Autorretrato con vaso: historia, significado y pinceladas
En el verano de 1887, Vincent van Gogh llevaba más de un año viviendo en París, compartiendo un apartamento con su hermano Theo en la Rue Lepic y pasando sus días entre pintores que hablaban del color como los químicos hablan de compuestos. Había llegado desde Amberes trabajando todavía con la paleta oscura y terrosa del campo holandés. París deshizo ese hábito rápidamente.
Se relacionó con pintores que experimentaban con el color quebrado, entre ellos Signac y, a través del marchante de grabados Julien Tanguy, el ejemplo de Seurat. Van Gogh comenzó a aplicar la pintura en toques pequeños y separados en lugar de pasajes mezclados, probando cómo el rojo contra el verde o el azul contra el naranja podían hacer que una superficie pareciera vibrar en lugar de simplemente describir un rostro. Autorretrato con vaso, pintado en 1887, es uno de los resultados de ese experimento.
Un modelo que no costaba nada
Los modelos eran un lujo que Van Gogh rara vez podía permitirse en París. Un espejo y su propio rostro resolvieron ese problema, y volvió a él obsesivamente, produciendo más de veinte autorretratos durante sus dos años en la ciudad. Cada uno se lee menos como vanidad que como práctica, una forma de aplicar una nueva técnica a un sujeto al que no tenía que pagar ni persuadir para que se quedara quieto.
Este lienzo en particular lleva su firma y el año en la esquina superior izquierda, escritos simplemente como Vincent 87. Con 50 por 61 centímetros es una imagen modesta y de encuadre cerrado, concebida para el estudio más que para la exhibición, y ahora pertenece al Museo Van Gogh de Ámsterdam.
Lo que muestra el lienzo
Van Gogh se presenta de medio cuerpo, ligeramente girado de modo que su mirada se encuentra con la del espectador en ángulo en lugar de frontalmente. Una pipa está apretada en su boca, su boquilla inclinada hacia abajo más allá de su barba, y en la esquina inferior derecha un vaso con un líquido rojo oscuro se apoya en el borde invisible de una mesa o repisa.
Su chaqueta es de un azul verdoso profundo, casi negro, pintada con trazos cortos y acanalados que captan la luz de manera desigual sobre los hombros. Un cuello blando y blanco se abre en la garganta, el único pasaje del cuadro sin ningún color luchando por llamar la atención. Cerca del hombro izquierdo, una pequeña mancha de azul suelto, verde y ocre rompe la tela oscura, como si un trapo o una mancha de pintura húmeda la hubiera rozado mientras trabajaba.
Su rostro es donde la técnica se muestra más claramente. Trazos rosas, verdes y amarillo pálido se asientan uno al lado del otro por la frente y las mejillas, nunca del todo mezclados, de modo que la piel parece parpadear en lugar de quedarse quieta. Su cabello y barba, de un pelirrojo rubio y rojizo, están construidos de la misma manera, aplicados a toques en lugar de sombreados, y sus ojos azules se mantienen firmes bajo cejas dibujadas con unas pocas líneas oscuras y decididas.
Color construido a partir de pequeños trazos
El fondo es donde el nuevo método es más fácil de leer a distancia. No es una pared plana sino un campo de óxido, ocre y rojo apagado dispuesto en rayas cortas y direccionales que corren en diferentes orientaciones alrededor de la cabeza, más cerca en algunos lugares del tramado que de una superficie pintada. Nada en él describe una habitación; existe solo para hacer resaltar la figura y dejar que un color cálido discuta con otro.
En todo el cuadro hay una fina red de grietas superficiales, el tipo de envejecimiento común a la pintura al óleo de esta fecha, que bajo luz rasante añade una segunda textura no planificada a la propia pincelada inquieta de Van Gogh. La pintura misma es espesa en algunos lugares, casi arrastrada, y fina en otros donde la urdimbre del lienzo aún se transparenta.
Lo que hace coherente el cuadro es una contención de un tipo que rara vez se le reconoce a Van Gogh. La paleta es estrecha, construida mayormente con rojos, verdes y un puñado de neutros cálidos, y cada trazo pertenece a esa familia limitada. Es un experimento controlado sobre hasta dónde puede llevar el color quebrado un parecido antes de que el parecido se disuelva en patrón, y aquí se detiene justo antes de ese punto.
En una habitación, cambiando con la luz
Visto desde el otro lado de una habitación, el cuadro se lee primero como un rostro contra un fondo cálido e inquieto, y el vaso y la pipa solo registran después como pequeños detalles específicos. Acérquese y la ilusión se descompone en cientos de marcas individuales, ninguna de las cuales describe nada por sí sola.
La luz del día y la luz de lámpara tratan la superficie de manera diferente. En la luz plana de la tarde, los rojos y verdes se asientan juntos y el rostro se lee con calma; bajo una bombilla más baja y cálida por la noche, las crestas de pintura proyectan sus propias sombras pequeñas, y el cuadro adopta un carácter más áspero y agitado, más cercano a cómo debió de verse recién terminado en el caballete.
Recompensa el tipo de mirada que la mayoría de las pinturas en una pared nunca reciben, un primer vistazo desde una puerta y un segundo desde unos centímetros de distancia, cada uno mostrando algo que el otro se perdió. Eso es, en última instancia, lo que un autorretrato pintado para practicar en lugar de para un cliente sigue ofreciendo a una habitación un siglo y más después: un rostro elaborado trazo a trazo, todavía legible, todavía ligeramente sin resolver.
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