Les Tournesols (version de Munich) : histoire, signification et technique picturale
Arles, août 1888
À l’été 1888, Vincent van Gogh vivait depuis plusieurs mois dans la Maison jaune à Arles, travaillant à une idée qui lui importait plus que presque tout : une maison d’artistes, un atelier partagé dans le sud, bâtie autour de la promesse que Paul Gauguin viendrait bientôt le rejoindre.
Les tournesols étaient de saison le long des routes aux abords de la ville, et van Gogh se mit à en acheter par brassées, les rapportant chez lui pour les peindre avant qu’ils ne fanent. Il travaillait à un rythme qu’il décrivit cet été-là comme l’enthousiasme d’un Marseillais mangeant une bouillabaisse, et en août, il avait plusieurs toiles de tournesols en cours à la fois.
Il les destinait à la décoration au sens le plus simple, des tableaux pour les murs de la chambre qu’il préparait pour Gauguin, assez lumineux pour tenir sous une forte lumière et assez gais pour dire quelque chose de l’accueil qu’il voulait leur réserver. Cette toile, connue aujourd’hui sous le nom de version de Munich, fait partie de ce groupe d’août, peinte en 1888 et mesurant 73 sur 92 centimètres.
Douze fleurs, chaque étape d’une vie
Le bouquet remplit presque toute la toile, une douzaine de têtes de tournesols serrées dans un vase en terre cuite simple, avec à peine de place autour d’elles. Van Gogh ne peignait pas tant un arrangement unique et ordonné qu’un cycle de vie entier déployé d’un seul coup.
Certaines têtes font face au spectateur directement, leurs pétales grands ouverts et leurs cœurs d’un brun profond, presque noir, cerclé de rouille et d’or. D’autres se tournent de profil ou penchent vers l’avant sur des tiges courbées, lourdes et passées, les pétales amincis et les capitules assombris et denses.
Quelques fleurs près du sommet portent encore l’énergie libre et déchiquetée de la floraison nouvelle, les pétales écartés à des angles irréguliers comme saisis en mouvement. La variation est le sujet : dans un seul vase, van Gogh a disposé côte à côte la jeunesse, la plénitude et le déclin, et a peint chacune avec une attention égale.
Une étroite bande de bleu, un champ de jaune
Le décor est réduit à presque rien. Derrière les fleurs, van Gogh a posé un bleu-vert pâle et crayeux, appliqué en courts coups croisés qui laissent le mur comme éraillé et légèrement instable, jamais d’une couleur plate et morte.
En dessous, une bande de jaune ocre tient lieu de table ou de rebord, proche en tonalité des fleurs elles-mêmes, si bien que la limite entre le bouquet et la surface se lit plutôt comme un changement de touche que comme un changement de couleur. Le vase se situe au point de rencontre des deux, un ocre crème pâle captant la lumière la plus directe de tout le tableau.
Van Gogh a signé le vase lui-même, en lettres rouges sur sa partie la plus large, simplement Vincent, comme il signait la plupart de ses œuvres de maturité. Elle se trouve bas dans la composition, presque partie de la décoration du pot lui-même plutôt qu’une étiquette ajoutée après coup.
Une peinture assez épaisse pour projeter sa propre ombre
De près, les fleurs sont construites d’une peinture posée en épaisseur, en coups courts et chargés qui saillent de la toile. Les pétales sont des coups uniques de couleur pure, jaune contre jaune contre ocre, avec à peine de mélange entre l’un et l’autre.
Autour de chaque tête de fleur, van Gogh a tracé un contour ferme et sombre, une ligne plutôt qu’une ombre, ce qui permet au bouquet serré de rester lisible à travers une pièce même si la gamme de couleurs est si étroite. Sans ces contours, les têtes se confondraient en une seule masse d’or.
Le vase et la table sont traités plus calmement, avec des coups plus longs et plus plats, pour que l’œil ait un endroit où se reposer avant de revenir à l’agitation des fleurs au-dessus. C’est un tableau construit presque entièrement sur des variations d’une seule couleur, et pourtant il ne paraît jamais monotone, parce que la peinture elle-même ne cesse de changer de direction, d’épaisseur et de rythme.
Sur un mur, au fil du jour
L’original est aujourd’hui conservé dans les collections des Bayerische Staatsgemäldesammlungen à Munich, mais les qualités qui le font fonctionner étaient dès le départ adaptées exactement au type de mur domestique que van Gogh avait en tête en le peignant : une pièce à la lumière changeante, pas un emplacement de galerie fixe.
Sous la lumière directe, l’empâtement projette ses propres petites ombres sur les pétales, et les jaunes s’aiguisent. Plus tard dans la journée, dans une lumière plus douce, le fond bleu-vert remonte et les fleurs s’installent dans un registre plus chaud et plus calme.
C’est en partie pourquoi le tableau est resté si reconnaissable pendant bien plus d’un siècle : il n’a jamais été peint pour être regardé une seule fois. Il a été peint pour être vécu, sur un mur que l’on longe chaque jour, changeant très légèrement chaque fois que la lumière change.
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