Las Orillas del Sena con Barcas: Historia
París afloja su paleta
En la primavera de 1887, Vincent van Gogh llevaba más de un año viviendo en París, compartiendo un apartamento con su hermano Theo en Montmartre. Había llegado desde Amberes pintando todavía con los marrones turbios y los grises de sus años holandeses, pero París lo estaba cambiando rápidamente. A través de los contactos de Theo en el comercio del arte conoció a Camille Pissarro, Paul Signac y Georges Seurat, pintores que descomponían el color en pequeñas pinceladas separadas en lugar de mezclarlo en la paleta.
Ese año Van Gogh empezó a llevar su caballete más allá de la ciudad, a lo largo del Sena hasta Asnières y Clichy, donde las barcazas amarraban bajo los álamos y el río recogía el cielo cambiante. A menudo trabajaba allí junto a Signac, y los dos pintaban los mismos tramos de orilla desde ángulos diferentes, intercambiando ideas sobre el color mientras trabajaban. Orillas del Sena con barcas, pintado en 1887, es uno de un grupo de pequeños lienzos ribereños que salieron de aquellas sesiones.
Las pinturas de Asnières y Clichy marcan un punto de inflexión que duró solo una temporada o dos antes de que Van Gogh llevara su color más lejos y partiera hacia Arles, pero fueron el lugar donde probó por primera vez hasta dónde podía el color roto sostener un cuadro por sí solo. Este lienzo es un ejemplo modesto y de enfoque cercano de esa prueba, una sola barcaza en lugar de un panorama amplio.
Una barcaza varada en la orilla
La pintura, de 55 por 48 centímetros, sitúa una sola barcaza amarrada a lo ancho del lienzo, con su casco en rosa polvoriento y violeta rosado contra una cabina de color azul grisáceo pálido. Una figura vestida de amarillo se sienta baja en la popa, lo bastante pequeña para que el ojo encuentre primero la barca y después a él. Detrás de la barcaza, una segunda embarcación asoma medio oculta, recortada por el marco en el borde derecho.
La orilla se eleva detrás de las barcas en una franja de arena ocre, salpicada por una casa de tejado rojo y edificios más pálidos situados al fondo entre los árboles. Por encima, una hilera de álamos y castaños en verdes rotos cierra el horizonte, con sus troncos reducidos a verticales desnudas y delgadas contra un cielo azul suave y sin nubes. Nada en la mitad superior del lienzo reclama atención dos veces; el incidente se mantiene abajo, en la línea del agua.
El agua ocupa casi la mitad del cuadro, y es donde Van Gogh puso su esfuerzo. El rosa y el azul de la barcaza se repiten en el reflejo debajo de ella, descompuestos en cortas pinceladas de color que nunca llegan a resolverse del todo en una imagen especular. Toques de dorado, malva y verde oscuro ondulan por la superficie, de modo que el río se lee menos como agua quieta y más como un lugar en movimiento continuo y silencioso.
Pintar con pinceladas separadas
Van Gogh aplicó este lienzo con las pinceladas rotas, en forma de coma, que estaba adoptando de Signac y Seurat aquella primavera, pequeñas manchas de color puro puestas una al lado de otra en lugar de mezcladas en la paleta. Es un método construido sobre el contraste: una pincelada de naranja junto a otra de azul, el rosa contra el verde, cada color dejado para agudizar a su vecino en vez de fundirse con él.
Nunca adoptó del todo la disciplina punto por punto del puntillismo de Seurat, y este lienzo muestra por qué. Las pinceladas sobre la barcaza son más largas y más variadas en dirección de lo que permitiría un divisionista estricto, siguiendo la curva del casco en lugar de un sistema fijo, y el agua es donde deja que el método se afloje aún más, con el pincel moviéndose en cortos toques horizontales que construyen textura tanto como color.
La paleta misma marca la distancia recorrida desde Amberes. Donde sus cuadros holandeses trabajaban en sombra tostada y betún, aquí el pasaje más oscuro de todo el lienzo es una sombra verde botella bajo el casco. Todo lo demás se sitúa en el registro alto de la rueda de color: rosa, azul cielo, amarillo paja, el ocre pálido del camino de sirga.
Rosa por la mañana, azul por la tarde
Colgado donde llega la luz del día, el lienzo cambia con la hora de un modo que un cuadro más oscuro nunca podría. La luz de la mañana resalta el rosa del casco y las motas doradas sobre el agua; al atardecer los azules del reflejo se profundizan y toda la escena se lee más fría, más cerca del crepúsculo en el río real.
De cerca, la superficie se rompe en cientos de pinceladas individuales, cada una una decisión distinta sobre el color. Al echarse atrás, esas pinceladas se resuelven en una barcaza, una orilla, un grupo de árboles, el truco compartido por la pintura impresionista y neoimpresionista por igual, y uno que recompensa los pocos pasos extra hacia atrás que permite un salón.
Es un cuadro tranquilo más que dramático, hecho para la mirada lenta más que para un solo vistazo. Eso le sienta bien a una pared donde se verá cada día, con la luz del desayuno y con la luz del atardecer, más que a una pared pensada para pasar una vez y olvidar.
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