Jarrón con iris: historia, significado y pinceladas
Jarrón con iris fue pintado en 1890, en los últimos días que Vincent van Gogh pasó en el asilo de Saint-Paul-de-Mausole, en las afueras de Saint-Rémy-de-Provence.
Una última semana en Saint-Rémy
En la primavera de 1890 Van Gogh llevaba casi un año en el asilo, habiéndose ingresado allí tras la crisis en Arles que le costó parte de una oreja. Dentro de su jardín amurallado, bajo sus propios iris y plátanos, ya había trabajado en una larga serie de pinturas, desde cipreses y olivares hasta el cielo nocturno arremolinado sobre las colinas circundantes. Ahora se preparaba para marcharse, organizando su viaje al norte, a Auvers-sur-Oise, más cerca de París y de su hermano Theo.
En sus últimos días allí dejó de lado el paisaje y se volvió hacia algo que podía pintar en interiores, a su propio ritmo: flores cortadas reunidas en un jarrón. Era un tema que había utilizado antes, útil precisamente porque no le exigía nada al clima ni a sus nervios, solo a su ojo para el color.
Esa semana trabajó en dos arreglos de iris en jarrón y dos de rosas, pintándolos en rápida sucesión, casi como un conjunto. ‘Son estudios de flores’, escribió sobre ellos, hechos por el puro placer del color después de un año que lo había puesto a prueba duramente. Jarrón con iris, de 73,5 por 92 centímetros, es uno de ese par.
Un ramo de violeta sobre un campo de amarillo
La pintura está construida con casi nada: un jarrón de barro sencillo, un ramo apretado de iris, una mesa y una pared. Van Gogh les da a las flores todo el lienzo, dejando que sus tallos curvados y pétalos rizados llenen el marco de borde a borde.
Los iris se derraman hacia afuera y hacia abajo tanto como hacia arriba. Algunas flores giran para mirar al espectador de frente, otras se deslizan por el borde del jarrón y cuelgan hacia la mesa de abajo.
Hojas largas, como cuchillas, cruzan el ramo en verde pálido, rectas donde las flores mismas están dobladas y anudadas. Detrás y debajo de todo corre un único amarillo ininterrumpido, pared y tablero de mesa pintados en casi el mismo ocre cálido, de modo que el jarrón parece casi flotar libre de cualquier horizonte.
No hay ningún otro objeto en la habitación que mirar, ni ventana, ni reloj, ni un segundo jarrón. Las flores son el acontecimiento entero, y el ojo no tiene a dónde más ir.
El tire y afloje del color complementario
Van Gogh trabajaba aquí desde un principio que había estudiado de cerca: el violeta y el amarillo se sitúan uno frente al otro en el círculo cromático, y puestos lado a lado cada uno empuja al otro hacia su tono más intenso. Había utilizado el mismo recurso antes con el azul y el naranja de sus girasoles y sillas; aquí es violeta contra amarillo en su lugar, y la elección es igual de deliberada.
De cerca los iris no son un solo azul sino una gama móvil de ultramar, cobalto y violeta, algunos pétalos arrastrados hasta casi el negro en su centro, otros aclarados hacia el gris azulado en el borde. Dibujó cada flor con una línea de contorno oscura y rizada, no muy distinta de las líneas de plomo en el vitral, y luego llenó la forma con pinceladas cortas y cargadas.
El fondo amarillo está tratado de manera más abierta, en trazos más largos que dejan ver la trama del lienzo en algunos lugares. Es una superficie más llana, construida para mantener el ojo en las flores en lugar de competir con ellas.
La pintura se acumula espesa donde los iris se apiñan en el centro del ramo, y se adelgaza hacia los bordes del lienzo. Nada aquí está alisado: la pincelada permanece visible en todo momento, en la superficie rugosa de barro del jarrón, en los rápidos trazos diagonales de las hojas, en los pequeños toques de blanco y azul pálido que captan el borde girado de un pétalo.
En una pared, con luz cambiante
Jarrón con iris se conserva en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, y es una pintura que se comporta de manera distinta según dónde y cómo se vea. Con luz diurna plana el amarillo se lee cálido y asentado; bajo una lámpara de noche se inclina hacia el dorado, y los violetas se profundizan hasta que algunos pétalos parecen casi negros.
Con una pared lisa alrededor, la pintura tiene espacio para hacer lo que Van Gogh la construyó para hacer: atraer el ojo solo por el color, sin necesidad de anécdota y sin nada más en el marco que compita con el jarrón. Recompensa un minuto de contemplación en lugar de un vistazo, del tipo que nota cómo una pincelada cargada puede representar un pétalo entero.
Es, al final, una imagen hecha rápidamente bajo verdadera presión, en los últimos días de una larga estancia en un asilo, por un hombre a punto de mudarse a otro lugar y a algo completamente distinto. Esa urgencia no se ha embotado con el tiempo. Si acaso, el violeta y el amarillo siguen tirando el uno contra el otro tan fuerte como lo hacían la semana en que fueron pintados.
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