Nature morte au bouquet de marguerites : l'histoire
Vincent van Gogh arrive à Paris au début de l’année 1886 sans rien de vraiment arrêté sur sa manière de peindre. Il s’installe chez son frère Theo, abandonne les intérieurs brun trouble sur lesquels il avait bâti sa réputation à Nuenen, et entreprend de se réapprendre la couleur à partir de zéro. Nature morte avec un bouquet de marguerites, peint cette même année, est l’un des résultats : une toile faite non pour être vendue ou montrée, mais pour être travaillée, pinceau en main, jusqu’à ce que quelque chose dans le regard ait changé.
Les fleurs étaient le sujet le moins cher et le plus patient à sa disposition. Un bouquet acheté ou cueilli tenait la pose quelques jours, assez longtemps pour essayer encore et encore la même cruche et les mêmes fleurs, à la recherche de la manière dont un vert se posait contre un autre. Des dizaines de ces études subsistent de sa première année dans la ville, et cette toile est de celles-là, non signée, non datée de la main de l’artiste, des notes de travail plutôt qu’une déclaration achevée.
Ce qui distingue particulièrement cette peinture, c’est le peu qu’elle emprunte au Paris plus lumineux qu’il allait bientôt découvrir. La couleur est encore proche, encore attachée à la terre. Elle se lit comme un tableau charnière, fait juste avant que la lumière de la ville ne pénètre pleinement son œuvre.
Une cruche serrée sur une table nue
Une unique cruche en grès, cerclée de vert plus sombre, se dresse légèrement à droite du centre sur un plateau de table uni. De son col étroit s’élève une masse dense et lourde de fleurs, si pleine que la cruche disparaît presque sous le poids de ce qu’elle contient.
Le bouquet mêle plusieurs sortes de fleurs de fin d’été. Des marguerites blanches et blanc crème s’ouvrent, faces plates, vers le spectateur, de petites asters mauves et lilas se groupent à gauche, et quelques fleurs marron profond sont à demi englouties dans l’ombre vers l’arrière de l’arrangement.
En bas à gauche, deux ou trois fleurs jaune vif semblables à des pissenlits sont tombées ou ont été posées détachées sur le plateau de la table, à l’écart de la cruche. Elles sont la première chose que l’œil accroche, avant de remonter dans l’enchevêtrement des fleurs plus pâles au-dessus.
Peindre presque entièrement en vert
Van Gogh place toute la scène contre un fond vert olive plat et sombre, avec une table vert légèrement plus clair en dessous. Cruche, feuilles, tiges et arrière-plan tiennent tous dans une étroite bande de la même famille de couleurs, si bien que le tableau se tient comme un seul espace sombre et clos plutôt qu’une pièce aux bords définis.
Contre ce registre bas, les fleurs portent presque toute la lumière du tableau. Chaque pétale est posé en un coup bref et chargé, tapoté plutôt que fondu, rayonnant vers l’extérieur depuis un centre plus sombre en jaune, crème ou rose pâle.
Les feuilles et les tiges sont traitées plus librement, étirées et crochetées en marques plus longues qui décrivent la masse plutôt que la forme individuelle. Van Gogh ne dessine pas tant chaque tige qu’il ne trouve la forme que le bouquet entier fait contre le mur derrière lui.
La toile elle-même est petite, 57,2 sur 41,6 centimètres, proche de la taille du bouquet qu’elle montre. Cette échelle compte : c’est un tableau destiné à être étudié à bout portant, sur une table ou un chevalet, non regardé à travers le sol d’une galerie.
Un pas avant les tableaux parisiens plus lumineux
Dans l’année ou presque qui suit la peinture de cette cruche de marguerites, Van Gogh poserait des jaunes de cadmium purs et des bleus de cobalt appris des toiles impressionnistes et néo-impressionnistes qu’il voyait dans les vitrines des marchands parisiens. Ce basculement n’a pas encore eu lieu ici.
Ce que cette nature morte montre à la place, c’est le travail préparatoire : un artiste qui rétrécit délibérément son sujet à une seule cruche de fleurs pour ne pouvoir se concentrer sur rien d’autre que les relations de couleurs, sans paysage ni figure pour le distraire. La noirceur de la palette n’est pas de la timidité, c’est du contrôle, une manière de tester jusqu’où des pétales pâles pouvaient être poussés à luire contre un champ de vert avant que le tableau ne cesse de se lire comme un bouquet.
La peinture est aujourd’hui conservée par le Philadelphia Museum of Art, au sein d’une collection publique où elle peut encore être vue et étudiée en personne.
Comment elle se lit sur un mur
Dans une lumière faible ou du soir, le tableau est proche du monochrome, et les fleurs semblent émerger du vert plutôt que se tenir devant lui. Peu à peu, à mesure que l’œil s’ajuste, les fleurs marron et mauves enfouies dans l’ombre deviennent visibles.
Sous une lumière du jour plus forte, la même toile s’ouvre. La variété que Van Gogh a construite dans une gamme étroite, les roses, lilas et crèmes glissés parmi le jaune, devient plus facile à séparer et à suivre, et les deux fleurs détachées sur le plateau de la table avancent par rapport au reste.
Vu d’une manière ou de l’autre, il récompense un deuxième et un troisième regard plutôt qu’un seul coup d’œil. C’est après tout ce pour quoi il a été fait : non une pièce d’exposition achevée, mais une étude sur tout ce qu’un peintre peut trouver dans une simple cruche de fleurs s’il continue de regarder.
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