Un par de zapatos (1887): historia, significado y pinceladas
París, y un cambio de tema
En 1887 Vincent van Gogh llevaba aproximadamente un año viviendo en París, compartiendo un apartamento con su hermano Theo y trabajando con las ideas que había encontrado entre los impresionistas y los pintores más jóvenes que conoció en el estudio de Fernand Cormon. Su paleta se estaba aclarando y su pincelada volviéndose más corta y más fragmentada, y estaba probando lo que había aprendido sobre cualquier cosa que tuviera delante.
Los zapatos fueron uno de esos temas. Volvió a las botas gastadas y los zuecos varias veces en este período, colocándolos sobre una mesa o en el suelo del estudio y pintándolos como si fueran modelos en lugar de objetos. Un par de zapatos, fechado en 1887 y firmado en la parte inferior derecha, pertenece a ese pequeño grupo.
No hay nada preparado en la disposición. Las botas parecen dejadas más que compuestas, una descansando de lado, la otra en posición vertical con los cordones sueltos, como si alguien acabara de quitárselas.
Una bota en pie, una abierta
La bota en posición vertical mira al espectador casi de frente, su cuero desgastado hasta un brillo apagado en la punta y marcadamente arrugado sobre el empeine. Sus cordones cuelgan desatados, con extremos sueltos de cordón que caen hacia el borde inferior del lienzo.
Junto a ella, la segunda bota yace de lado, con la suela girada hacia afuera, de modo que una fila de clavos de hierro martillados en el cuero capta la luz en pequeñas y separadas pinceladas de blanco y ocre. El forro expuesto se muestra en óxido cálido y marrón claro, un contraste con el negro parduzco de la parte superior.
Detrás de ambas, la lengüeta de una tercera abertura se alza rígidamente, un triángulo de piel pálida que se lee casi como una pequeña bandera contra el cuero más oscuro que la rodea. Van Gogh presta a este detalle tanta atención como a las propias botas, pintando su borde deshilachado con las mismas pinceladas cortas e indagatorias que utiliza en toda la obra.
El entorno se deja deliberadamente sobrio. Una superficie oscura y moteada, en algún punto entre pared y suelo, cierra la mitad superior del lienzo, mientras que las botas se asientan sobre un pasaje de azul profundo que podría ser tabla del suelo o sombra.
Cuero en azul y óxido
El cuadro parte de una gama estrecha y sobria: negro azulado, tierra sombra y un óxido cálido que se enciende en la suela expuesta y el forro rasgado. Frente a un esquema tan contenido, incluso un pequeño toque de naranja se lee como un acontecimiento.
Van Gogh construyó el cuero con pinceladas cortas y arrastradas que siguen las arrugas de las botas en lugar de suavizarlas, de modo que la propia pintura parece agrietarse y plegarse como lo hace el cuero viejo. Los clavos de la suela levantada están puestos como toques separados de pigmento, casi contables, cada uno captando la luz de manera diferente a sus vecinos.
El fondo está tratado con más soltura, en una aplicación frotada y rayada que evita que compita con las botas mientras sigue dando al lienzo una superficie inquieta. Nada en el cuadro es liso; incluso el fondo azul presenta crestas visibles de pintura.
Con 41,5 por 34 centímetros, el lienzo es lo bastante pequeño para que este tratamiento se lea como un estudio cercano hecho a corta distancia, no como una gran declaración.
Un cuadro pequeño con una larga posteridad
Van Gogh nunca explicó qué significaban para él estas botas, y no se conserva ninguna carta que nombre este lienzo en particular. Lo que es seguro es que volvió una y otra vez al motivo, y que escritores posteriores, entre ellos filósofos, tratarían sus pinturas de zapatos como un caso de estudio sobre cuánto sentimiento puede llevar un objeto corriente.
Lo que las botas alguna vez cargaron, al caminar o al trabajar, queda para que lo supla el espectador. Van Gogh ofrece solo el objeto, observado de cerca, y confía en que eso sea suficiente.
El Baltimore Museum of Art conserva ahora la pintura, catalogada allí bajo su título original, Pair of Shoes, A, una formulación invertida típica de la indexación museística más que cualquier cambio al objeto llano y gastado que nombra.
En una pared
Colgado a la altura de los ojos, el cuadro recompensa el tipo de mirada con que fue hecho: lenta y cercana, dispuesta a seguir una sola arruga o una fila de clavos en lugar de abarcar toda la bota de una vez. La luz de la mañana resalta las crestas de pintura sobre el fondo azul; a la luz de una lámpara, esa misma superficie se aplana y el forro color óxido brilla en su lugar.
Se integra con facilidad entre otros bodegones de cocina y comedor, pero pide algo diferente a una habitación que un cuenco de fruta. Es un cuadro sobre el trabajo y el desgaste, y sostiene ese estado de ánimo en silencio, sin insistir en él.
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