Naturaleza muerta con un ramo de margaritas: Historia
Vincent van Gogh llegó a París en los primeros meses de 1886 con casi nada resuelto sobre cómo quería pintar. Se mudó al apartamento de su hermano Theo, abandonó los turbios interiores marrones con los que había construido su reputación en Nuenen y se propuso enseñarse a sí mismo el color desde cero. Bodegón con un ramo de margaritas, pintado ese mismo año, es uno de los resultados: un lienzo hecho no para ser vendido o mostrado, sino para ser trabajado, pincel en mano, hasta que algo en su forma de ver hubiera cambiado.
Las flores eran el tema más barato y más paciente a su disposición. Un ramo comprado o recogido mantenía su pose durante unos días, lo suficiente para probar la misma jarra y las mismas flores una y otra vez, buscando cómo un verde se asentaba junto a otro. Docenas de estos estudios sobreviven de su primer año en la ciudad, y este lienzo está entre ellos, sin firma, sin fecha de mano del propio artista, notas de trabajo más que una declaración acabada.
Lo que distingue a esta pintura en particular es lo poco que toma prestado del París más luminoso que pronto descubriría. El color sigue siendo cercano, todavía apegado a la tierra. Se lee como una imagen bisagra, hecha justo antes de que la luz de la ciudad entrara del todo en su obra.
Una jarra abarrotada sobre una mesa desnuda
Una sola jarra de gres, con franjas en verde más oscuro, se alza ligeramente a la derecha del centro sobre una superficie de mesa lisa. De su cuello estrecho surge una masa densa y desproporcionadamente alta de flores, tan llena que la jarra casi desaparece bajo el peso de lo que sostiene.
El ramo mezcla varias clases de flor de finales del verano. Margaritas blancas y de color crema pálido se abren de cara plana hacia el espectador, pequeñas ásteres de color malva y lila se agrupan a la izquierda, y unas cuantas corolas de color granate profundo quedan medio engullidas en la sombra hacia la parte posterior del arreglo.
Abajo a la izquierda, dos o tres flores brillantes amarillas parecidas al diente de león se han caído o se han dejado sueltas sobre la superficie de la mesa, aparte de la jarra por completo. Son lo primero que atrapa el ojo, antes de que este ascienda de nuevo hacia el enredo de corolas más pálidas de arriba.
Pintar casi enteramente en verde
Van Gogh sitúa toda la escena contra un fondo plano de color verde oliva oscuro, con una mesa de un verde ligeramente más claro debajo. Jarra, hojas, tallos y fondo se sitúan todos dentro de una estrecha franja de la misma familia de color, de modo que el cuadro se mantiene unido como un único espacio oscuro y envolvente, más que como una habitación con bordes definidos.
Contra esa tonalidad baja, las corolas portan casi toda la luz del cuadro. Cada pétalo está aplicado como una pincelada corta y cargada, aplicada a toques más que mezclada, irradiando hacia fuera desde un centro más oscuro en amarillo, crema o rosa pálido.
Las hojas y los tallos están tratados con más soltura, arrastrados y enganchados en marcas más largas que describen la masa más que la forma individual. Van Gogh no está dibujando cada tallo tanto como encontrando la forma que el ramo entero crea contra la pared que tiene detrás.
El lienzo en sí es pequeño, 57,2 por 41,6 centímetros, cercano al tamaño del ramo que muestra. Esa escala importa: es un cuadro pensado para ser estudiado a la distancia de un brazo, sobre una mesa o un caballete, no contemplado al otro lado del suelo de una galería.
Un paso antes de los cuadros parisinos más luminosos
En el plazo de un año aproximadamente desde que pintó esta jarra de margaritas, Van Gogh estaría aplicando amarillos cadmio puros y azules cobalto aprendidos de lienzos impresionistas y neoimpresionistas que veía en los escaparates de los marchantes de París. Ese cambio aún no ha ocurrido aquí.
Lo que este bodegón muestra en su lugar es la base para ello: un artista que deliberadamente reduce su tema a una sola jarra de flores para poder concentrarse en nada más que las relaciones de color, sin un paisaje ni una figura que lo distraiga. La oscuridad de la paleta no es timidez, es control, una manera de probar hasta dónde se podían llevar los pétalos pálidos para que brillaran contra un campo de verde antes de que el cuadro dejara de leerse como un ramo por completo.
La pintura se conserva actualmente en el Philadelphia Museum of Art, parte de una colección pública donde todavía puede verse y estudiarse en persona.
Cómo se lee en una pared
Con luz baja o de tarde, el cuadro se acerca al monocromo, y las corolas parecen emerger del verde más que situarse delante de él. Poco a poco, a medida que el ojo se ajusta, las flores granate y malva enterradas en la penumbra se vuelven visibles.
Bajo una luz de día más fuerte, el mismo lienzo se abre. La variedad que Van Gogh construyó dentro de una gama cromática estrecha, los rosas, lilas y cremas metidos entre el amarillo, se vuelve más fácil de separar y seguir, y las dos flores sueltas sobre la mesa avanzan respecto al resto.
Visto de cualquiera de las dos maneras, recompensa una segunda y una tercera mirada más que un solo vistazo. Eso es, después de todo, para lo que fue hecho: no una pieza de exposición acabada, sino un estudio sobre cuánto puede encontrar un pintor en una jarra corriente de flores si sigue mirando.
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