Der rote Weinberg: Geschichte, Bedeutung & Pinselstrich
Im Herbst 1888 war Vincent van Gogh seit fast einem Jahr in Arles und arbeitete in einem Tempo, das selbst seine treuesten Unterstützer alarmierte. Er hatte das Gelbe Haus gemietet, es mit Leinwänden gefüllt und wartete, nicht ganz geduldig, auf die Ankunft von Paul Gauguin, um das Atelier zu teilen, das er sich als eine Kolonie von Malern vorstellte, die mit dem Licht der Provence arbeiteten. Die Ernte war eingebracht, die Reben verfärbten sich, und Van Gogh hatte Trauben und Stoppelfelder im Kopf.
Der rote Weinberg gehört zu diesem aufgeladenen Herbst. Es ist ein Bild, das weniger aus dem entstand, was vor der Staffelei stand, als aus dem, was nach einem Spaziergang durch die Landschaft bei Arles in seiner Erinnerung blieb, als er sah, wie ein Weinberg die tief stehende Sonne einfing und sich, nach seiner eigenen Beschreibung, in die Farbe von Rotwein verwandelte. Er trug diesen Eindruck zurück ins Atelier und malte ihn vollständig.
Ein erinnerter Weinberg, nicht ein beobachteter
Aus der Erinnerung statt nach dem Motiv zu arbeiten, war für Van Gogh ungewöhnlich, der seine Staffelei normalerweise draußen auf den Feldern aufstellte. Dass er diese Szene drinnen malte, nach einem inneren Bild, mag erklären, warum das Bild sich weniger wie eine Übertragung eines Ortes anfühlt und mehr wie eine destillierte Empfindung: Hitze, Farbe und der besondere Schmerz einer zu Ende gehenden Jahreszeit.
Das Ergebnis ist weniger ein wörtlicher Weinberg als das Gefühl eines solchen. Reihen von Reben werden zu Bändern aus Rot, Orange und Violett; die Figuren, die sich dazwischen beugen, sind schnelle, sparsame Zeichen statt Porträts. Van Gogh behielt nur, was die Erinnerung behalten hatte, und verwarf den Rest.
Feuer in den Furchen
Der Blick landet zuerst auf der Sonne, einer Scheibe aus rohem Weiß und Gelb, tief stehend in einem Himmel aus blassem Grün und Gold, ihr Licht in kurzen, strahlenden Strichen ausgeworfen. Darunter läuft der Weinberg über die Länge der Leinwand in einem Lodern aus Zinnoberrot, Orange und Strichen von fast Schwarz, als glühte der Boden selbst nach der Hitze des Tages.
Kleine Figuren bewegen sich durch die Reihen, einige tief über die Reben gebeugt, eine schützt sich mit einem blassen Schirm, ein weiteres Paar arbeitet nahe einem Karren mit Pferd auf dem Weg dahinter. Rechts durchschneidet ein Kanal die Komposition, sein Wasser gelb und blau gestreift, und fängt dieselbe tief stehende Sonne ein, die das Feld daneben versengt.
Eine Linie dunkler Bäume, blaugrün und kühl, schließt die obere linke Ecke ab und hält die Komposition gegen so viel Rot und Gold zusammen. Es ist eine der wenigen Passagen im Bild, in denen die Temperatur sinkt, und das Auge ist dankbar für die Ruhe.
Wie die Farbe auf der Leinwand sitzt
Van Gogh legte den Weinberg mit dicken, gerichteten Strichen an, die Farbe oft nass in nass aufgetragen, sodass Rot in Orange und Orange in Violett übergeht, ohne saubere Kante dazwischen. Über den Weg im Vordergrund sitzen Tupfen von Schwarz und tiefem Grün auf dem wärmeren Grund und vermitteln den Eindruck von zertretener Erde und gefallenen Blättern, ohne eines von beiden im Detail zu beschreiben.
Die Sonne ist noch einmal anders behandelt: in einem fast reliefartigen Aufbau aus weißer Farbe, während der umgebende Himmel in kurzen, gekämmten Linien geritzt ist, die von ihr nach außen ziehen, als hätte die Hitze selbst eine Textur. Das ist Farbe, die ebenso sehr für ihre physische Präsenz auf der Leinwand eingesetzt wird wie für die Farbe, die sie trägt, eine Methode, die Van Gogh während seiner gesamten Zeit in Arles geschärft hatte.
Der einzige Verkauf, den er kannte
Van Gogh malte Der rote Weinberg 1888, und seine Maße, 93 mal 75 Zentimeter, reihen es unter die gewichtigeren Leinwände dieser Arleser Zeit ein. Es trägt ein besonderes Gewicht in seiner Geschichte: Es gilt weithin als das eine Gemälde, das er zu Lebzeiten verkaufte, 1890 von der belgischen Malerin Anna Boch auf einer Ausstellung in Brüssel für 400 Francs gekauft.
Diese einzelne Transaktion steht seltsam gegen alles, was folgte. Ein Mann, der einer der meist reproduzierten Maler der Welt werden sollte, trennte sich von dieser Leinwand für eine bescheidene Summe, an eine Künstlerkollegin, die darin etwas erkannte, was der breitere Markt noch nicht sah.
Mit dem Gemälde leben
Das Original gehört heute dem Puschkin-Museum für bildende Künste, und seine Intensität hat nicht nachgelassen, weil es von einer provinziellen französischen Ausstellung in eine große nationale Sammlung gewandert ist. In großem Format reproduziert, an einer Wand, die echtes Tageslicht bekommt, verhält sich das Bild weniger wie ein festes Abbild und mehr wie eine Wärmequelle im Raum.
Morgenlicht hebt die pastose Sonne und die roten Grate über die Reben hervor; abends, mit eingeschalteten Lampen, beruhigt sich dieselbe Leinwand zu etwas Dunklerem und Glutartigerem, die schwarzen Striche im Vordergrund lesen sich als Schatten statt als Akzent. Wenige Gemälde verändern sich so sichtbar mit der Stunde, was mit ein Grund ist, warum dieses den Blick immer wieder zurückzieht.
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