해바라기와 장미, 다른 꽃이 담긴 그릇 이야기와 의미, 붓질

반 고흐 「해바라기, 장미, 여러 꽃이 담긴 그릇」의 손으로 그린 유화 복제화, 널찍한 사발에 수북이 담긴 해바라기와 장미, 여러 여름 꽃 — 해바라기, 장미, 여러 꽃이 담긴 그릇, 1886; Kunsthalle Mannheim · 복제화 보기

1886년 초, 빈센트 반 고흐는 뉘넨의 평범한 갈색 풍경을 뒤로하고 파리로 이사해 형 테오와 함께 살았다. 서른두 살이었고, 대부분 독학으로 그림을 익혔으며, 자신의 그림이 변해야 한다고 확신하고 있었다. 도착한 지 몇 주 만에 그는 모네, 피사로, 그리고 더 젊은 인상파 화가들의 캔버스를 직접 보았고, 네덜란드 시골에서 쌓아온 어둡고 흙빛 팔레트는 스타일이라기보다 부담처럼 보이기 시작했다.

해바라기, 장미와 다른 꽃들이 있는 그릇은 같은 해에 그려진 작품으로, 그런 재정비의 결과 중 하나다. 이는 화가가 음악가가 음계를 사용하듯 자른 꽃을 사용하는 모습을 보여준다. 즉 색을 보는 방식을 전면적으로 다시 세우기 위한 고정되고 인내심 있는 주제로 말이다.

습관이 된 작업실 연습

꽃은 눈을 다시 훈련하는 예술가에게 실용적인 선택이었다. 값이 싸고, 거의 모든 파리 거리 모퉁이에서 팔렸으며, 고용한 모델과 달리 시간당 돈을 줄 필요도 없었다. 반 고흐는 꽃다발을 사서 직접 꽃을 꽂고, 꽃잎이 떨어지기 전에 빠르게 그렸다.

1886년 동안 그는 이런 정물화를 수십 점 작업했고, 종종 같은 주에 여러 점을 그리며 각각을 서로 다른 색조 조합에 대한 통제된 실험으로 다루었다. 해바라기와 장미, 그리고 더 작은 흰색과 라일락색 꽃을 섞은 이 그릇은 그 무리 중에서도 가장 충만한 작품에 속한다.

해바라기 자체는 잠시 짚어볼 가치가 있다. 그가 아를의 노란 집을 해바라기 꽃병으로 채워 명성을 얻기 이 년 전에, 해바라기는 이미 여기 파리 정물화 속에서 장미들 사이에 섞여 나타난다. 마치 그 꽃이 무엇이 될지 알기 전부터 이미 그의 관심을 사로잡은 것처럼.

탁자 위에 놓인 것

그릇은 나중의 아를 그림에 나오는 길고 가느다란 꽃병이 아니라, 둔탁한 녹색의 낮고 넓은 그릇으로, 전시용이라기보다 부엌 살림에 가깝다. 그것은 평평한 돌이나 대리석 판 위에 놓여 있는데, 그 회색 표면은 녹슨 듯한 색과 파란색의 거친 붓질로 끊겨 있다.

그 안에서 빽빽하고 거의 넘칠 듯한 구성이 나온다. 거칠고 반쯤 핀 해바라기 머리가 위쪽에서 솟아 오른쪽으로 기울고, 일부는 이미 줄기째 처져 있다. 그 아래에는 흰색과 연분홍 장미가 두껍게 뭉쳐 있고, 그 꽃잎은 짧고 말리는 붓 자국으로 만들어져 있으며, 남은 모든 틈을 메우는 작은 흰색과 라벤더색 꽃들의 안개에 둘러싸여 있다.

시선은 먼저 그림에서 가장 밝고 가장 촘촘하게 처리된 부분인 중앙의 창백한 장미에 닿고, 그다음 더 무거운 노란 해바라기 머리들 쪽으로 위와 밖으로 끌려간다. 구성 안에서 정돈된 것은 아무것도 없다. 줄기는 교차하고, 꽃은 겹치며, 이 꽃다발은 핀셋으로 구성한 것이라기보다 한 아름씩 모아 온 것처럼 읽힌다.

가운데가 갈라진 캔버스

배경은 이 그림이 가장 큰 위험을 감수하는 부분이다. 왼쪽 절반은 따뜻한 황토색과 엄버 갈색에 놓여 있어, 반 고흐의 네덜란드 시절 흙색과 가까운 색조다. 오른쪽 절반은 줄무늬가 지고 진동하는 빨간색으로 갈라지는데, 거친 수직 붓질로 칠해져 마치 커튼이나 빛을 받는 반사 표면처럼 읽힌다.

그 분할은 하나의 캔버스에서 갈색과 빨간색을 맞세우고, 그릇과 그 녹색 잎들이 둘 사이의 경첩 역할을 한다. 그릇과 줄기의 녹색은 따뜻한 갈색과 뜨거운 빨간색 모두에 맞서 차갑고 안정시키는 음으로 놓여, 배경의 어느 쪽도 앞에 있는 꽃들을 압도하지 못하게 한다.

이는 노골적이고 거의 실험적인 색 구성 작업으로, 완성된 배경이라기보다 습작에 더 가깝다. 그리고 바로 그것이 핵심이다. 이것은 방을 묘사하기 위한 캔버스가 아니라, 색들이 서로 옆에 있을 때 어떤 작용을 하는지 시험하기 위해 만든 캔버스다.

물감 자체

반 고흐는 꽃을 두껍고 많이 묻힌 붓질로 작업했고, 빠르게 칠한 뒤 대부분 섞지 않고 그대로 두었다. 꽃잎은 매끄럽게 입체감 있게 만든 형태가 아니라 흰색, 분홍색 또는 노란색의 단일한 짧은 붓질로 만들어져, 가까이서 보면 꽃다발은 분리된 자국들의 장으로 흩어지고, 조금 뒤로 물러서야 장미와 해바라기로 구체화된다.

서명 “Vincent”는 왼쪽 아래에 빨간색으로 놓여 있는데, 이는 그가 성 대신 이름으로 서명하기 시작한 뒤 경력 내내 자신의 이름을 쓰던 바로 그 빨간색이다. 크기는 61 x 50센티미터로 modest하며, 전시용이라기보다 습작에 가깝고, 이는 여러 점 중 하나로 빠르게 그린 그림에 어울린다.

방 안에서

원작은 오늘날 만하임 쿤스트할레에 걸려 있다. 벽에 걸면, 이 그림은 빛과 싸우기보다 빛이 바뀌는 것을 보상하는 그림이다. 더 평평한 낮빛에서는 황토색과 빨간색 배경이 무게감이 비슷하게 읽히고, 꽃이 담긴 그릇은 하나의 따뜻한 덩어리로 놓인다.

더 따뜻한 저녁빛 아래에서는 배경의 빨간 쪽이 앞으로 당겨지고 흰 장미가 캔버스에서 떠오르는 듯 보여, 갈색 쪽이 결코 따라오지 못하는 방식으로 밝아진다. 이는 젊은 화가의 쉼 없는 색 실험으로 만들어진 그림이며, 지금도 그렇게 작동한다. 즉 자신에게 비치는 빛에 따라 균형을 바꾼다.