Autorretrato con la oreja vendada: historia y significado
Vincent van Gogh había pasado buena parte de 1888 en Arles tratando de construir algo que llamaba un estudio del sur, una casa de artistas trabajando codo con codo. Paul Gauguin llegó ese octubre, y para diciembre el arreglo se había agriado en discusiones que ninguno de los dos podía dejar atrás. En la noche del 23 de diciembre de 1888 la tensión quebró a Van Gogh, y se cortó parte de su propia oreja. Fue ingresado en el hospital de Arles en cuestión de horas, y por un tiempo no estuvo claro que fuera a recuperar el equilibrio en absoluto.
Arles, el cambio de año
Fue dado de alta del hospital a principios de enero de 1889, todavía vendado, todavía conmocionado, y volvió directamente a su habitación alquilada. Pintar no era una distracción de lo que había ocurrido. Era su manera de comprobar si aún podía ver con claridad y sostener el pincel con firmeza, y su manera de decirle a su hermano Theo, sin necesidad de escribirlo en una carta, que pensaba seguir adelante.
Este autorretrato es el resultado. No lleva autocompasión ni teatro. Un hombre nos mira desde su propio caballete, días después de la peor noche de su vida, y la imagen que hace es serena, atenta, enteramente bajo su propio control.
Un rostro que no revela nada
Van Gogh se sienta cerca del plano del cuadro con un pesado abrigo verde abotonado hasta el cuello, un gorro oscuro de piel con un borde azul verdoso calado sobre la cabeza. Un vendaje blanco envuelve el lado derecho de su rostro, cubriendo la oreja y la mandíbula y anudado en algún punto bajo el gorro, el único hecho llano del cuadro que no necesita explicación.
Sus ojos son de un verde pálido y se encuentran directamente con los nuestros, sin vacilar y sin súplica. La boca está apretada, la piel construida con pinceladas de ocre, rosa y amarillo enfermizo que, de cerca, se leen como magulladuras más que como simple pintura. No hay pipa, ni ningún tipo de accesorio. Le da al espectador su rostro y nada más.
Lo que cuelga en la pared detrás de él
Detrás de su hombro hay una estampa japonesa de xilografía, fijada plana contra la pared amarilla: pequeñas figuras en un paisaje, una montaña pálida, manchas de rojo y azul que resuenan contra el fondo crema de la estampa. Van Gogh había coleccionado estampas como esta en París y se apoyó en ellas constantemente para ideas sobre color plano y contorno limpio, y su presencia aquí, en una habitación que apenas había dejado, dice algo sobre adónde quería ir todavía su ojo incluso en la recuperación.
A la derecha, una ventana alta o marco de puerta en gris azulado frío cierra la composición y contiene el calor de la habitación. La estampa y la ventana se sitúan en temperaturas opuestas, una un destello de color traído de otro lugar, la otra la luz gris llana de un invierno de Arles presionando contra el cristal.
Cómo está aplicada la pintura
El abrigo está construido con pinceladas cortas e insistentes de verde aplicadas sobre una base de verde más oscuro, de modo que la tela parece sostener su propia sombra. El gorro de piel es aún más grueso, trabajado con toques contundentes de negro y azul que atrapan luz real de la superficie del lienzo. Frente a todo esto, el vendaje está pintado casi plano y muy blanco, el único pasaje del cuadro sin lucha visible en él.
Van Gogh puso ese abrigo verde contra una pared de ocre amarillo cálido, un emparejamiento de colores casi complementarios que usó una y otra vez para hacer vibrar un cuadro sin levantar la voz. El efecto aquí no es celebratorio. Estabiliza el cuadro, del modo en que un aliento contenido estabiliza una mano.
En una pared, con luz real
El original mide unos modestos 50 por 60,5 centímetros y lo conserva la Courtauld Gallery de Londres, lo bastante cerca en escala como para que el rostro se lea a un tamaño cercano al natural. Ese tamaño importa más de lo que parece: este es un cuadro hecho para un encuentro cercano, no para uno grandioso.
Bajo una luz cálida de atardecer, la pared amarilla detrás de él se profundiza y el abrigo verde se hunde en la sombra, dejando el vendaje y los ojos pálidos como las dos cosas que aún atrapan la luz. Bajo la luz más plana de la mañana, la estampa recupera su color y toda la superficie se lee de manera más uniforme, más cerca de cómo el propio Van Gogh la habría visto secarse en su habitación alquilada en enero de 1889.
Lo que permanece constante, sea cual sea la luz, es la mirada. Dondequiera que cuelgue el cuadro, es el único elemento que no cambia con la habitación que lo rodea.
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