La Berceuse (Mujer Meciendo una Cuna): Historia, Significado y Técnica de Pintura
En los últimos días de 1888, el hogar de Vincent van Gogh en Arles se había desmoronado. Paul Gauguin abandonó la Casa Amarilla tras su disputa, y Van Gogh pasó las primeras semanas de 1889 moviéndose entre el hospital y breves estancias en casa, tratando de estabilizarse con el trabajo. Entre los amigos que lo apoyaron durante ese invierno estaban Joseph Roulin, el cartero de Arles, y su esposa Augustine-Alix Pellicot Roulin, y fue a Augustine a quien Van Gogh pidió que posara para el cuadro que llamó La Berceuse.
Tenía un uso particular en mente para él. Van Gogh escribió sobre querer pintar un cuadro que los pescadores en alta mar, hombres que imaginaba meciéndose en sus literas y pensando en casa, podrían colgar en su camarote como una especie de canción de cuna hecha visible. La idea provenía en parte de la novela de Pierre Loti sobre pescadores islandeses, y dio forma a la extraña y directa apelación del cuadro a un espectador que se imagina cansado, o asustado, o simplemente solo.
Una modelo representada inmóvil, una cuerda de cuna en sus manos
Augustine Roulin se sienta de frente al espectador en una silla de brazos baja de madera, su cuerpo llenando la mayor parte del lienzo. Lleva un corpiño verde botella ceñido con un cinturón oscuro sobre una falda de un verde azulado más pálido, y sus manos descansan en su regazo, con los dedos entrelazados alrededor de un cordón fino a rayas.
Ese cordón es todo el tema del título del cuadro. Desciende y sale por el borde inferior del lienzo, atado, entendemos, a una cuna justo fuera de la vista, y el agarre de Augustine sobre él es el único movimiento implícito en una figura por lo demás inmóvil.
Su rostro y su cabello de color naranja rojizo están construidos con tonos cálidos de ocre y rosa, pintados con más suavidad que cualquier cosa a su alrededor, de modo que su mirada, tranquila y un poco distante, se convierte en el único lugar donde el ojo puede descansar. Van Gogh firma el cuadro en el brazo de la silla, «Vincent», con la letra sencilla que reservaba para las obras que juzgaba terminadas e importantes.
Un papel pintado que se vuelve silvestre detrás de ella
Detrás de Augustine, el fondo no es una pared sino un campo de patrón: un fondo verde botella oscuro salpicado de pequeños puntos e invadido por dalias rosas y blancas sobre tallos rizados, con zarcillos en bucle en amarillo y verde pálido entrelazándose entre ellas como un papel pintado que se hubiera vuelto silvestre.
Las flores no están espaciadas uniformemente. Se agrupan con más densidad en las esquinas superiores y a lo largo del borde izquierdo, de modo que el patrón se lee como vivo y creciente en lugar de impreso y repetitivo, un efecto que Van Gogh construyó pincelada a pincelada en lugar de copiar un textil real.
Donde el verde estampado se encuentra con los bordes del cuadro, cede abruptamente a pasajes planos de rojo anaranjado, visibles en las esquinas inferiores alrededor de la silla. Ese rojo es la única nota en el cuadro que no tiene nada que ver con el mobiliario de la habitación ni con el vestido de la modelo, y funciona como una especie de llama piloto que arde en la base de la composición.
Pintura aplicada como cordón retorcido
La pincelada de Van Gogh cambia de registro a lo largo del lienzo. En las flores deja que los trazos sean cortos, cargados y distintos, de modo que cada dalia se construye a partir de un puñado de toques separados de rosa, blanco y rojo anaranjado que solo se resuelven en una flor desde unos pasos atrás.
En el corpiño y la falda verdes trabaja con trazos más largos y uniformes que siguen la caída de la tela, dando al cuerpo de Augustine un peso y una solidez que el papel pintado nunca tiene. El contraste es deliberado: una mujer inmóvil y arraigada frente a un fondo que no deja de moverse.
La cuerda misma está pintada con la misma atención cercana que las flores, unas pocas líneas retorcidas de pigmento crema, azul y rojo que captan la luz a lo largo de su longitud. Es un pequeño pasaje, fácil de pasar por alto, pero es el detalle que todo el cuadro está construido para explicar.
Lo que el cuadro pide a una habitación
Pintado en 1889 al óleo sobre lienzo, de 36 1/2 por 29 pulgadas (92,7 por 73,7 centímetros), esta versión de La Berceuse se conserva ahora en The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, donde su ambición sobrevive con bastante claridad, un retrato destinado a funcionar como consuelo, no como decoración.
En una pared de casa, el cuadro se comporta de manera diferente según la hora. Con poca luz, el fondo verde oscuro retrocede y el rostro y las manos de Augustine parecen avanzar por sí solos, iluminados desde dentro; bajo una luz diurna más brillante, los rojos de las esquinas y los rosas de las dalias se adelantan y toda la superficie vuelve a inquietarse.
Recompensa el tipo de mirada que Van Gogh esperaba que le diera un marinero lejos de tierra: no un vistazo de paso, sino el lento retorno de un ojo que no tiene otro lugar adonde ir, de vuelta otra vez al rostro sereno y a la cuerda sostenida sin apretar entre dos manos.
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