씨 뿌리는 사람(해질녘) 이야기와 의미, 붓질

반 고흐 「씨 뿌리는 사람 III (두 번째 버전)」의 손으로 그린 유화 복제화, 거대한 노란 석양 아래 보랏빛 들판에 씨를 뿌리는 농민 — 씨 뿌리는 사람 III (두 번째 버전), 1888; Van Gogh Museum · 복제화 보기

아를, 꽃피는 계절

빈센트 반 고흐는 1888년 2월에 아를에 도착했으며, 일본 판화가 그의 눈을 예리하게 만든 것처럼 빛이 자신의 색채를 더 sharp하게 만들어 줄 것이라고 믿으며 그 빛을 좇고 있었다. 봄이 되자 마을 주변의 과수원들은 꽃을 피우기 시작했고, 그는 그것들을 연달아 빠르게 그렸다. 한 캔버스又一个, 파리에서 작업했던 어느 때보다도 빠르게.

씨 뿌리는 사람은 ambition의 또 다른 register에 속했다. 그것은 모델에게서 직접 그린 습작이 아니라 기억과 오랜 확신으로 구축된 구성이었으며, 예술가로서 그의 earliest years부터 그가 품고 있던 주제였다. The Sower III(version 2)로 목록에 오른 이 캔버스는 같은 해에 그가 그것을 시도한 여러 작품 중 하나이다.

그는 꽃피는 과수원들과 같은 주에 이 작품을 작업했고, 그 계절의 무언가가 그림 속으로 스며들었다. 꽃피는 가지 하나가 캔버스 상단에서 뻗어 들어와 장면을 지배하는 나무의 줄기 위로 걸쳐 있는데, 마치 화가 뒤의 과수원이 그의 앞 들판 속으로 곧장 자라 들어온 것 같다.

Pollarded Trunk Cuts the Field in Two

그림 표면은 작아서 겨우 40.3 x 32.5센티미터에 불과하지만, 반 고흐는 그 안에 사건들을 빽빽이 채워 넣는다. 두껍고 어두운 줄기가 오른쪽 아래에서 왼쪽 위로 솟아오르며, pollarded된 가지들은 분홍색 줄무늬가 있는 acid yellow-green 하늘을 배경으로 손가락처럼 벌어져 있다.

그 가지들 위로 가느다란 꽃피는 가지 하나가 걸쳐 있는데, 그 꽃은 산호색과 흰색의 짧은 점들로 그려져 있고, main stem에서 느슨하게 말려 나간다. 나무는 곁다리 풍경이 아니다. 그것은 캔버스를 대각선으로 가르고, 그림의 명목상 주제인 씨 뿌리는 사람을 왼쪽 아래 구석으로 밀어낸다.

그곳에서 그는 걷는다. 짙은 청록색 재킷과 모자를 쓴 아담한 인물이 lilac, grey, pale ochre의 broken strokes로 표현된 들판 위로 뻗은 팔로 씨를 뿌린다. 그의 뒤에는 좁은 blue band가 있는데, 이는 literal river라기보다 색채의 passage이며, 들판과 낮은 지평선을 분리한다. 그 지평선에는 distant town과 single dark cypress가 몇 개의 economical touches로 배치되어 있다.

그 모든 것 위에, 낮고 거대하게, pure chrome yellow의 태양이 앉아 있다. circular strokes로 쌓아 올려져 있어 물감 자체가 회전하는 듯 보인다. 그것은 타오른다기보다 acid sky 위에 평평하게 빛나며, 열의 근원이라기보다 캔버스 위에 눌러 붙인 동전에 더 가깝다.

A Borrowed Figure, Made to Compete

씨 뿌리는 사람은 반 고흐의 발명이 아니었다. 그는 네덜란드에 있던 시절부터 Jean-François Millet를 따라 이 주제를 그리고 그렸으며, Millet의 농민 노동자들을 복사하고 정직하고 감상적이지 않은 주제의 모범으로 존경했다.

아를에서 그는 그 인물을 Millet이 결코 사용하지 않은 색채로 밀어붙였고, 편지에서 서술했듯이 자신이 가장 존경하는 화가들과 자신을 겨루게 했다. 그들의 sober tonal compositions을 raw complementary hues로 번역함으로써. Yellow sun against a violet-leaning field, 그의 색채 사고에서 가장 오래된 짝은 Millet의 원작에서 드로잉과 tone이 했던 정서적 작업을 여기서 해낸다.

그 주제는 구성 이상의 무게를 지녔다. 반 고흐에게 씨 뿌리는 사람은 어떤 single life보다도 오래 지속되는 순환, 즉 곡식으로 돌아오리라는 약속 위에서 땅에 맡겨진 씨앗을 상징했다. 그는 이 이미지로 충분히 자주 돌아갔기에, 그의 편지들은 그것을 거의 private article of faith처럼 다룬다.

Paint Handled at Speed

전체의 붓질은 빠르고 declarative하다. 들판은 고랑을 하나하나 묘사하기보다 따라가는 짧은 diagonal strokes로 깔려 있고, 하늘은 더 긴 horizontal sweeps로 표현되며 분홍 구름 줄무늬로 끊긴다. 나무껍질은 어둡고 twisting lines로 새겨져 바탕색이 비쳐 보이게 한다.

여기서 매끄러운 것은 없다. 물감은 붓이 싣고 놓은 자리에 ridges로 남아 있으며, 특히 태양 원반은 visible impasto를 지닌다. 즉, 보는 사람이 어디에 서 있느냐에 따라 실제 빛을 다르게 받는 raised, textured surface이다.

그 variability는 hurried sketch의 결함이라기보다 그림의 성격의 일부이다. 반 고흐는 decisive, placard-like clarity, 즉 drawn strokes로 경계 지어진 강한 색의 flat planes를 향해 작업하고 있었고, 이는 그가 수집한 판화에 정신적으로 더 가까웠으며 당대의 conventional landscape painting과는 거리가 있었다.

How It Sits in a Room

햇빛이 닿는 곳에 걸면, 이 그림은 더 평평한 그림들이 그렇지 않은 방식으로 시간마다 변한다. 아침이나 흐린 날의 빛은 들판의 violet and grey가 노란 하늘과 대비되어 선명하게 읽히게 한다. impasto 위로 직접 드는 햇빛은 물감의 ridges를 잡아내고 chrome disc를 더 또렷한 relief로 드러낸다.

40.3 x 32.5센티미터로 작지만, 이 그림은 규모가 아니라 density로 벽을 지탱한다. 줄기의 빽빽한 대각선은 언뜻 보기에 그 크기가 시사하는 것보다 더 큰 존재감을 준다.

원작은 암스테르담의 Van Gogh Museum이 소장하고 있으며, 반 고흐가 그해 아를에서 만든 씨 뿌리는 사람 구성군 가운데 하나로 목록에 올라 있다. 가까이서 보든 방 건너편에서 보든, 이처럼 압축적이고 제작 속도가 빠른 그림이 견디도록 만들어진 종류의, 서두르지 않고 반복해서 보는 시선에 보답한다.