Jarrón con quince girasoles: historia, significado y pinceladas
En enero de 1889 Vincent van Gogh había vuelto a la Casa Amarilla de Arles, solo. Paul Gauguin se había marchado el mes anterior, tras la disputa que terminó con la herida en la oreja de Van Gogh y una estancia en el hospital, y las dos habitaciones que Van Gogh había decorado para la visita de su amigo estaban casi vacías. Los girasoles no florecen en un invierno provenzal, así que cuando decidió hacer más cuadros de los que habían colgado en la pared de Gauguin el agosto anterior, trabajó a partir de su propio lienzo anterior en lugar de un jarrón de flores frescas.
El resultado fue Naturaleza muerta: jarrón con quince girasoles, pintado aquel enero y conservado hoy por el Museo de Arte Sompo en Tokio. Con 76,5 por 100,5 centímetros está cerca del tamaño natural, una repetición meditada más que un estudio rápido, hecha con la misma atención que Van Gogh había dedicado a la primera versión cinco meses antes.
Una segunda versión, hecha con cuidado
Van Gogh usó la palabra repetición para cuadros como este, y lo decía con precisión. No copiaba en el sentido de calcar, sino que reconstruía una composición en la que ya confiaba, igualando la inclinación de cada cabeza de flor y el número exacto de quince flores de memoria y a partir de su propio lienzo anterior.
Había escrito a su hermano Theo sobre querer una decoración construida a partir de varios lienzos de girasoles, un conjunto de amarillos que se sostuviera como un esquema. Hacer repeticiones le permitía producir más de un cuadro a partir de una sola disposición lograda, para que ese esquema pudiera viajar o colgar en más de una habitación a la vez.
Ya le había dicho a Gauguin, medio en broma y medio en serio, que el girasol era suyo solo entre los pintores. Para enero esa afirmación se había vuelto más cierta que cuando la hizo por primera vez. Este cuadro es la flor repetida en sus propios términos, en su propia casa, una vez terminada la discusión que había llevado a Gauguin a Arles.
Quince cabezas contra un campo de amarillo
El cuadro no contiene nada más que un jarrón de loza sencillo y sus flores, sobre una mesa desnuda, contra una pared rota solo por una única línea horizontal que la divide del tablero de la mesa. Quince cabezas de girasol se apiñan saliendo de la boca del jarrón sobre gruesos tallos verdes, algunas erguidas y completamente abiertas, otras giradas de lado o mustias, pasadas de su mejor momento.
Unas cuantas cabezas han granado, con los pétalos raleados hasta formar un flequillo alrededor de centros oscuros y erizados; otras siguen siendo amplios discos de oro con un ojo verde en el centro. Una flor en la parte superior izquierda se ha curvado y pardea por completo, una pequeña nota de decadencia frente a la frescura de las flores que tiene al lado.
El color sostiene casi todo el cuadro. Van Gogh trabajó el fondo, la mesa y el jarrón en variaciones cercanas de un solo amarillo, desde el cromo pálido cerca de la parte superior hasta un oro más profundo, casi anaranjado, en la base, de modo que las flores mismas tienen que construirse a partir de pequeños cambios de verde, marrón y ocre en lugar de cualquier contraste de tonalidad. La vista aterriza primero en la cabeza más alta y más frontal, en el centro del ramo, y luego se desplaza hacia fuera alrededor del anillo de flores que la rodea.
Pintura lo bastante espesa para proyectar sombra
Van Gogh aplicó la pintura de las cabezas de las flores en alto relieve, cargando el pincel y arrastrándolo de modo que las crestas de pigmento sobresalen físicamente del lienzo. Los pétalos están construidos como trazos cortos y separados que irradian desde cada centro, y las cabezas con semillas están trabajadas con el mismo grosor, de modo que, visto en ángulo, la superficie se lee casi como una escultura baja.
En parte de esa pintura húmeda rasgó líneas finas con el extremo de su pincel, marcando las finas nervaduras de un pétalo o la textura de una cabeza con semillas más rápido de lo que podría haberlas pintado trazo a trazo. El jarrón y la mesa, en cambio, están tratados con más delgadez, de modo que el cuadro mantiene un contraste deliberado entre las flores construidas y el fondo más plano sobre el que se asientan.
Según su propio testimonio, estaba poniendo a prueba hasta qué punto un cuadro podía sostenerse sobre casi un solo color, un estudio en amarillo contra amarillo en lugar de tonalidades contrastadas. Unos pequeños toques de azul verdoso en los tallos y los contornos son en realidad lo único que impide que el cuadro se disuelva en un único campo de oro.
En una pared, bajo luz cambiante
Con un metro de alto, el lienzo se lee menos como un jarrón de flores entrevisto sobre una mesa y más como una pared de oro que resulta contener quince girasoles. Colgado a la altura de los ojos llena más del campo de visión de lo que sugiere su modesta anchura, un efecto que Van Gogh habría comprendido, ya que pensaba sus cuadros de girasoles como decoración hecha para convivir con ella más que para estudiarla desde lejos.
Como la pintura se eleva tanto sobre la superficie, el cuadro cambia a lo largo del día a medida que la luz real lo atraviesa. La luz de la mañana resalta las crestas de cada pétalo en pequeñas sombras; al atardecer, bajo una lámpara, esas mismas crestas se suavizan y todo el lienzo vuelve a asentarse en el resplandor plano de un solo color.
Esa fue más o menos la ambición de Van Gogh para los girasoles desde el principio, pintar un color de forma tan completa que se comportara como luz en lugar de pigmento. Visto ahora en el Museo de Arte Sompo, o en una pared de casa, esta repetición sigue haciendo exactamente eso, un cuadro que no deja de cambiar mientras todo en él permanece perfectamente inmóvil.
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