Vase aux roses roses : histoire, signification et facture
Au printemps 1890, Vincent van Gogh avait passé près d’un an à entrer et sortir de crise à l’asile de Saint-Paul-de-Mausole, en lisière de Saint-Rémy-de-Provence. Les cyprès et les champs de blé qui l’avaient absorbé tout l’hiver, peints en plein air chaque fois que son état le permettait, cédèrent, lors de sa dernière quinzaine sur place, à quelque chose de plus petit et de plus calme. Il se mit à travailler d’après des fleurs coupées posées sur une table à l’intérieur, un sujet qui n’exigeait rien du temps ni de ses nerfs.
Nature morte : Vase aux roses roses, peint en 1890 sur une toile mesurant 90 sur 71 centimètres, appartient à ce bref et délibéré changement de sujet. Il prend place parmi une courte série de pièces florales, roses et iris notamment, que Van Gogh réalisa dans les jours précédant son départ définitif de Provence, vers le nord, pour Auvers-sur-Oise et les soins du docteur Gachet.
Une dernière tâche avant de quitter le Sud
Van Gogh avait demandé à son frère Theo, dont il dépendait pour son soutien, s’il pouvait risquer le voyage vers le nord une fois le pire de ses crises semblé passé. Peindre des fleurs entre-temps occupait sa main sans la contrainte physique d’une longue journée dehors à poursuivre la lumière changeante à travers un champ. C’était un travail régulier, répétable, et il lui permettait de ne penser qu’à la couleur seule, sans horizon ni sujet humain à organiser.
Il avait passé l’année à expérimenter jusqu’où une nature morte pouvait porter l’émotion par la couleur et la touche plutôt que par l’incident. Un vase de roses, vu de près et éclairé uniformément, lui offrait exactement ce genre de problème à résoudre une fois encore avant le déménagement.
Il n’y a rien de valedictoire dans le traitement. La peinture s’applique avec la même urgence que dans ses vues du jardin de l’asile, comme si l’immobilité du sujet était un choix formel plutôt qu’un signe de fatigue.
Un bouquet posé contre du vert
La toile est dominée par un bouquet lâche et débordant de roses rassemblées dans un simple vase en terre cuite, dont l’anse est à peine visible sur un côté. Les fleurs s’entassent vers le haut et vers l’extérieur bien au-delà du rebord, certaines entièrement ouvertes et tournées vers le spectateur, d’autres encore en boutons serrés sur des tiges courbées qui débordent du bord du vase et se répandent sur la table en dessous.
Derrière les fleurs, le mur est travaillé en coups de pinceau amples, presque atmosphériques, d’un vert pâle, appliqués en longues passes diagonales qui donnent à l’arrière-plan sa propre énergie agitée. Le plateau de table sous le vase est d’un vert plus profond et plus solide, ancrant l’arrangement et le séparant clairement du mur derrière. Quelques tiges et fleurs détachées reposent en bas à gauche, entièrement hors du vase, brisant la symétrie du bouquet principal.
L’œil se pose d’abord sur le groupe dense de fleurs au centre de la toile, là où la peinture est la plus épaisse et où les pétales sont construits en touches courtes et superposées. De là, il se déplace vers l’extérieur le long des tiges tendues, suivant le rythme des feuilles plutôt qu’une ligne unique.
Une peinture exécutée à la hâte
Van Gogh travailla cette toile rapidement, en touches qui décrivent la structure autant que la surface. Chaque rose est construite à partir d’une poignée de touches courbes et chargées plutôt que d’un modelé fondu, de sorte que les pétales conservent la forme du pinceau qui les a faits.
Les feuilles sont posées en tirets courts de deux ou trois verts distincts, sombres et froids là où elles tombent dans l’ombre parmi les tiges, plus clairs et plus chauds là où elles accrochent la lumière près du sommet du bouquet. Cette variation donne au feuillage du poids et de la profondeur sans aucun adoucissement des contours.
Les coups de pinceau de l’arrière-plan courent dans une direction entièrement différente de celle des fleurs, un courant de vert pâle se déplaçant en diagonale sur le mur. Ce contraste entre un bouquet calme et contenu et un arrière-plan en mouvement visible constant est l’un des effets les plus distinctifs du tableau.
Un rose que le temps a adouci
Les roses apparaissent aujourd’hui presque blanches, touchées çà et là d’une faible chaleur aux bords des pétales. Ce n’est pas ainsi que Van Gogh les a laissées. Les pigments de laque rouge qu’il utilisait pour le rose dans plusieurs de ses peintures florales de 1890 étaient notoirement fugaces, enclins à perdre leur couleur sous la lumière au fil des décennies.
Ce qui reste est un bouquet plus silencieux que celui qu’il a peint, son rose réduit à un souvenir conservé principalement dans le titre. Le cadre vert, construit à partir de pigments plus stables, est resté bien plus proche de sa force originelle, ce qui explique en partie pourquoi le tableau se lit aujourd’hui comme une étude en couleur froide plutôt que comme le contraste plus chaud que Van Gogh voulait.
Vivre avec le tableau
Accroché dans une pièce qui reçoit une lumière du jour changeante, le tableau change de caractère au fil de la journée. Dans une lumière plus plate, les touches vertes de l’arrière-plan se lisent comme un motif, presque abstrait ; lorsque la lumière rase la surface, les reliefs de peinture dans les pétales et les feuilles projettent leurs propres petites ombres, et la touche devient l’événement principal.
Il mérite un endroit où l’on peut s’en approcher de près comme le voir depuis l’autre bout d’une pièce. De loin, le bouquet se lit comme une seule masse douce de blanc et de vert ; de près, il se résout en dizaines de touches individuelles et décisives, chacune un témoignage d’une main se déplaçant vite dans les derniers jours avant un long voyage vers le nord.
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