Castaño de Indias en Flor: Historia
En la primavera de 1887, Vincent van Gogh llevaba casi un año en París, viviendo con su hermano Theo y atravesando un cambio en su pintura que no tuvo nada de suave. Había llegado desde Amberes con una paleta de marrones y grises construida sobre la tradición holandesa, y en pocos meses estaba eliminando la mayor parte de eso, mirando en cambio lo que Pissarro, Signac y los pintores más jóvenes alrededor de Montmartre hacían con el color aplicado en toques cortos y separados. Sacó su caballete a los parques y a las afueras de la ciudad, a Asnières y a los jardines cerca de su alojamiento, y pintó lo que tenía delante con muy poco incidente añadido.
Horse Chestnut Tree in Blossom, pintado ese año, pertenece a esta serie de cuadros de primavera. No hay camino, ni banco, ni figura que pasee. Es un solo árbol, visto de cerca y observado con detenimiento, que es precisamente el punto.
París, y una nueva forma de ver el color
El cambio en la pintura de Van Gogh a lo largo de 1886 y hasta 1887 no fue una cuestión de tema sino de método. Las escenas de campesinos holandeses dieron paso a las cosas que estaban a distancia caminable de Montmartre: tejados, orillas de ríos, árboles en flor a lo largo de los bulevares y en los parques. Leía a los impresionistas y a los neoimpresionistas más jóvenes de cerca, tomando prestado su color quebrado sin adoptar por completo el punto estricto del método de Seurat.
Los castaños de Indias eran, y siguen siendo, una vista familiar en los parques y avenidas parisinos, con su floración apareciendo en racimos erguidos y rígidos que jardineros y pintores por igual han llamado durante mucho tiempo velas. Para un artista que probaba una nueva forma de construir la forma enteramente a partir del color y el toque, un árbol en plena floración le daba exactamente lo que necesitaba: masas densas e irregulares de verde y blanco que no podían representarse con un contorno y tenían que construirse trazo a trazo.
Un árbol que llena todo el lienzo
La composición es casi desafiante en su sencillez. Un solo castaño, de forma aproximadamente cónica, ocupa casi toda la superficie pintada, con su copa empujando hacia arriba y hacia los bordes hasta que el cielo queda reducido a una estrecha banda de azul verdoso pálido a cada lado.
Toques de color crema pálido y blanco marcan la floración, concentrados con mayor densidad en las porciones superior e izquierda de la copa, donde la pintura se asienta notablemente más clara contra el verde circundante. Más abajo y hacia la base, el árbol se vuelve más oscuro y denso, con los racimos individuales más difíciles de separar entre sí.
Un tronco es apenas visible a través del centro del follaje, destacado con trazos de marrón rojizo que aparecen y desaparecen detrás de las hojas en lugar de formar una línea continua. En la esquina superior izquierda, una pequeña forma oscura, un solo pájaro en vuelo, es la única otra cosa viva en el cuadro, y es fácil pasarla por alto.
Debajo del árbol, un tramo bajo de muro de piedra pálida recorre la parte inferior izquierda, y el primer plano se abre a la hierba representada con trazos sueltos y horizontales de verde y ocre. Con 46,5 por 56 centímetros, el lienzo no es grande, lo que conviene a un cuadro construido en torno a un único acto de observación cercano y sostenido más que a una vista amplia.
Pintura aplicada en toques cortos y deliberados
Nada en el follaje está mezclado o suavizado. Van Gogh construyó la copa con cientos de trazos cortos y separados de verde, que van desde un tono oscuro, casi azul negruzco, pasando por el oliva y el salvia, hasta un verde amarillento brillante donde la luz toca la parte superior del árbol.
Cada trazo sigue la dirección de una hoja o de un racimo de hojas, de modo que la propia pincelada describe la estructura del árbol en lugar de hacerlo un contorno. Visto de cerca, la superficie se lee casi como un mosaico; visto de lejos, se resuelve en la masa reconocible de un castaño en flor.
La floración está tratada de la misma manera, con pequeñas pinceladas de blanco casi puro y crema rosado pálido colocadas directamente contra el verde en lugar de aplicadas como veladura sobre él, de modo que las flores parecen situarse hacia delante en la superficie de la copa. Es una forma rápida y física de pintar, y el cuadro conserva esa sensación de un árbol observado en una sola sesión sostenida en lugar de construido a lo largo de muchas.
Cómo queda el cuadro en una habitación
Un cuadro hecho casi enteramente de verde y luz quebrada se comporta de manera diferente según lo que lo rodee. En una habitación con luz natural suave y cambiante, la copa del árbol cambia con la hora, con los verdes azulados más fríos del cielo y la sombra adelantándose por la mañana, y los verdes amarillentos más cálidos captando más luz más tarde en el día.
Colgado en una habitación con plantas, o simplemente con abundante luz natural, el cuadro acompaña lo que ya está allí en lugar de competir con ello. Recompensa el tipo de observación que Van Gogh dedicó al propio árbol: no un vistazo, sino unos minutos dejando que los trazos se separen y se recompongan.
El cuadro, que ahora conserva el Museo Van Gogh, muestra a un artista a mitad de un cambio, probando color contra color en un tema que no le pedía nada más que atención. Sigue siendo uno de los cuadros más directos y sinceros de sus años en París, un árbol en flor y muy poco más.
Más de esta colección
Lleve este cuadro a su hogar
Elija una reproducción al óleo pintada a mano para obtener un auténtico trabajo de pincel, o una estampa de arte sobre lienzo para una edición fiel a la imagen del museo. Cada tamaño preserva las proporciones del original.
Ver esta obra y sus opciones
Para profundizar
Verifique el original en Registro de la colección Van Gogh Museum y continúe con las obras asociadas del catálogo.