파이프와 밀짚모자를 쓴 자화상 이야기와 의미, 붓질

반 고흐 「파이프를 물고 밀짚모자를 쓴 자화상」의 손으로 그린 유화 복제화, 싱그러운 점묘 색채로, 밀짚모자를 쓰고 파이프를 문 화가 — 파이프를 물고 밀짚모자를 쓴 자화상, 1887; Stedelijk Museum Amsterdam · 복제화 보기

1887년 봄, 빈센트 반 고흐는 파리에서 1년 넘게 살고 있었고, 감당할 수 있는 모델이 바닥나고 있었습니다. 그의 형 테오는 화상으로서의 modest한 수입으로 가계를 꾸려 나갔고, 모델을 세우는 데는 빈센트가 쓸 여유가 없는 돈이 들었습니다. 그래서 그는 거울을 자신에게로 돌렸고, 몇 번이고 반복해서, 주변 화가들에게서 배우는 모든 것을 자기 얼굴로 시험했습니다. 30 x 42센티미터의 이 작은 캔버스는 그 자체로 부과한 견습의 결과 중 하나입니다.

실험실로 쓰인 얼굴

반 고흐는 뉘넨과 앤트워프의 어둡고 흙빛 나는 화법으로 그림을 그리던 상태로 파리에 도착했습니다. 몇 달 안에 그는 인상주의를, 피사로와 시냐크의 분할된 색채를, 도시 전역에서 거래되고 수집되던 일본 판화에서 나오는 평면과 대담한 윤곽을 열심히 들여다보고 있었습니다.

그는 이런 생각을 제대로 시험해 볼 모델을 고용할 돈이 없었기에, 대신 자신이 모델이 되었습니다. 파리에서 약 2년 동안 그는 스무 점이 넘는 자화상을 그렸고, 각각은 색채, 붓질 또는 분위기에 대한 서로 다른 시험이었으며, 이 작품은 그중에서도 가장 직접적인 것에 속합니다.

밀짚모자는 효과를 위해 고른 화실 소품이 아닙니다. 그것은 평범한 시골 사람의 머리쓰개였고, 브라반트에서 농민들에게 씌워 그리고 자신도 썼던 종류였으며, 여기서는 그렇지 않으면 모두 파리인 얼굴 위에 이상하게, 거의 도전적으로 앉아 있습니다. 즉, 그림자보다 색채로 처리된, 민첩하고 경계하는 얼굴입니다.

캔버스가 실제로 담고 있는 것

모자는 그림의 위쪽 절반을 거의 가득 채우고, 넓은 챙은 비스듬히 내려가 있어 얼굴의 절반이 그 그늘에 들어갑니다. 반 고흐는 노랑과 황토의 길게 뻗은 붓질로 그것을 만들었고, 짚이 그림자를 받는 짜임에는 더 차가운 회청색을 넣어, 모자가 평평하기보다는 짜여 있고 입체적으로 읽히게 했습니다.

그 아래에서 얼굴은 시청자로부터 살짝 돌아가 있지만 눈은 시청자에게 고정되어 있으며, 이런 작은 긴장이 초상화에 그 경계하는 느낌을 줍니다. 피부는 피부가 보통 그려지는 방식으로 그려지지 않았습니다. 녹색이 광대뼈를 따라 그리고 눈두덩 주위를 흐르고, 분홍이 코를 물들이며, 황토와 흰색은 섞인 색조가 아니라 짧고 분리된 붓질로 나란히 놓여 있습니다.

붉은빛 파이프가 수염에 물려 있고, 자루는 캔버스 오른쪽으로 뻗어 구도의 대칭을 깨뜨립니다. 수염 자체는 빠른 붓질의 덤불이며, 생강색과 갈색에 흰색과 검은색이 섞이고, 위의 모자와 같은 절약된 수단으로 쌓아 올려졌습니다.

어깨는 청록색의 느슨하고 거친 붓질로 흘러내리며, 재킷이나 작업복은 묘사된 옷이라기보다 거의 해칭의 장처럼 표현됩니다. 인물 뒤의 배경은 얇고 창백하게 남겨져 있으며, 따뜻한 미색 위에 희미한 대각선 붓질이 덧입혀져 캔버스의 짜임이 비쳐 보이게 합니다. 완성된 배경이라기보다 스케치에 가깝습니다.

빛의 일을 하는 색채

여기서 어떤 것도 전통적인 빛과 그림자로 입체감을 내지 않습니다. 대신 반 고흐는 색을 색에 대립시킵니다. 모자의 금색은 창백한 바탕에, 그늘진 뺨의 녹색은 빛을 받는 쪽의 따뜻한 황토에, 재킷의 청록색은 수염의 주황색에 맞섭니다.

이것은 그 봄 그가 신인상주의자들에게서 흡수하고 있던 교훈입니다. 즉, 얼굴은 하나의 살색으로 매끄럽게 만들기보다 나란히 놓인 보색 붓질로 만들 수 있다는 것입니다. 그는 그들의 엄격한 점묘법을 통째로 받아들이지는 않았지만, 대비되는 색의 작은 붓질이 입체감을 만들게 하는 습관은 그의 남은 생애 동안 그에게 남았습니다.

결과는 정지 상태에서도 약간 진동하는 듯 보이는 얼굴이며, 해부학보다 얼굴 전체에 걸친 따뜻한 색과 차가운 색 패치의 균형으로 유지됩니다. 곳곳에서 미완성처럼 보이는 그림이고, 그 거친 느낌은 이 그림이 공식적인 초상 rather than 작업 문서처럼 느껴지게 하는 요소의 일부입니다.

자리를 지키는 작은 캔버스

30 x 42센티미터로, 이것은 modest한 대상이며, 웅장한 초상화보다 습작에 가깝고, 그 규모는 그것이 무엇인지에 어울립니다. 즉, 빠르게 그린 사적인 연습작이지 의뢰받은 선언이 아닙니다. 서재나 복도가 주는 정도의 빛에서 가까이 보면, 개별 붓질이 분리됩니다. 금색 옆에 회색, 녹색 옆에 분홍색이 놓여 그림은 거의 추상적으로 됩니다.

뒤로 물러서거나 방의 빛이 저녁 쪽으로 바뀌게 하면, 같은 붓질들이 다시 얼굴로 풀려납니다. 모자 챙 아래에서 눈을 마주하는 얼굴이며, formal 초상화가 거의 해내지 못하는 직접성으로 시청자를 맞이합니다. 원화는 오늘날 암스테르담 국립미술관(Stedelijk Museum Amsterdam)에 걸려 있으며, 반 고흐의 긴 파리 자화상 연작에서 더 평범하고 더 탐구적인 항목 중 하나로, 허영보다는 화가가 색채로 보는 법을 스스로 가르친 것에 관한 작품으로 자리합니다.