ゴッホ『ヒナギクの花束』1886年パリ

フィンセント・ファン・ゴッホ『ヒナギクの花束のある静物』の手描き油彩複製画。素朴な花瓶にたっぷりと生けられた白いひなぎくと野の花 — ヒナギクの花束のある静物, 1886; Philadelphia Museum of Art · 複製画を見る

ヴィンセント・ファン・ゴッホが1886年初頭にパリに到着したとき、自分の絵をどう描きたいかはほとんど固まっていなかった。彼は兄テオのアパートに移り住み、ニューネンで自分の評判を築いた暗い茶色の室内画を捨て、ゼロから色彩を独学で学び始めた。同じ年に描かれた『ヒナギクの花束のある静物』はその成果のひとつである。売るためでも見せるためでもなく、手に筆を持ち、見ることについて何かが変わるまで描き切るために作られたカンヴァスなのだ。

花は彼にとって最も安価で最も辛抱強い画題だった。買うか摘むかした花束は数日のあいだ姿勢を保ち、同じ水差しと同じ花を何度も何度も試すのに十分な時間を与えてくれた。ある緑が別の緑とどう並ぶかを追い求めるために。この街での最初の一年からこうした習作が何十点も残っており、このカンヴァスもそのひとつである。署名もなく、画家自身の手による年記もなく、完成した声明ではなく制作中の覚書なのだ。

この絵を特に際立たせているのは、彼がまもなく発見することになる明るいパリからほとんど借りていない点である。色彩はまだ近く、まだ大地に縛られている。これは、街の光が彼の仕事に完全に染み込む直前の、蝶番となる一枚として読める。

裸のテーブルの上のぎっしり詰まった水差し

濃い緑の縞の入った炻器の水差しがひとつ、平らなテーブルの上で中央よりやや右に立っている。その細い首からは、密度の高い、頭でっかちな花の塊が盛り上がり、あまりに満ちているため、水差しは自分が支えているものの重みの下でほとんど消えてしまっている。

花束にはいくつかの種類の晩夏の花が混ざっている。白と淡いクリーム色のヒナギクが正面を向いて平らに開き、小さな薄紫とライラック色のアスターが左に群がり、いくつかの深い栗色の花頭が、アレンジメントの後方の影に半分飲み込まれるようにして座っている。

左下では、二、三輪の明るい黄色のタンポポに似た花が、水差しとはまったく別に、テーブルの上に落ちるか、あるいは置き散らされている。これらは、上の淡い花々の絡まりへと目が登っていく前に、まず目に留まるものだ。

ほとんどすべてを緑で描く

ファン・ゴッホは場面全体を、平らで暗いオリーブグリーンの背景に置き、その下にはやや明るい緑のテーブルを配している。水差し、葉、茎、背景のすべてが同じ色の系統の狭い帯の中に収まっているため、絵は明確な輪郭を持った部屋というよりも、ひとつの薄暗く閉ざされた空間としてまとまっている。

その低い基調に対して、花頭が絵の光のほとんどすべてを担っている。それぞれの花びらは短く絵の具をたっぷり含んだ筆致で置かれ、混ぜるのではなく軽く叩くように、黄色、クリーム色、淡いピンクのより暗い中心から外側へと放射状に広がっている。

葉と茎はより自由に扱われ、長い筆致で引きずられ、引っ掛けられ、個々の形ではなく塊を描写している。ファン・ゴッホはそれぞれの茎を描いているというよりも、背後の壁に対して花束全体が作る形を見出しているのだ。

カンヴァス自体は小さく、57.2×41.6センチメートルで、描かれた花束とほぼ同じ大きさである。この尺度は重要だ。これは、ギャラリーの床越しに見るのではなく、テーブルの上やイーゼルの前で、腕の長さでじっくり研究するために作られた絵なのだ。

明るいパリの絵の前の一歩

このヒナギクの水差しを描いてから一年ほどで、ファン・ゴッホはパリの画商の窓で見た印象派や新印象派のカンヴァスから学んだ純粋なカドミウムイエローやコバルトブルーを塗るようになっていただろう。その変化はここではまだ起きていない。

この静物が代わりに示しているのは、そのための下地である。画家が画題を花の水差しひとつに意図的に絞ることで、風景や人物に気を散らされることなく、色彩の関係だけに集中できるようにしたのだ。絵の具の暗さは臆病さではなく、制御であり、淡い花びらがどこまで緑の面に対して光って見えるかを、絵がもはや花束として読めなくなる直前まで試す方法なのである。

この絵は現在、フィラデルフィア美術館が所蔵しており、公共のコレクションの一部として、今も直接見て研究することができる。