Vase aux iris : histoire, signification et touche picturale
Vase with Irises a été peint en 1890, dans les derniers jours que Vincent van Gogh a passés à l’asile de Saint-Paul-de-Mausole, en lisière de Saint-Rémy-de-Provence.
Une dernière semaine à Saint-Rémy
Au printemps 1890, Van Gogh avait passé près d’un an à l’asile, où il s’était fait admettre après la crise à Arles qui lui coûta une partie de l’oreille. Dans son jardin clos, sous ses propres iris et platanes, il avait déjà mené à bien une longue série de peintures, des cyprès et des oliviers au ciel nocturne tourbillonnant au-dessus des collines environnantes. Il se préparait maintenant à partir, s’organisant pour voyager vers le nord, à Auvers-sur-Oise, plus près de Paris et de son frère Theo.
Dans ses derniers jours là-bas, il laissa le paysage de côté et se tourna vers quelque chose qu’il pouvait peindre à l’intérieur, à son propre rythme : des fleurs coupées rassemblées dans un vase. C’était un sujet qu’il avait déjà utilisé, utile précisément parce qu’il n’exigeait rien de la météo ni de ses nerfs, seulement de son œil pour la couleur.
Il travailla cette semaine-là sur deux arrangements d’iris en vase et deux de roses, les peignant en rapide succession, presque comme un ensemble. « Ce sont des études de fleurs », écrivit-il à leur propos, faites pour le pur plaisir de la couleur après une année qui l’avait durement éprouvé. Vase with Irises, mesurant 73,5 sur 92 centimètres, est l’un de ce couple.
Une touffe de violet sur un champ de jaune
La peinture est construite à partir de presque rien : un vase en terre cuite simple, un bouquet serré d’iris, une table et un mur. Van Gogh donne aux fleurs tout le canvas, laissant leurs tiges courbées et leurs pétales recourbés remplir le cadre d’un bord à l’autre.
Les iris débordent vers l’extérieur et vers le bas autant que vers le haut. Certaines fleurs se tournent pour faire face au spectateur de plein fouet, d’autres glissent par-dessus le rebord du vase et pendent vers la table en dessous.
De longues feuilles en forme de lame traversent le bouquet en vert pâle, droites là où les fleurs elles-mêmes sont pliées et nouées. Derrière et sous tout cela court un jaune unique et ininterrompu, mur et plateau de table peints dans presque la même ocre chaude, de sorte que le vase semble presque flotter libre de tout horizon.
Il n’y a aucun autre objet dans la pièce à regarder, pas de fenêtre, pas d’horloge, pas de second vase. Les fleurs sont l’événement entier, et l’œil n’a nulle part ailleurs où aller.
La poussée et la traction de la couleur complémentaire
Van Gogh travaillait ici à partir d’un principe qu’il avait étudié de près : le violet et le jaune se font face sur le cercle chromatique, et placés côte à côte, chacun pousse l’autre vers son intensité la plus extrême. Il avait utilisé le même procédé auparavant avec le bleu et l’orange de ses tournesols et de ses chaises ; ici c’est le violet contre le jaune à la place, et le choix est tout aussi délibéré.
De près, les iris ne sont pas d’un seul bleu mais d’une gamme mouvante d’outremer, de cobalt et de violet, certains pétales traînés presque jusqu’au noir en leur centre, d’autres éclaircis vers le gris-bleu sur le bord. Il dessinait chaque fleur d’un trait de contour sombre et recourbé, non sans ressemblance avec les lignes de plomb des vitraux, puis remplissait la forme de coups de pinceau courts et chargés.
Le fond jaune est traité plus ouvertement, en coups plus longs qui laissent la trame de la toile apparaître par endroits. C’est une surface plus simple, construite pour retenir l’œil sur les fleurs plutôt que pour rivaliser avec elles.
La peinture est épaisse là où les iris se pressent au centre du bouquet, et s’amincit vers les bords de la toile. Rien ici n’est lissé : le travail du pinceau reste visible partout, dans la surface d’argile rugueuse du vase, dans les coups diagonaux rapides des feuilles, dans les petites touches de blanc et de bleu pâle qui accrochent le bord retourné d’un pétale.
Sur un mur, dans une lumière changeante
Vase with Irises est conservé par le Van Gogh Museum à Amsterdam, et c’est une peinture qui se comporte différemment selon où et comment on la voit. Dans une lumière du jour plate, le jaune se lit chaud et posé ; sous une lampe la nuit, il vire vers l’or, et les violets s’approfondissent jusqu’à ce que certains pétales paraissent presque noirs.
Sur un mur uni autour d’elle, la peinture a la place de faire ce pour quoi Van Gogh l’a construite : attirer l’œil par la seule couleur, sans anecdote requise et sans rien d’autre dans le cadre pour rivaliser avec le vase. Elle récompense une minute de regard plutôt qu’un coup d’œil, ce genre qui remarque comment un coup de pinceau chargé peut tenir lieu de pétale entier.
C’est, en fin de compte, une image faite rapidement sous une réelle pression, dans les derniers jours d’un long séjour dans un asile, par un homme sur le point de partir vers un autre lieu et une tout autre chose. Cette urgence ne s’est pas émoussée avec le temps. Si quelque chose, le violet et le jaune tirent encore l’un contre l’autre aussi fort qu’ils le faisaient la semaine où ils furent peints.
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