d’un champ devant lui.
Aucun drame n’est ajouté à la scène, aucun visage visible, aucun geste vers le spectateur. Le faucheur travaille simplement, et la peinture demande à l’œil de rester avec ce seul mouvement répété plutôt que de chercher une histoire autour.
Vivre avec elle
Accrochée dans une pièce qui reçoit une vraie lumière du jour, cette petite toile change avec les heures comme l’aurait fait le sujet original. La lumière du matin fait ressortir le bleu froid de la veste et le sol ombragé ; l’après-midi, les jaunes prennent le dessus et toute l’image semble se réchauffer.
Elle récompense un mur où elle peut être regardée de près, car une grande partie de sa force réside dans la direction et l’épaisseur des coups de pinceau individuels, et non dans un grand effet d’ensemble. Placée parmi des tableaux plus calmes et plus résolus, elle tient bon par pure insistance physique, une petite peinture qui refuse de rester en place.
Plus de cette collection
Faites entrer ce tableau chez vous
Choisissez une reproduction à l’huile peinte à la main pour un vrai travail au pinceau, ou un tirage d’art sur toile pour une édition fidèle à l’image du musée. Chaque taille préserve les proportions de l’original.
Voir cette œuvre et ses options
Pour aller plus loin
Vérifiez l’original au fiche de collection et poursuivez avec les œuvres associées du catalogue.