Cuenco con Girasoles, Rosas y Otras Flores: Historia
A principios de 1886, Vincent van Gogh dejó atrás los marrones apagados de Nuenen y se mudó a París para vivir con su hermano Theo. Tenía treinta y dos años, era en gran medida autodidacta y estaba convencido de que su pintura necesitaba cambiar. A las pocas semanas de llegar había visto de primera mano los lienzos de Monet, Pissarro y los jóvenes impresionistas, y la paleta oscura y terrenal que había construido en el campo neerlandés empezó a parecer una carga más que un estilo.
Bowl with Sunflowers, Roses and Other Flowers, pintado ese mismo año, es uno de los resultados de ese ajuste de cuentas. Muestra a un pintor usando flores cortadas como un músico usa las escalas: como un tema fijo y paciente sobre el que reconstruir toda una manera de ver el color.
Un ejercicio de estudio que se convirtió en hábito
Las flores eran una elección práctica para un artista que reentrenaba su ojo. Eran baratas, se vendían en casi cada esquina de París y, a diferencia de un modelo contratado, no había que pagarlas por horas. Van Gogh compraba ramos, los arreglaba él mismo y pintaba rápido antes de que cayeran los pétalos.
A lo largo de 1886 trabajó en docenas de estos bodegones, a menudo varios en la misma semana, tratando cada uno como un experimento controlado con una combinación diferente de matices. Este cuenco, que mezcla girasoles con rosas y flores más pequeñas blancas y lilas, está entre los más plenos de ese grupo.
Los propios girasoles merecen una pausa. Dos años antes de que llenara la casa amarilla de Arles con los jarrones de girasoles que le dieron su reputación, ya aparecen aquí, codeándose entre rosas en un bodegón parisino, como si la flor ya hubiera captado su atención antes de que él supiera en qué se convertiría.
Lo que se posa sobre la mesa
El recipiente no es el jarrón alto y esbelto de las posteriores pinturas de Arles, sino un cuenco bajo y ancho de color verde apagado, más propio de una vasija de cocina que de una pieza de exposición. Se apoya sobre una losa plana de piedra o mármol cuya superficie gris queda rota por sueltas pinceladas de óxido y azul.
De él sale un arreglo denso, casi rebosante. Los girasoles con cabezas hirsutas y entreabiertas se alzan en la parte superior y se inclinan hacia la derecha, algunos ya caídos sobre sus tallos. Debajo de ellos se sitúa un espeso racimo de rosas en blanco y rosa sonrojado, cuyos pétalos están construidos con toques cortos y rizados de pintura, rodeados por una bruma de pequeñas flores blancas y lavanda que rellenan cada hueco restante.
La mirada recae primero en esas rosas pálidas del centro, el pasaje más brillante y más trabajado del cuadro, antes de ser arrastrada hacia arriba y hacia fuera, hacia las cabezas amarillas más pesadas de los girasoles. Nada en el arreglo es ordenado. Los tallos se cruzan, las flores se superponen y el ramo se lee como algo recogido a brazadas más que compuesto con pinzas.
Un lienzo partido por la mitad
El fondo es donde el cuadro asume su mayor riesgo. La mitad izquierda se asienta en ocre cálido y marrón sombra, cercana en tono a los colores terrosos de los años neerlandeses de Van Gogh. La mitad derecha irrumpe en un rojo rayado y vibrante, aplicado en pinceladas verticales irregulares que se leen casi como una cortina o una superficie reflectante que capta la luz.
Esa división enfrenta el marrón al rojo a lo largo de un único lienzo, con el cuenco y sus hojas verdes actuando como la bisagra entre ambos. El verde del cuenco y los tallos se posa como una nota fría y estabilizadora frente tanto al marrón cálido como al rojo ardiente, impidiendo que cualquiera de los dos lados del fondo abrume las flores que tiene delante.
Es una pieza contundente, casi experimental, de construcción del color, más cercana a un estudio que a un fondo resuelto, y eso es precisamente lo esencial: este es un lienzo hecho para probar qué hacen los colores junto a otros, no para describir una habitación.
La pintura misma
Van Gogh trabajó las flores con pinceladas gruesas y cargadas, aplicadas rápidamente y dejadas en gran medida sin mezclar. Los pétalos están construidos con trazos individuales de blanco, rosa o amarillo en lugar de formas suavemente modeladas, de modo que de cerca el ramo se disuelve en un campo de marcas separadas que solo se resuelven en rosas y girasoles desde una breve distancia.
La firma, «Vincent», se sitúa en rojo en la parte inferior izquierda, el mismo rojo que usó para su nombre de pila a lo largo de su carrera una vez que dejó de firmar con su apellido. Las dimensiones son modestas, 61 por 50 centímetros, más cercanas a un estudio que a una pieza de exposición, lo que conviene a un cuadro pintado a toda velocidad como uno entre muchos.
En la sala
El original cuelga hoy en la Kunsthalle Mannheim. En una pared, este es un cuadro que recompensa la luz cambiante en lugar de combatirla. Con una luz diurna más plana, el fondo ocre y rojo se leen con un peso similar, y el cuenco de flores se asienta como una única masa cálida.
Bajo una luz vespertina más cálida, el lado rojo del fondo se adelanta y las rosas blancas parecen despegarse del lienzo, avivándose de un modo que el lado marrón nunca iguala del todo. Es una pintura construida a partir de los inquietos experimentos con el color de un artista joven, y todavía se comporta así, desplazando su equilibrio según la luz que le caiga encima.
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