Der Sämann bei Sonnenuntergang: Geschichte, Bedeutung & Pinseltechnik
Im Juni 1888 war Vincent van Gogh seit vier Monaten in Arles und arbeitete sich durch die Weizenernte, in einem Tempo, das sogar ihn selbst alarmierte. Er schrieb an seinen Bruder Theo, dass er wie besessen malte und das Licht jagte, bevor die Jahreszeit umschlug. Der Sämann, auch bekannt als Der Sämann bei Sonnenuntergang, gehört zu dieser Arbeitsphase, eine Leinwand, die er um ein Motiv herum aufbaute, zu dem er seit seinen frühesten Tagen als Künstler in den Niederlanden immer wieder zurückgekehrt war.
Eine Schuld an Millet, in Farbe beglichen
Der Sämann war nicht Van Goghs Erfindung. Er hatte jahrelang Jean-Francois Millets Bauernfiguren kopiert und neu interpretiert, angezogen von der Vorstellung würdevolle Arbeit ohne Sentimentalität darzustellen. In Arles ließ er diese entlehnte Figur in Farben los, die Millet nie verwendet hatte.
Wo Millet in erdigen Grautönen und Brauntönen arbeitete, gab Van Gogh demselben Motiv einen Himmel in der Farbe von gehämmertem Messing und ein Feld in Violett und Blau. Er schrieb davon, den Sämann als Symbol der Ewigkeit malen zu wollen, wobei Säen und Ernten für die gesamte Spanne eines Lebens stehen.
Die Geste stammt von Millet: der weite Schritt, der Arm mitten im Wurf ausgestreckt. Alles um sie herum gehört allein Van Gogh.
Ein Feld, aus seinem Gegenteil gebaut
Schauen Sie, wo die Sonne steht. Sie ist gewaltig, tief und in ihrem Kern fast weiß, umringt von einem Heiligenschein gelber Striche, die wie Speichen nach außen strahlen. Ein schmaler Streifen reifenden Weizens zieht sich darunter am Horizont entlang, und links steht ein kleines Bauernhaus mit blaugrauem Dach, winzig vor dem Himmel dahinter.
Das gepflügte Feld, das die unteren zwei Drittel der Leinwand füllt, ist überhaupt nicht braun. Es ist aus Violett und Blau gebaut, in kurzen, abgehackten Strichen aufgetragen, mit Orange und Gold dazwischen, wo immer die tiefe Sonne einen Rücken aufgeworfener Erde trifft.
Diese Paarung von Gelb gegen Violett ist der ganze Motor des Bildes. Die beiden stehen sich auf dem Farbkreis gegenüber, und Van Gogh wusste genau, was es bewirken würde, sie nebeneinander zu setzen: Jede Farbe lässt die andere lauter klingen, als sie es allein täte.
Ein Paar Krähen bearbeitet die Furchen im Vordergrund, kleine dunkle Noten gegen all die gebrochene Farbe. Ein Weg schneidet diagonal durch das Feld zur Sonne hin und zieht den Blick nach hinten, um ihr zu begegnen.
Eine Figur an den Rand gedrängt
Der Sämann selbst steht nicht im Zentrum. Van Gogh setzte ihn weit nach rechts, er schreitet von jenseits des Bildrahmens herein, den Arm mitten im Wurf gefangen, einen Sack Saatgut über den Körper gehängt und einen Strohhut, der sein Gesicht beschattet. Seine Füße stehen in Blau und Grau, halb versunken in derselben gebrochenen Farbe wie das Feld um ihn herum.
Es ist eine seltsame, fast aus dem Gleichgewicht geratene Komposition, und das scheint Absicht. Die Sonne, nicht der Mann, beansprucht die Mitte der Leinwand. Die Figur ist gegenwärtig, aber nicht beherrschend, ein arbeitendes Detail innerhalb von etwas viel Größerem als sie selbst.
Dieses Ungleichgewicht ist Teil dessen, was das Gemälde die Aufmerksamkeit halten lässt. Der Blick landet zuerst auf der großen gelben Scheibe, kreist um den strahlenden Himmel und wandert erst dann nach unten, um den Mann zu finden, der die eigentliche Arbeit verrichtet.
Farbe behandelt wie das Motiv, das sie zeigt
Van Gogh arbeitete in jenem Sommer schnell, und die Oberfläche zeigt es. Der Himmel ist in langen, gerichteten Strichen aufgetragen, die wie die Saat des Sämanns selbst von der Sonne ausfächern. Das Feld darunter ist noch dicker, getupft und gezogen, auf eine Weise, die der ganzen unteren Hälfte der Leinwand echte physische Textur verleiht.
Nichts hier ist glatt verblendet. Farbe steht neben Farbe, Strich neben Strich, sodass das Bild selbst aus der Entfernung eine Art Vibration behält. Es ist eine Technik, die darauf angelegt ist, gesehen zu werden, nicht nur überflogen.
Das Bild misst 80,3 mal 64,2 Zentimeter, eine Größe, die Sonne und Feld in enge, fast drängende Nähe zum Betrachter rückt. Van Gogh malte es 1888, und es gehört heute dem Kröller-Müller Museum, das eine der größten Sammlungen seiner Werke weltweit beherbergt.
Was es an einer Wand bewirkt
Dort gehängt, wo Morgen- oder Abendlicht es erreichen kann, verändert sich das Bild mit dem Raum. Warmes Lampenlicht holt das Gold und Bernstein im Feld hervor; Tageslicht schärft das Violett und lässt die Krähen und die dunkle Kleidung des Sämanns deutlicher gegen all die Helligkeit hervortreten.
Es ist kein ruhiges Bild, und es bittet nicht darum, ruhig zu sein. Die Sonne in seiner Mitte arbeitet weiter am Auge, so wie sie an Van Gogh arbeitete, beharrlich, näher an der Grenze dessen, was Farbe halten kann, als die meisten Landschaften es versuchen.
Was beim wiederholten Betrachten bleibt, ist die Spannung zwischen dem ruhigen Motiv und der ruhelosen Oberfläche. Ein Mann, der ein Feld besät, ist eine etwa so alte und beständige Szene, wie es sie gibt. Van Gogh malte sie, als stünde der ganze Himmel um ihn herum in Flammen.
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