Der grüne Weinberg: Geschichte, Bedeutung & Pinselstrich
Ende September 1888 war Vincent van Gogh seit sechs Monaten in Arles und arbeitete schneller als je zuvor. Er bereitete das Gelbe Haus für die Ankunft von Paul Gauguin vor und füllte dessen Räume in einer Eile mit Leinwänden, die sich auch heute noch eher als Dringlichkeit denn als Hast liest. Zu den Feldern, zu denen er in jenem Herbst zurückkehrte, gehörten die Weinberge südlich der Stadt, wo die Ernte im Gange war und das Licht sich bereits wandelte.
Er malte die Reben in jener Jahreszeit mehr als einmal, in unterschiedlichen Farbzuständen, während die Jahreszeit voranschritt. Der grüne Weinberg, gemalt 1888, fängt einen früheren Moment ein als sein bekannterer Begleiter, der Weinberg noch überwiegend grün, mit nur den ersten Flecken von Rost und Kupfer, die durchscheinen. Es ist die Aufzeichnung einer bestimmten Woche an einem bestimmten Ort, vor Ort entstanden und mit derselben Geschwindigkeit vollendet, die sie darstellt.
Ein Feld im Wandel
Die Leinwand ist fast ganz dem Weinberg und dem Himmel darüber gewidmet, mit kaum einer Horizontlinie, die beide trennt. Die Rebzeilen laufen vom unteren Bildrand zurück zu einem schmalen Streifen aus Bäumen und Dächern, sodass das Auge in das Feld hineingezogen wird statt darüber hinweg.
Grün dominiert, doch es ist nicht ein einziges Grün. Van Gogh legt Oliv, Saftgrün und ein schärferes Säuregrün nebeneinander und durchzieht sie dann mit Orange, Rost und Spuren von Violett, wo das Laub bereits begonnen hat, sich zu verfärben. Der Effekt ist der eines Feldes, das mitten im Wandel erfasst ist, weder völlig grün noch schon dem Herbst überlassen.
Kleine Häuser sitzen am Horizont rechts, ihre Dächer ein warmes Ocker gegen die kühlere Ferne. Sie verankern die Szene in einem realen, bewohnten Landstrich statt in einem erdachten, jener Art von Arbeitslandschaft, die van Gogh bis zu seinem zweiten Sommer in der Provence gut kennengelernt hatte.
Die Menschen, die die Reihen bearbeiten
Figuren sind über die Reben verstreut, klein gegen den Maßstab des Feldes. Links schützt sich eine Frau unter einem roten Sonnenschirm, dessen Farbe der einzige schärfste Rottor der ganzen Leinwand ist und das Erste, was das Auge findet. Neben ihr beugt sich eine weitere Figur tief zwischen die Blätter, in der Behandlung nah genug, dass sie nur an der Haltung statt an Details zu erkennen ist.
Weiter im Feld erscheinen mehr Arbeiter zu zweit und zu dritt, ihre Formen auf wenige Striche dunklen Stoffs und blassen Fleischtons reduziert. Rechts stehen zwei Figuren dicht beieinander nahe einer dunkleren Laubmasse, sie schauen oder ruhen, statt zu pflücken.
Keine dieser Personen ist mit individuellen Zügen gemalt. Van Gogh gibt ihnen gerade genug Form, um als menschliche Arbeit lesbar zu sein, Figuren, die eine Tätigkeit verrichten, die für jeden in der Nähe von Arles im September völlig gewöhnlich gewesen wäre, und überlässt den Rest den Reben um sie herum.
Ein Himmel, der nicht stillhält
Die obere Hälfte der Leinwand ist Himmel, und er ist alles andere als ruhig. Van Gogh baut ihn aus kurzen, dunklen, kommaförmigen Strichen auf einem Grund aus Blau und blassem Grün, sodass die ganze Fläche zu flackern scheint, statt stillzuhalten.
Ob diese dunklen Zeichen als Vögel zu lesen sind, als Wind, der durch unsichtbare Wolken zieht, oder einfach als erregte Pinselarbeit, sie geben der oberen Bildhälfte dieselbe Unruhe wie dem Feld darunter. Nichts in diesem Gemälde ist träge.
Der Kontrast ist wichtig. Unten haben die Rebzeilen eine Struktur und eine Richtung, sie laufen in disziplinierten Linien zurück. Oben weicht diese Ordnung etwas näher an Wetter Geratenem, ein Himmel, der sich zu bewegen scheint, obwohl das Bild stillhält.
Wie die Farbe auf der Leinwand sitzt
Van Gogh arbeitete diese Szene in kurzen, pastos geladenen Strichen, einen gegen den nächsten gesetzt, ohne viel Vermischung, sodass die Pinselarbeit selbst die Wachstumsrichtung der Reben und die Bewegung der Luft darüber trägt. Aus der Nähe zerfällt das Bild in Hunderte einzelner Spuren. Aus der Entfernung fügen sich diese Spuren zu Reihen, Blättern und Figuren.
Die Farbe ist stellenweise dick genug, um echtes Licht einzufangen, Grate aus Pigment, die je nach Standort einer Lampe oder eines Fensters kleine Schatten über die Oberfläche werfen. Das ist kein flaches Bild, und es war nie dafür gedacht, nur aus einer festen, idealen Entfernung betrachtet zu werden.
Die Farbe leistet einen Großteil der strukturellen Arbeit, die sonst die Zeichnung tun könnte. Komplementärpaare, Grün gegen Rot, Blau gegen Orange, halten das Auge über die Leinwand in Bewegung, vom Sonnenschirm zu den rostfarbenen Blättern bis zu den warmen Dächern am Horizont.
Mit dem Gemälde leben
Mit 92 mal 72 Zentimetern ist Der grüne Weinberg groß genug, um eine Wand für sich zu behaupten, ohne Gesellschaft zu brauchen. Dort aufgehängt, wo Tageslicht ihn schräg erreicht, fängt der Farbauftrag das Licht ein und verliert es im Laufe des Tages, sodass das Feld sich genau so zu verschieben scheint, wie es ein wirklicher Weinberg täte, wenn die Sonne wandert.
Am Abend, unter Lampenlicht, treten die Rottöne und Orangetöne eher hervor, während die dunklen Striche im Himmel in das Blau um sie herum zurückweichen. Das Gemälde liest sich je nach Stunde anders, was zu einem Bild passt, das so sehr mit einer Landschaft im Wandel befasst ist.
Das Original hängt im Kröller-Müller Museum, einer der größten Sammlungen von van Goghs Werk überhaupt, wo es unter den anderen Gemälden aus seiner Arleser Zeit sitzt. Dort gesehen oder zu Hause reproduziert, bleibt es die Aufzeichnung eines arbeitenden Herbstfeldes, gemalt von jemandem, der in jener Jahreszeit so schnell arbeiten musste, wie sich das Land vor ihm veränderte.
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