Le Semeur (Arles, 1888) : histoire, signification et technique picturale
Arles, la saison du blé de 1888
Vincent van Gogh était arrivé à Arles en février 1888, en quête d’une lumière plus forte et d’un sujet nouveau pour la peinture moderne qu’il voulait faire. Au début de l’été, il travaillait en plein air presque quotidiennement, suivant le rythme de la moisson autour de lui et celui de son propre besoin agité de poser la peinture vite pendant que la lumière tenait.
Parmi les sujets auxquels il est revenu cette année-là, aucun ne l’a retenu plus longtemps que le semeur. Il avait étudié pendant des années le traitement de Jean-Francois Millet de la même figure, et à Arles il s’est donné pour tâche d’en trouver sa propre version, non pas dans les gris de Millet mais dans une couleur forte et opposée.
Dans ses lettres à son frère Theo, il écrivait que l’idée du semeur continuait de le hanter. C’était, pour lui, une figure représentant quelque chose au-delà du champ particulier ou de l’homme particulier : le cycle récurrent des semailles et de la moisson, et le sentiment d’éternité qu’il poursuivait dans son travail cet été-là.
L’homme traversant les sillons
Cette toile, peinte en 1888 et enregistrée sous son titre original Le Semeur II, reste proche de son sujet. Le semeur se tient à peu près au centre du tableau, une silhouette compacte dans une veste vert foncé, un pantalon noir et une petite casquette rouge, saisi en plein pas alors qu’il traverse le champ.
Il se dirige vers la droite, un bras balancé vers l’avant dans le geste de semer la graine, ses pieds déjà enfoncés dans la terre fraîchement retournée devant lui. Van Gogh ne lui donne presque aucun détail du visage ; la figure se lit par le geste et la posture plutôt que par le portrait, une seule marque sombre et mouvante qui tient tout le champ agité stable.
Derrière lui, la terre s’élève doucement vers un horizon bas, où une ligne de maisons, de toits et d’arbres court sur toute la largeur de la toile dans des oranges, verts et bleus sourds. Au-dessus de cette bande, le ciel reste pâle et calme, peint en touches fines et tranquilles qui contrastent avec l’agitation du champ en dessous.
Terre jaune, ombre violette
Le champ occupe la majeure partie de la toile, et c’est là que Van Gogh fait son travail le plus exigeant. Des touches courtes et épaisses de jaune de chrome, d’ocre et d’or pâle couvrent le sol dans des directions qui se chevauchent, chacune portant assez de peinture pour se tenir légèrement en relief de la surface.
À travers ce jaune courent des touches de bleu gris et de lavande, la couleur d’ombre complémentaire qui empêche le champ de se lire comme un or plat. Les deux couleurs se heurtent en courtes hachures plutôt qu’en passages fondus, de sorte que le sol semble se déplacer lorsque l’œil le parcourt.
Van Gogh a travaillé la peinture rapidement, dans un mouvement rythmique, presque répétitif, qui fait écho à l’action du semeur lui-même, rangée après rangée de courtes marques tenant lieu de mottes de terre retournée. C’est une facture faite pour le rythme et la répétition, non pour le poli, et c’est la première chose que l’œil rencontre en approchant de la toile.
Un semeur parmi plusieurs
Van Gogh a peint le semeur plus d’une fois en 1888, éprouvant la même figure et le même champ contre différents agencements de couleur et de cadrage. Cette toile, 91,5 sur 72 centimètres, est l’un de ces retours au sujet, gardant l’homme et la terre qu’il travaille serrés dans le cadre.
Le tableau est enregistré aujourd’hui sous le nom de Le Semeur II, daté de 1888, et il est conservé par la Villa Flora. La Villa Flora, la maison de Winterthur construite autour de la collection de la famille Hahnloser, a réuni d’importants tableaux modernes français et néerlandais au début du vingtième siècle, et cette toile est restée partie de ce fonds.
Sur le mur, sous une autre lumière
Accroché dans une pièce, le tableau se lit d’abord comme un champ de couleur plutôt qu’une scène, le sol jaune attirant l’œil avant même que la petite figure sombre en son sein ne soit remarquée. Ce n’est qu’après un moment que le semeur se dégage de la facture, et le tableau passe d’un temps abstrait de couleur à un homme précis faisant un travail précis.
La lumière du matin et du soir fait ressortir la chaleur du jaune de chrome et de l’ocre, tandis qu’une lumière plus plate laisse les touches de bleu gris et de lavande affleurer et refroidir le même champ. Vu de près, la toile est un champ de marques séparées et directionnelles ; vu de l’autre bout d’une pièce, ces marques se posent en chaume, motte et sillon, de sorte que le tableau change de caractère selon la distance et l’heure auxquelles il est vu.
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