Rama de almendro en flor en un vaso: historia y significado
Vincent van Gogh llegó a Arles en febrero de 1888 en medio de una helada inusualmente dura, con nieve aún sobre los campos que había venido al sur a pintar con color y luz. Esperó durante semanas de frío antes de que los almendros, siempre los primeros en despertar en Provenza, rompieran a florecer. Rama de almendro en flor en un vaso registra esa primera señal de que el año había cambiado, una sola rama cortada colocada sobre una mesa y estudiada de cerca en lugar de un árbol visto entero en un huerto.
Un esqueje traído al interior
En lugar de esperar a que el tiempo fuera más cálido para pintar al aire libre, Van Gogh trajo la primavera hacia sí mismo. Cortó una ramita de almendro en flor, la puso en un vaso corriente con agua sobre una mesa y la pintó como un estudio pequeño y rápido de apenas 19 por 24 centímetros.
La escala importa. No es una pieza grandiosa de huerto, sino algo más cercano a una nota privada, hecha al tamaño de un objeto que uno podría sostener, y tiene la franqueza de algo pintado de una sola sentada.
Se sitúa al principio de una secuencia de temas de flores que lo ocuparía de forma intermitente durante dos años más, alcanzando su forma más conocida en el gran Almendro en flor que pintó en 1890 para su sobrino recién nacido. Aquí, en 1888, la idea es todavía pequeña y exploratoria.
Lo que está sobre la mesa
Una sola rama, bifurcada a media altura, se alza fuera de un vaso de vidrio liso con agua y se inclina por la mitad superior del lienzo. Racimos de flores blancas se abren a lo largo de su longitud, algunas flores completamente extendidas con centros de verde suave y dorado, otras aún cerradas como capullos de rosa pálido apretados contra la ramita.
El propio vidrio está pintado casi transparente, sus costados estriados captan luz azul pálida y gris, el tallo de la rama visible donde se dobla bajo la línea del agua. Van Gogh firmó la obra simplemente «Vincent» en rojo en la parte superior izquierda, con la letra suelta y erguida que usó en sus lienzos de Arles.
Detrás de la rama, la pared está dividida en dos: un gris azulado frío arriba, un gris verdoso más oscuro abajo, separados por una sola banda de naranja quemado que recorre todo el ancho del lienzo. Esa fina línea cálida es la única nota de color fuerte detrás de las flores, y atrae la mirada hacia la floración en lugar de competir con ella.
Debajo, la superficie de la mesa está dispuesta en sueltas pinceladas diagonales de verde amarillo, salpicadas aquí y allá de azul pálido, de modo que la superficie se lee como madera iluminada por el sol sin llegar nunca a describirse en detalle. Nada en el fondo está acabado en el sentido de un interior convencional. Existe solo para sostener la rama hacia la luz.
Una línea aprendida de las estampas japonesas
Van Gogh había coleccionado estampas japonesas durante años antes de dejar París, y su influencia está muy cerca de la superficie aquí. Una sola rama en flor recortada contra un fondo liso, dibujada con un contorno firme e ininterrumpido, es un hábito compositivo tomado casi directamente de las estampas de ciruelo y cerezo en flor que poseía y admiraba.
Las flores mismas están construidas con pequeñas y cargadas pinceladas de blanco, crema y rosa pálido, aplicadas con la suficiente rapidez como para que los pétalos individuales apenas se separen unos de otros. De cerca las flores se disuelven en pintura; desde una distancia normal de visión vuelven a enfocarse como flores sorprendidas en el acto de abrirse.
La rama misma está dibujada de forma más deliberada, con el mismo contorno oscuro y flexible que usó ese año para troncos de árboles y vigas de tejado, dando una estructura fibrosa, casi caligráfica, de la que puede colgar la pintura más suave de las flores.
La pintura en una habitación
Colgado a la altura de los ojos en un dormitorio o un pasillo tranquilo, este pequeño lienzo pide ser mirado de cerca en lugar de captado de un vistazo. La luz de la mañana resalta el vidrio estriado y la fina banda naranja detrás de él; por la tarde esos mismos pasajes se hunden en el gris del fondo y la floración es lo que queda iluminado.
Recompensa el tipo de mirada que una pintura más grande y más ocupada no ofrece, la misma atención que Van Gogh prestó a una sola rama sobre una mesa de febrero mientras esperaba la llegada de toda una primavera sureña.
El original se conserva en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, pintado allí en Arles en 1888, un registro pequeño y exacto de la primera flor del año plasmada antes de que pudiera marchitarse.
Más de esta colección
Lleve este cuadro a su hogar
Elija una reproducción al óleo pintada a mano para obtener un auténtico trabajo de pincel, o una estampa de arte sobre lienzo para una edición fiel a la imagen del museo. Cada tamaño preserva las proporciones del original.
Ver esta obra y sus opciones
Para profundizar
Verifique el original en Registro de la colección Van Gogh Museum y continúe con las obras asociadas del catálogo.