Vase blanc avec roses et autres fleurs : l'histoire
Paris, 1886 : réapprendre à voir la couleur
Vincent van Gogh arriva à Paris au printemps 1886 avec une habitude de peinture qu’il devait briser. Les tableaux qu’il avait réalisés à Nuenen, sombres études de paysans et de champs de pommes de terre, appartenaient à une palette construite sur les terres d’ombre et les noirs. Paris lui demandait autre chose.
Il s’installa chez son frère Theo et commença à regarder, attentivement, ce que les autres peintres faisaient de la couleur. Les toiles impressionnistes, les estampes japonaises punaisées au mur de l’atelier, la touche brisée qui sortait des ateliers de Montmartre : tout cela affirmait que la lumière n’était pas brune.
Les fleurs devinrent son cahier d’exercices. Elles étaient bon marché, elles n’avaient pas besoin d’un modèle pour rester immobile pendant des heures, et un vase de fleurs mélangées lui permettait d’essayer une combinaison de couleurs contre une autre sans la pression d’un sujet fini et vendable suspendue à chaque coup de pinceau.
Un bouquet rassemblé dans un vase blanc
Vase blanc avec roses et autres fleurs, peint en 1886 et mesurant un modeste 25,5 par 37 centimètres, est un résultat de ce programme personnel. C’est un tableau petit et resserré, conçu pour être travaillé en une séance ou deux plutôt que laborieusement repris.
Un vase en céramique pâle et bombé repose bas dans le cadre, son émail captant des reflets gris-bleu froids renvoyés par le mur derrière lui. Il en monte une poignée indisciplinée de tiges : des fleurs groupées orange-abricot penchent d’un côté, des grappes de fleurs bleu-violet s’ouvrent de l’autre, et un feuillage sombre, presque vert-noir, se faufile à travers tout l’arrangement pour le tenir ensemble.
Le vase lui-même est à peine modelé au-delà de quelques touches économes, juste assez pour suggérer son ventre gonflé et son col étroit. Van Gogh ne s’intéressait pas à décrire la porcelaine. Il voulait une forme claire et neutre qui laisserait la couleur des fleurs faire le travail.
Derrière le bouquet, le mur se lit comme un bleu-gris doux et fumé, posé en couches fines et irrégulières de sorte que le fond plus chaud transparaisse par endroits. En dessous, le plateau de la table est d’un brun rougeâtre strié de touches de rouge, une étagère chaude contre laquelle le mur froid et le vase pâle prennent tous deux appui.
Orange contre bleu
Toute la logique du tableau repose sur un contraste : les grappes orange chaudes placées contre les bleus plus froids du fond et les fleurs violettes à côté d’elles. C’est un accord tout droit sorti de la théorie des couleurs que Van Gogh absorbait cette année-là, des teintes complémentaires placées côte à côte pour que chacune intensifie l’autre.
Regardez de près : les fleurs orange ne sont pas rendues comme des pétales individuels tant que comme des touches de peinture chargées et séparées, épaisses et un peu maladroites, posées mouillé et laissées telles quelles. Les fleurs bleu-violet en face sont construites de la même manière, en courtes touches plutôt qu’en passages fondus.
Le feuillage est la note la plus sombre du tableau, presque noir par endroits, et il est peint plus librement encore, presque griffonné, donnant au bouquet l’impression d’avoir été simplement jeté dans le vase plutôt qu’arrangé. Rien ici n’est lissé ni poli ; le pinceau bouge vite et les marques restent visibles.
Cette rapidité est l’essentiel. Une étude de fleurs faite en un après-midi ne pouvait pas se permettre le glaçage patient de la peinture de nature morte académique, et Van Gogh ne cherchait pas ce type de fini. Il voulait voir, immédiatement, ce que faisait une couleur assise à côté d’une autre.
Ce que le tableau fait sur un mur
Accroché à hauteur des yeux dans une pièce à la lumière changeante, ce type de tableau se comporte différemment au fil de la journée. La lumière du matin fait ressortir le bleu-gris froid du fond et laisse le vase paraître presque argenté ; plus tard, une lumière plus chaude attire les fleurs orange vers l’avant jusqu’à ce qu’elles semblent se tenir légèrement devant la toile.
C’est un petit tableau, et il récompense l’observation de près, là où les touches chargées individuelles se séparent en touches de couleur distinctes plutôt que de se résoudre en une surface lisse. Reculez et ces mêmes touches se rassemblent à nouveau en bouquet.
Cette double lecture, lisible comme travail de pinceau de près et comme poignée de fleurs rassemblées depuis l’autre bout d’une pièce, est exactement ce qu’une étude rapide et exploratoire comme celle-ci peut offrir à un mur, ce qu’un tableau plus fini et plus soigné ne peut pas.
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