La siesta (según Millet): historia, significado y pinceladas
Un pintor sin modelos
En la primavera de 1890, Vincent van Gogh vivía bajo supervisión en el asilo de Saint-Paul-de-Mausole, cerca de Saint-Rémy-de-Provence, en lo que resultaría ser el último año de su vida. Rara vez tenía libertad para contratar a campesinos locales para que posaran para él, y el confinamiento lo aisló de los temas de trabajo que había pintado directamente en Nuenen y Arles. Recluido en gran medida en los terrenos del asilo y su jardín amurallado, recurrió en cambio a las estampas y reproducciones que Theo enviaba desde París.
Entre ellas había un grabado según Jean-François Millet, el pintor que Van Gogh había reverenciado desde sus primeros años de trabajo. Los campesinos de Millet, sembrando, espigando, descansando entre tareas, habían formado su idea de para qué servía la pintura: no la decoración, sino un registro honesto del trabajo y de las personas que lo llevaban a cabo. Partiendo de una estampa en blanco y negro del diseño de Millet para un descanso al mediodía en los campos, Van Gogh se propuso no copiarlo sino rehacerlo en color.
Describió a Theo las pinturas hechas de este modo como traducciones más que copias, comparando su propia parte con la de un músico que interpreta una partitura escrita por otro. Las poses, la composición y las dos figuras que descansan provenían todas de Millet. La paleta, la luz y la urgencia del pincel eran de Van Gogh, y La siesta (según Millet), pintada en 1890, es uno de los ejemplos más claros de ese método en su obra final.
Descanso en medio de la cosecha
El cuadro muestra a un hombre y una mujer tumbados cabeza con pies sobre un lecho de heno cortado, tomando su descanso del mediodía durante la cosecha de trigo. La mujer yace de espaldas al espectador, con el rostro vuelto hacia su antebrazo, una cofia blanca cubriéndole el cabello. El hombre yace frente a ella, con el sombrero de paja calado sobre los ojos, un brazo echado hacia atrás detrás de la cabeza en la postura desprevenida de alguien que ha dejado de luchar contra el sueño.
Sus zuecos de madera han sido quitados y dejados en un pequeño montón en la parte delantera del lienzo, un detalle ordinario que hace que la quietud de los dos cuerpos se sienta completa. Detrás de ellos se alza un almiar en ocre y dorado, cuya corona curva llena la mayor parte del lado derecho de la imagen. A la izquierda, la cosecha continúa sin ellos: otros dos almiares se alzan en la distancia media, y un carro con un buey pálido espera cerca de otra figura que aún trabaja, de modo que el campo sigue siendo un lugar de trabajo en curso incluso mientras su primer plano pertenece enteramente al sueño.
Van Gogh situó la escena al mediodía verdadero, cuando el sol está más alto y las sombras son más cortas, y todo el campo está bañado por una luz uniforme y aplanadora. No hay árbol, ni tejado, nada que rompa el calor. El descanso que toman las dos figuras se lee como ganado más que incidental, una pausa recortada de un día que se reanudará en el momento en que despierten.
Azul contra dorado
El cuadro está construido casi enteramente a partir de dos colores opuestos. El trigo, la paja y los almiares están dispuestos en amarillos cálidos, ocres y dorado; el cielo y los pantalones de algodón y la falda de la pareja son azules fríos y violeta. Van Gogh había escrito a Theo sobre la manera en que los colores complementarios se intensifican mutuamente cuando se colocan uno al lado del otro, y aquí el efecto es directo: el dorado parece más caliente por el azul a su lado, y el azul parece más frío por el dorado.
La pincelada sostiene tanto del cuadro como el color. El cielo está dispuesto en trazos cortos y diagonales que corren todos en una misma dirección, dando al aire una especie de clima visible aunque nada en él se mueva. El almiar está construido con trazos largos y curvos que siguen su forma redondeada, gruesas crestas de pintura que atrapan luz real sobre su superficie. Los dos durmientes están pintados con más sencillez, en pasajes más planos de azul pálido y blanco, lo que les permite destacar con claridad contra la textura inquieta que los rodea.
Con 91 por 73 centímetros, el lienzo es lo bastante grande para que estas diferencias de factura se perciban a una distancia de visión normal. La vista tiende a posarse primero en el brazo levantado y el sombrero del hombre, el pasaje de blanco más brillante del cuadro, antes de recorrer la diagonal de los dos cuerpos hacia los zuecos abandonados y salir al campo más allá. Toda la composición se ensambla a lo largo de esa única línea envolvente, desde el sueño en el primer plano hasta el trabajo que aún continúa detrás.
En una pared hoy
La siesta (según Millet) se conserva hoy en el Musée d’Orsay de París, junto a buena parte de la obra tardía de Van Gogh. Es un cuadro que recompensa una sala con luz cambiante, ya que los trazos diagonales del cielo y la pintura acanalada del almiar captan la luz de manera diferente a lo largo del día, cambiando entre un dorado plano por la mañana y una textura más afilada y rasante al atardecer.
Colgado a una altura en la que el ojo se encuentra directamente con las figuras dormidas, tiende a ralentizar una sala más que a llenarla. Hay poco incidente en él más allá de dos personas dormidas y un campo que sigue sin ellas, y esa sencillez es exactamente lo que sostiene.
Visto de cerca, se lee como un estudio sobre la disciplina del descanso, pintado al final de un año en el que la calma no fue algo que Van Gogh encontrara fácilmente. Visto desde el otro lado de una sala, se asienta en una única forma cálida, heno dorado y figuras azules, que se sostiene frente a casi cualquier otro color cercano.
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