Retrato de Adelina Ravoux: Historia, Significado y Técnica de Pincelada
En mayo de 1890 Vincent van Gogh había dejado el manicomio de Saint-Remy y viajó hacia el norte hasta Auvers-sur-Oise, un pueblo a orillas del río Oise a poca distancia de su hermano Theo en París. Tomó una habitación en la posada regentada por Arthur-Gustave Ravoux, en la plaza del pueblo, y trabajó a un ritmo que todavía asombra a cualquiera que cuente los lienzos frente al calendario. En las aproximadamente diez semanas que le quedaban, pintó los campos de trigo sobre el pueblo, la iglesia, el médico que lo trataba y la gente de la posada donde comía y dormía.
Adeline Ravoux era la hija de trece años del posadero, y posó para Van Gogh en sus últimas semanas de trabajo. La pintó más de una vez aquel verano, pero esta es la versión de perfil, y es la que la mantiene a distancia incluso mientras la estudia de cerca. El cuadro está fechado en 1890 y mide 55 por 67 centímetros, una escala modesta que conviene a un retrato hecho de cerca en una habitación alquilada.
Una sesión de perfil
Adeline está girada por completo hacia su derecha, de modo que la pintura nos da su frente, su nariz y su mentón en una sola línea ininterrumpida y nada de su otro ojo. Es una pose que no pide nada a la modelo más allá de la quietud, y le da al artista un rostro reducido a sus planos esenciales.
Lleva una chaqueta azul oscuro abrochada hasta el cuello sobre un cuello pálido, su cabello claro recogido y atado con una cinta que cae en un lazo suelto en la nuca. Un brazo se dobla detrás de su espalda, el codo apenas visible en el borde izquierdo del lienzo; el otro descansa sobre una superficie en la parte inferior derecha, la mano ligeramente abierta como si acabara de dejar algo.
No hay muebles que mencionar, ni ventana, ni ninguna pista sobre la habitación. Van Gogh ha despojado el entorno hasta dejar a la muchacha y la pared detrás de ella, de modo que toda la pintura se lee como un encuentro entre un rostro y un solo campo de color.
Fondo de cobalto, rostro de ocre
El fondo es azul de borde a borde, pero no es un solo azul. Van Gogh lo trabajó en largas pinceladas diagonales, algunas casi azul marino, otras más cercanas al pizarra, de modo que la pared parece ondular en lugar de asentarse plana detrás de la modelo, más cerca de agua en movimiento que de yeso.
Contra ese fondo, la chaqueta de la muchacha está pintada en un segundo registro de azul, más frío, con matices violeta donde cae en sombra a lo largo de su espalda. Los dos azules están lo bastante cerca en tono como para que la figura casi podría disolverse en la pared, y son el cuello y la piel los que la sacan de nuevo de ella.
Su rostro y su cuello están construidos con ocre cálido y rosa, un calor que no tiene otra fuente en el cuadro. Es el único pasaje de calidez en una pintura entregada por lo demás al color frío, y el ojo va allí primero, luego al pequeño toque naranja de la firma del artista en la parte inferior izquierda, la única otra nota cálida en el lienzo.
Las marcas que dejó el pincel
Míralo de cerca y el cuadro no está fundido en ningún sentido convencional. Van Gogh aplicó el fondo azul en pinceladas direccionales que corren todas en la misma dirección, una técnica que convierte una pared plana en algo con corriente y peso visibles.
La chaqueta está construida de la misma manera, en pinceladas que siguen la caída de la tela por su espalda, lo bastante espesas en algunos puntos como para que la pintura todavía conserve su cresta. Solo el rostro está tratado con más suavidad, con toques más cortos y cuidados alrededor del ojo y la línea de la nariz, como si la quietud de la modelo mereciera un tipo de atención distinto del que recibió la pared.
Nada aquí está alisado por efecto. Los botones de la chaqueta son unas pocas manchas de pintura pálida, la mano de la parte inferior derecha apenas algo más que una forma en ocre, y el cuadro depende de que el espectador se aleje para dejar que esas marcas rápidas se asienten en una figura coherente.
El cuadro en una habitación
Colgado en una pared, este retrato se comporta de manera distinta a un cuadro con un horizonte o una ventana, porque no tiene otra fuente de luz a la que responder. Sus azules cambian con la luz del día o la lámpara que caiga sobre la habitación, a veces leyéndose casi como negro, a veces elevándose a un color marino claro y frío.
Lo que permanece constante es el perfil de la muchacha y la calidez de su rostro contra todo ese frío, una sola nota sostenida en una pintura construida casi enteramente a partir de un color trabajado de una docena de maneras diferentes. Recompensa una segunda mirada más que una primera, que es exactamente el tipo de cuadro con el que vale la pena vivir.
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