Nature morte, assiette avec du pain : histoire, sens et touche
Paris, 1887, et un changement de régime
Vincent van Gogh arriva à Paris au début de 1886 pour vivre avec son frère Theo, un marchand d’art dont l’appartement et les contacts avec les galeries le mirent pour la première fois en contact quotidien avec la peinture impressionniste et néo-impressionniste. En 1887, il avait passé un an à absorber des leçons qu’il n’aurait pas pu atteindre aux Pays-Bas.
La principale d’entre elles fut la découverte que la couleur elle-même, et non l’ombre brune, pouvait porter un tableau. Il observait Pissarro, Signac et d’autres fragmenter leur peinture en touches séparées et visibles, et il voulait essayer la même chose pour lui-même, sur tout ce qu’il pouvait trouver.
L’argent était rare et les modèles volontaires plus rares encore, alors Van Gogh se tourna vers ce qui se trouvait déjà dans l’appartement : des fruits achetés à bon marché, des fleurs coupées et du pain. Nature morte, assiette avec du pain, peint en 1887, appartient à cette série de tableaux, réalisés non pas parce que le pain portait un quelconque symbole grandiose, mais parce qu’il était là, patient, et qu’on pouvait le peindre autant de fois qu’on le souhaitait.
Un pain ne se fatigue pas, ne se plaint pas et ne facture pas à l’heure. Il lui permettait de travailler vite, testant jusqu’où il pouvait pousser un ensemble restreint de couleurs les unes contre les autres sans la pression supplémentaire d’une ressemblance à réussir.
Du pain sur une assiette blanche
Le tableau, répertorié dans le catalogue du musée simplement comme Nature morte, assiette avec du pain, est petit, 40 sur 31,5 centimètres, et son sujet tient facilement dans ce cadre. Une assiette porte deux morceaux de pain : l’un long et courbé, s’effilant vers une extrémité brunie, l’autre coupé court de sorte que son intérieur pâle et déchiré fait face au spectateur.
L’assiette est blanche et ovale, légèrement inclinée de sorte que son bord éloigné se relève dans le champ de vision, et elle repose sur une table nue peinte en ocre chaud avec une dispersion de touches pâles, semblables à des griffures, en bas à gauche, comme si un linge ou un pinceau sec avait été traîné sur la peinture humide. Derrière, le mur est d’un gris-vert tacheté, brossé irrégulièrement de sorte que des taches plus sombres s’accumulent comme une ombre sans rien décrire de précis.
Il n’y a pas de nappe étalée, pas de couteau, pas de miettes dispersées ajoutées pour les besoins d’une histoire. C’est l’assiette et le pain seuls, isolés pour que le tableau se lise comme une étude d’une petite famille de tons apparentés plutôt que comme le récit d’un repas.
Le grain du pinceau
Vu de près, la croûte du pain se révèle construite à partir de touches courtes et étirées d’ocre, d’orange brûlé et de blanc crayeux, superposées les unes aux autres de sorte que les reliefs des plis de la miche accrochent la lumière exactement là où une vraie croûte craquerait et se soulèverait.
Van Gogh ne fond pas ces touches en une surface lisse. Il les laisse séparées, presque hachurées, de sorte que la croûte se lit comme une lumière brisée plutôt que comme un objet décrit. Là où la miche plus longue se recourbe sur elle-même, une ombre profonde d’ombre brûlée et de gris-violet s’accumule dans le pli.
L’assiette blanche n’est pas traitée différemment. Elle n’est pas d’un blanc plat mais un mélange de gris froid, d’ombre teintée de bleu et d’ocre chaud reflété depuis la table, de sorte que la porcelaine ne devient jamais terne ni crayeuse.
Cette palette proche et chaude est ce qu’il testait cette année-là : une étroite famille d’ocres et de blancs neutres opposée à des gris plus froids, travaillée avec acharnement pour voir combien de vie pouvait être tirée d’une poignée de pigments sans recourir à une seule couleur éclatante.
Une petite toile qui tient son rang
Accroché aujourd’hui, le tableau reste près du mur par son échelle. À 40 sur 31,5 centimètres, il demande à être lu à quelques pas de distance, distance à laquelle les touches séparées se résolvent en l’éclat d’une croûte et la douceur cédante d’une miche entamée.
En lumière directe, les ocres et les blancs chauds du pain avancent et le mur gris-vert recule derrière eux. En lumière plus terne, le tableau s’aplatit vers une seule brume chaude et les touches individuelles deviennent plus difficiles à distinguer, plus proche peut-être de la façon dont Van Gogh le voyait lui-même à la lumière d’une lampe dans les pièces de Theo.
Il récompense le type de regard qu’une cuisine ou une salle à manger invite naturellement : un coup d’œil avant de s’asseoir, un regard plus long une fois la pièce vidée. Rien en lui n’exige l’attention depuis l’autre bout d’un espace : tout en lui retient l’attention une fois qu’on est proche.
L’original demeure au Van Gogh Museum, petit témoin sans éclat d’une année où un peintre largement autodidacte utilisa la nourriture déjà sur la table pour s’enseigner à lui-même comment la couleur se comporte réellement.
Plus de cette collection
Faites entrer ce tableau chez vous
Choisissez une reproduction à l’huile peinte à la main pour un vrai travail au pinceau, ou un tirage d’art sur toile pour une édition fidèle à l’image du musée. Chaque taille préserve les proportions de l’original.
Voir cette œuvre et ses options
Pour aller plus loin
Vérifiez l’original au Fiche de collection Van Gogh Museum et poursuivez avec les œuvres associées du catalogue.