Nature morte au fromage et au pain : histoire, signification et technique picturale
Vincent van Gogh arriva à Paris dans les premiers mois de 1886 et s’installa chez son frère Theo, un marchand d’art dont l’appartement le plaçait à distance de marche des galeries montrant la nouvelle peinture impressionniste et néo-impressionniste. Il avait trente-trois ans, était en grande partie autodidacte, et portait encore la palette lourde et terreuse qu’il avait construite à Nuenen en peignant des paysans et des mangeurs de pommes de terre. Paris lui demandait autre chose : une couleur plus vive, une touche plus libre, une disposition à travailler d’après nature avec rapidité plutôt qu’à partir de longues études laborieuses.
La nature morte devint son terrain d’essai cette année-là. Une bouteille, une assiette, un pain ne coûtaient rien et ne se plaignaient de rien, et pouvaient être disposés et redisposés sur une table jusqu’à ce que la lumière et la peinture s’accordent l’une avec l’autre. Des dizaines de ces petites toiles subsistent de 1886, surtout de la nourriture et de la vaisselle, peintes non comme des déclarations achevées mais comme des exercices de vision.
Cette toile, intitulée à l’origine Nature morte avec bouteille, deux verres, fromage et pain, appartient à cette série d’études. C’est un objet modeste, de seulement 46 sur 37,5 centimètres, et il se lit comme un peintre travaillant rapidement sur un seul problème : comment faire tenir de manière convaincante le verre, le tissu, le pain et l’ombre sur le même plan.
Une table dressée pour une personne
L’arrangement est simple et presque cérémoniel dans sa simplicité. Une bouteille bouchée se dresse au centre de la table, flanquée de deux verres, chacun contenant une mesure de vin sombre. Devant eux, une assiette blanche porte un morceau de pain déchiré, un coin de fromage, et un couteau posé en travers selon un angle, son manche sombre pointant vers le spectateur.
La lumière entre par la gauche et fait l’essentiel du récit. Elle accroche le bord de la nappe et la courbe de l’assiette dans un ton presque blanc, fait courir une couture brillante le long de l’épaule de la bouteille, et fait ressortir une fine tache de reflet sur le bord de chaque verre. Tout ce qui se trouve derrière cette ligne de lumière s’enfonce dans un fond brun-verdâtre profond qui paraît presque noir par endroits.
La couleur dans ce tableau est retenue mais pas terne. Le fond est d’un brun olive fumé, la nappe d’un ocre chaud qui pâlit jusqu’au crème là où la lumière la frappe directement, et le pain et le fromage luisent d’un orange rouille et d’un or contre l’assiette blanche. Le vin dans les verres est peint presque noir, une couleur si dense qu’elle admet à peine le verre qui l’entoure.
L’œil se pose d’abord sur cette assiette, la seule tache de presque blanc dans la moitié inférieure de la toile, et de là remonte la ligne pâle de la nappe jusqu’à la bouteille dressée en sentinelle au plan intermédiaire. C’est un repas simple pour une personne, disposé puis, semble-t-il, laissé intact.
Une main honnête et sans apprêt
Van Gogh construisit le fond sombre à partir d’une hachure diagonale visible, de courts traits posés l’un contre l’autre plutôt que fondus en un lavis uniforme. Les marques ne se dissimulent pas ; on peut suivre la direction dans laquelle le pinceau a voyagé sur la toile, trait par trait, comme on pourrait suivre une hachure au crayon dans un dessin.
Contre cette obscurité hachurée, la bouteille et les verres portent des touches de peinture plus épaisses et plus délibérées, de petites crêtes d’empâtement là où un rehaut devait se tenir en relief plutôt que s’enfoncer dans la surface. Les reflets sur le verre sont construits à partir d’une poignée de touches assurées plutôt que d’un glaçage soigné, et ils se lisent comme du verre précisément parce qu’ils sont si économes.
La nappe est traitée plus librement encore, de larges coups d’ocre et de crème qui laissent la trame de la toile apparaître par endroits. Le pain et le fromage, en revanche, sont travaillés avec une peinture légèrement plus dense et une couleur plus chaude, de sorte que le seul objet censé retenir l’appétit dans le tableau est aussi celui construit avec la présence physique la plus forte.
Rien de tout cela n’est la couleur brisée et prismatique que Van Gogh adopterait dans l’année suivant sa réalisation, une fois que le pointillisme et la lumière méridionale de la Provence l’auraient davantage travaillé. C’est plutôt le tableau d’un peintre pensant encore en bruns et en gris, mais le faisant avec une franchise et une assurance dans le pinceau qui le distinguent déjà de son œuvre de Nuenen.
Ce que le tableau fait dans une pièce
Une composition aussi sombre récompense la patience. À la lumière du jour plate, le fond se lit comme une seule masse sombre, et l’œil est fermement poussé vers l’assiette éclairée et la couleur chaude du pain. Sous une lampe le soir, le même tableau change entièrement de registre : les rehauts sur la bouteille et les verres captent directement la source lumineuse, et le tableau se met à luire à partir de quelques petits points plutôt que de se présenter d’un seul coup.
Ce décalage vaut la peine d’être connu avant de l’accrocher, car une nature morte construite de cette manière n’est pas un tableau qui livre tout en un coup d’œil. Il demande à être regardé à nouveau au fil du déplacement de la lumière dans la pièce au cours de la journée, une qualité mieux adaptée à une cuisine, une salle à manger, ou tout espace où les gens restent assis assez longtemps pour le remarquer.
L’original, encore connu sous son titre complet de Nature morte avec bouteille, deux verres, fromage et pain, est conservé par le musée Van Gogh. Peint à Paris en 1886, au moment où la formation néerlandaise de Van Gogh et son nouvel environnement français étaient encore en train de se démêler sur la même toile, il demeure un petit témoignage exact d’un artiste s’apprenant à voir.
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