Blühender Pflaumenbaum (nach Hiroshige): Geschichte
1887 war Vincent van Gogh seit einem Jahr in Paris, lebte mit seinem Bruder Theo zusammen und sog eine Kunstwelt in sich auf, die wenig mit der dumpfen, erdverbundenen Palette gemein hatte, die er in Nuenen zurückgelassen hatte. Er sah impressionistische und neoimpressionistische Leinwände aus erster Hand, traf Maler wie Bernard und Signac und entwickelte neben allem anderen eine private Obsession für japanische Holzschnitte.
Er und Theo sammelten Hunderte davon, billig gekauft beim Pariser Händler Siegfried Bing, und eine Zeit lang heftete Vincent Blatt um Blatt an die Wände seiner Zimmer und studierte sie, wie ein Schüler einen Meister studiert. Er wolle, schrieb er, die Welt so betrachten, wie ein japanischer Künstler sie betrachte, vereinfacht, direkt, ungetrübt von den Konventionen seiner eigenen Ausbildung.
Blühender Pflaumenbaum, nach Hiroshige, gemalt 1887 in Paris, ist eines von zwei Gemälden, in denen dieser Ehrgeiz wörtlich wurde. Statt nur aufzunehmen, was japanische Drucke ihn lehren konnten, nahm Van Gogh ein vorhandenes Blatt und arbeitete es in Ölfarbe auf Leinwand aus.
Kopieren als Denkweise
Der Druck hinter diesem Gemälde ist Utagawa Hiroshiges Pflaumenhain in Kameido, Teil seiner Serie Hundert berühmte Ansichten von Edo. Van Gogh kannte ihn durch die Zeitschrift Paris Illustre, die japanische Drucke für ein französisches Publikum reproduzierte, und sehr wahrscheinlich durch seine eigene Sammlung.
Er pausierte den Druck nicht etwa durch, sondern baute ihn neu auf. Er rasterte seine Komposition auf und vergrößerte sie auf die Leinwand, wobei er anpasste, was der Wechsel des Mediums verlangte, und zugleich die Kühnheit des Entwurfs intakt ließ: ein Baumstamm, der fast das gesamte Bild füllt, dem Boden fast kein Raum gegeben, dem Auge keine leichte Route zu einem Horizont geboten.
Kopieren war für Van Gogh nie eine geringere Art von Arbeit. Es war eine Möglichkeit, durch die Hand eines anderen Künstlers zu denken, eine Disziplin, zu der er sein Leben lang mit Millet und Delacroix zurückkehrte, genau wie hier mit Hiroshige.
Was die Leinwand enthält
Ein Pflaumenstamm teilt das Gemälde in einer scharfen Diagonale, seine Rinde aus trockenen, gezogenen Strichen in Maroon, Schwarz und Ocker aufgebaut, die dem Holz ein raues, fast geologisches Gewicht geben. Dünne Zweige schießen nach oben und zur Seite daraus hervor, jede Spitze mit weißer Blüte beladen, in kurzen, bedachten Tupfern gesetzt.
Hinter dem Baum ist der Himmel nicht blau, sondern ein tiefes, gesättigtes Rot, das sich zum Horizont hin zu Rosa und Creme erweicht, wo eine ganze Obstwiese blasser blühender Bäume in flacher, unmodellierter Farbe steht. Kleine Figuren in Blau und Gelb bewegen sich entlang eines Zauns am Fuße dieser Obstwiese, kaum mehr als ein oder zwei Striche jede, anwesend, um Maßstab zu geben, nicht als Ereignis.
Die Palette ist durchweg auf eine Handvoll kraftvoller Farben reduziert, Rot, Grün, Schwarz und Weiß, aufgetragen ohne jede der glatten Übergänge, die Van Goghs akademische Ausbildung einst verlangt hätte. Es ist ein Bild, das darauf angelegt ist, aus der Entfernung eines Raumes zu treffen, und dann bei näherer Betrachtung durch die Rauheit seiner Oberfläche belohnt wird.
Die Ränder, die er erfand
Van Gogh fügte etwas hinzu, das Hiroshiges Originaldruck nie hatte: zwei vertikale Streifen japanischer Schriftzeichen auf orangefarbenem Grund, die die Szene rahmen, wie es ein Ladenschild oder eine Schriftrollenmontierung tun könnte. Die Zeichen sind keine getreue Transkription von etwas Bestimmtem; er übernahm sie von anderen Blättern seiner Sammlung, mehr von ihrem grafischen Gewicht angezogen als von ihrer Bedeutung, die er nicht lesen konnte.
Der Effekt besteht darin, die Anleihe sichtbar statt verborgen zu machen. Dies ist keine verkleidete Kopie, sondern eine offene Hommage, die Huldigung eines holländischen Malers an einen japanischen Druck, zum Teil aus Zeichen gebaut, die rein als Formen bewundert wurden.
An einer Wand, in wechselndem Licht
Mit 46 mal 55 Zentimetern ist das Original ein bescheidenes Objekt, das für sich selbst durch Farbe statt durch Größe spricht. Das ist Teil des Grundes, warum es eine Wand aus der Entfernung eines Raumes halten und dennoch aus der Nähe betrachtet belohnen kann, wo die gezogene, unvermischte Farbe des Stamms zu ihrem eigenen Gegenstand wird.
Der rote Grund verschiebt sich mit dem Licht um es herum, wärmer und schwerer am Abend, kühler und schärfer unter einem nach Norden ausgerichteten Fenster. Wenige Gemälde ändern ihre Stimmung im Tagesverlauf so sichtbar wie eines, das fast vollständig aus einer einzigen gesättigten Farbe gebaut ist.
Van Gogh malte es im selben Jahr, in dem er begann, seine eigene Palette zu jener Intensität zu treiben, die seine letzten Jahre im Süden Frankreichs prägen sollte. Heute im Van Gogh Museum in Amsterdam zu sehen, liest es sich als Scharnierbild, als der Moment, in dem ein in den Brauntönen der holländischen Tradition ausgebildeter Maler entschied, dass Farbe allein die Bedeutung eines ganzen Bildes tragen konnte.
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