데이지 꽃다발이 있는 정물: 이야기, 의미와 붓질
Vincent van Gogh는 1886년 초, 자신이 어떻게 그림을 그리고 싶은지에 대해 거의 아무것도 정리되지 않은 상태로 파리에 도착했습니다. 그는 동생 Theo의 아파트로 들어갔고, Nuenen에서 자신의 명성을 쌓은 탁한 갈색 실내 그림들을 버렸으며, 처음부터 색을 스스로 익히기 시작했습니다. 같은 해에 그린 Still Life with a Bouquet of Daisies는 그 결과 중 하나입니다: 팔리거나 전시되기 위해서가 아니라, 보는 방식에 관한 무언가가 바뀔 때까지 붓을 들고 작업해 나가기 위해 만들어진 캔버스입니다.
꽃은 그에게 가장 값싸고 가장 참을성 있는 소재였습니다. 사거나 모은 한 다발은 며칠 동안 그 자세를 유지했고, 같은 주전자와 같은 꽃송이를 몇 번이고 다시 시도하며 한 초록이 다른 초록 옆에 어떻게 놓이는지 찾아내기에 충분했습니다. 이런 습작들은 그가 이 도시에서 보낸 첫해에 수십 점이 남아 있으며, 이 캔버스도 그중 하나로, 서명도 없고 화가 자신의 손으로 연도를 적지도 않은, 완성된 선언이라기보다 작업 노트입니다.
이 특정 그림을 구별 짓는 점은 그가 곧 발견하게 될 더 밝은 파리에서 얼마나 적게 빌려왔는가입니다. 색은 여전히 가까이 있고, 여전히 땅에 붙어 있습니다. 이 그림은 도시의 빛이 그의 작업 속으로 완전히 스며들기 직전에 만들어진 경첩 같은 그림으로 읽힙니다.
빈 탁자 위의 빽빽한 주전자
더 어두운 초록으로 띠를 두른 하나의 석기 주전자가 평범한 탁자 상판 위, 중앙에서 약간 오른쪽에 서 있습니다. 좁은 목에서 빽빽하고 위가 무거운 꽃 덩어리가 솟아나며, 너무 가득 차서 주전자는 자신이 들고 있는 것의 무게 아래 거의 사라집니다.
꽃다발은 늦여름에 피는 여러 종류의 꽃을 섞고 있습니다. 흰색과 옅은 크림색 데이지가 관람자를 향해 납작한 얼굴을 열고, 작은 자줏빛과 라일락색 아스터가 왼쪽에 모여 있으며, 몇 개의 짙은 적갈색 꽃송이가 배열 뒤쪽의 그늘 속에 반쯤 삼킨 채 놓여 있습니다.
왼쪽 아래에는 두세 개의 밝은 노란 민들레 같은 꽃이 떨어졌거나 탁자 위에 느슨하게 놓여 있어, 주전자와는 완전히 떨어져 있습니다. 그것들은 눈이 위쪽의 더 옅은 꽃들의 엉킴으로 다시 올라가기 전에 가장 먼저 시선을 붙잡는 것입니다.
거의 전적으로 초록으로 그리기
Van Gogh는 장면 전체를 평평하고 어두운 올리브 초록 배경 위에 놓고, 아래에는 약간 더 밝은 초록 탁자를 둡니다. 주전자, 잎, 줄기, 배경이 모두 같은 색 계열의 좁은 범위 안에 있어서, 그림은 경계가 정의된 방이라기보다 하나의 어둡고 에워싸는 공간으로 함께 유지됩니다.
그 낮은 조명 아래에서 꽃송이는 그림의 빛을 거의 전부 지니고 있습니다. 각 꽃잎은 짧고 물감을 많이 묻힌 붓질로 놓여, 섞기보다는 톡톡 찍히며, 노랑, 크림 또는 옅은 분홍의 더 어두운 중심에서 바깥으로 방사状으로 뻗어 있습니다.
잎과 줄기는 더 느슨하게 다뤄지며, 개별 형태보다 덩어리를 묘사하는 더 긴 자국으로 끌리고 갈고리처럼 휘어집니다. Van Gogh는 각 줄기를 그리는 것이 아니라, 꽃다발 전체가 뒤의 벽에 대해 만들어내는 형태를 찾고 있는 것입니다.
캔버스 자체는 작습니다. 57.2 x 41.6센티미터로, 그것이 보여주는 꽃다발의 크기에 가깝습니다. 그 크기는 중요합니다: 이것은 팔 길이에서, 탁자 위나 이젤 위에서 연구하도록 만들어진 그림이며, 갤러리 바닥 건너편에서 바라보도록 만들어진 것이 아닙니다.
더 밝은 파리 그림들 이전의 한 걸음
이 데이지 주전자를 그린 뒤 1년쯤 안에, Van Gogh는 파리의 화상들 창문에서 본 인상파와 신인상파 캔버스들에서 배운 순수한 카드뮴 노랑과 코발트 파랑을 놓고 있었을 것입니다. 그 전환은 여기서는 아직 일어나지 않았습니다.
대신 이 정물이 보여주는 것은 그 전환의 토대입니다: 화가가 자신의 소재를 꽃 한 주전자로 의도적으로 좁혀서 풍경이나 인물이 그를 방해하지 않은 채 색채 관계 외에는 아무것에도 집중하지 않을 수 있었던 것입니다. 팔레트의 어두움은 소심함이 아니라 통제이며, 옅은 꽃잎이 초록의 장 위에서 빛나도록 어디까지 밀어붙일 수 있는지, 그림이 더 이상 꽃다발로 읽히지 않게 되기 전까지 시험하는 방식입니다.
이 그림은 현재 Philadelphia Museum of Art가 소장하고 있으며, 공공 컬렉션의 일부로 여전히 직접 보고 연구할 수 있습니다.
벽에 걸렸을 때 어떻게 읽히는가
낮은 빛이나 저녁 빛에서는 그림이 단색에 가깝게 자리하고, 꽃송이는 초록 앞에 놓여 있다기보다 초록에서 떠오르는 듯합니다. 눈이 조금씩 적응하면서, 그늘에 묻힌 적갈색과 자줏빛 꽃들이 보이기 시작합니다.
더 강한 햇빛 아래에서는 같은 캔버스가 열립니다. Van Gogh가 좁은 색 범위 안에 만들어 넣은 다양성, 즉 노랑 사이에 숨겨진 분홍, 라일락, 크림색은 더 쉽게 분리되고 따라갈 수 있게 되며, 탁자 위의 두 개의 느슨한 꽃이 나머지보다 앞으로 나옵니다.
어느 쪽으로 보든, 이 그림은 한 번의 흘끗 봄보다 두 번째와 세 번째 봄에 보답합니다. 결국 그것이 이 그림이 만들어진 이유입니다: 완성된 전시 작품이 아니라, 화가가 계속 바라본다면 평범한 꽃 한 주전자에서 얼마나 많은 것을 찾을 수 있는지에 관한 습작입니다.
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