Autorretrato con sombrero de paja: historia y significado
En 1887 Vincent van Gogh llevaba poco más de un año en París, compartiendo un apartamento con su hermano Theo en la Rue Lepic, y el dinero para modelos contratados rara vez alcanzaba para más que una hogaza de pan. Resolvió ese problema como solía hacerlo: colocó un espejo y se pintó a sí mismo. Autorretrato con sombrero de paja, fechado en 1887, es uno de los resultados de esa costumbre, un pequeño lienzo que lo capta en pleno experimento más que posando para la posteridad.
Los años de París importaron porque lo expusieron, casi de la noche a la mañana, a pintores que apenas conocía en los Países Bajos, desde Pissarro hasta el círculo en torno a Seurat. Este cuadro, que ahora forma parte de la colección del Museo Van Gogh, muestra a un pintor que todavía estaba dilucidando qué significaba su ejemplo para su propia mano.
Un rostro girado de lado, no hacia el espectador
La cabeza ocupa la mayor parte del pequeño lienzo, de 31 por 41 centímetros, y gira ligeramente fuera del centro, de modo que los ojos se encuentran con el espectador en ángulo en lugar de frontalmente. Ese ligero giro evita que el cuadro se lea como una simple comprobación en el espejo.
Un sombrero de paja de ala ancha se asienta bajo sobre su cabeza, y su copa y su ala están construidas con trazos cortos y curvos de amarillo, ocre y un crema más pálido donde la luz alcanza el tejido. El ala proyecta una sombra suave sobre la mitad superior del rostro, de modo que la frente queda en colores más fríos mientras las mejillas y la nariz llevan la calidez de la luz directa.
Bajo el sombrero, una barba y un bigote de color rojo dorado, trazados con trazos sueltos hacia arriba, enmarcan una boca mantenida en una línea plana y cerrada. Los ojos, de un gris azulado pálido, son la única zona de verdadera quietud en el lienzo, fijos en algo justo más allá del hombro del espectador en lugar de en el espectador.
El azul respondiendo al amarillo
Van Gogh construyó todo el cuadro sobre un único contraste de color: el amarillo cálido del sombrero contra un fondo trabajado enteramente en azules, aplicados en trazos cortos y diagonales que recorren el lienzo casi como líneas de peinado. Toques más oscuros de verde azulado y verde rompen ese campo azul, de modo que nunca se asienta en una capa plana.
Su chaqueta pertenece a la misma familia de azules que el fondo, así que el abrigo casi se disuelve en él, y solo una corbata verdosa pálida en el cuello y una franja de cuello blanco separan la figura del fondo. Esa cercanía de tono parece deliberada, el tipo de emparejamiento de amarillo contra azul que los pintores parisienses de los que estaba aprendiendo usaban para hacer que un lienzo pareciera vibrar en lugar de quedarse quieto.
En ninguna parte de la superficie el color está mezclado hasta quedar liso. Cada trazo permanece visiblemente sí mismo, colocado junto a su vecino en lugar de fundirse con él, de modo que la pintura conserva un leve parpadeo incluso cuando el cuadro se ve desde el otro lado de una sala.
La pintura como registro de velocidad
La pincelada es corta y repetida en lugar de larga y descriptiva, y van Gogh no hace ningún esfuerzo por ocultarla. Los trazos del sombrero van en una dirección, los del fondo en otra, los de la barba en una tercera, de modo que el cuadro se lee casi como un diagrama de la mano que lo hizo.
Esa franqueza venía tanto de la necesidad como de la ambición. Trabajar a partir de su propio reflejo significaba trabajar rápido, antes de que la pose o la luz cambiaran, y las marcas rápidas y separadas de pintura son en parte un registro de esa urgencia.
Para 1887 también era un método asentado más que un accidente. A lo largo de su serie de autorretratos parisienses, de los cuales este es uno de muchos, van Gogh usó su propio rostro una y otra vez para probar hasta dónde podían llegar el color quebrado y los trazos cortos y direccionales antes de que el parecido cediera ante la propia pintura.
Un pequeño lienzo que llena una sala
Con 31 por 41 centímetros, el original es de escala cercana a la de un libro grande, hecho para ser encontrado de cerca más que leído desde el otro lado de un pasillo. Reproducido a ese tamaño o mayor, la misma cercanía se mantiene: el sombrero y los ojos siguen siendo lo primero que nota una sala.
La luz de la mañana tiende a aplanar los azules en un único campo silencioso, de modo que el sombrero amarillo se lee casi solo contra la pared detrás de él. La luz de la tarde o de una lámpara calienta esos mismos azules hacia el violeta y saca el verde de la corbata, de modo que el cuadro cambia de ánimo sin que cambie un solo trazo.
Lo que permanece constante es el ángulo de la mirada. Dondequiera que cuelgue el cuadro, esa mirada de lado sigue encontrándose con quien entra en la sala desde un ángulo, nunca del todo de frente, lo cual es parte de por qué recompensa una segunda y una tercera mirada en lugar de quedarse fijo tras la primera.
Más de esta colección
Lleve este cuadro a su hogar
Elija una reproducción al óleo pintada a mano para obtener un auténtico trabajo de pincel, o una estampa de arte sobre lienzo para una edición fiel a la imagen del museo. Cada tamaño preserva las proporciones del original.
Ver esta obra y sus opciones
Para profundizar
Verifique el original en Registro de la colección Van Gogh Museum y continúe con las obras asociadas del catálogo.