Der Schnitter (nach Millet, 1889): Geschichte & Bedeutung
Eine Kopie ohne ein Feld in Sicht
Im Herbst 1889 hatte sich Vincent van Gogh in die Anstalt von Saint-Rémy-de-Provence begeben, und über lange Strecken war es ihm nicht erlaubt oder nicht gut genug möglich, hinauszugehen unter den Weizen, den er so gern malte. Was er stattdessen hatte, war ein kleiner Vorrat an Schwarz-Weiß-Drucken nach Jean-François Millet, die ihm sein Bruder Theo aus Paris geschickt hatte.
Van Gogh machte sich daran, diese grauen Stiche in Farbe zu verwandeln, und arbeitete in einer kargen Zelle, die ihm als Atelier überlassen worden war. Er verstand den Vorgang als Übersetzung, nicht als Kopie, so wie ein Musiker die Partitur eines anderen Komponisten lesen und in einer anderen Tonart wiedergeben könnte.
Der Schnitter (nach Millet) gehört zu diesem Projekt. Gemalt 1889 auf einer kleinen, hochformatigen Leinwand von 25 mal 43,5 Zentimetern, nimmt es Millets gestochenen Schnitter und gibt ihn in der rohen, ungemischten Farbe wieder, der zu vertrauen Van Gogh sich in den drei Jahren zuvor beigebracht hatte.
Ein Mann, von hinten gesehen, doppelt gebückt
Das Gemälde zeigt uns einen einzelnen Schnitter von hinten, in der Taille abgeschnitten durch den Winkel seiner eigenen Arbeit. Er ist fast in der Mitte gefaltet, den Kopf unter einem Strohhut gesenkt, sein ganzes Gewicht in die beidhändig gefasste Sensen mit langem Stiel getrieben.
Seine Kleidung ist schlicht: eine hellcremefarbene Kittel und lockere Hosen in der Farbe des Getreides um ihn herum, mit einer blauen Jacke, die von seinen Schultern gezogen und an den Ärmeln um seine Taille geknotet ist. Dieser eine blaue Ton gegen all das Gelb ist das Einzige, was den Mann von dem Feld trennt, das er mäht.
Seine Stiefel sind abgetragen und schwer, in einem Flecken Boden gepflanzt, der in kühlem blaugrünem Schatten wiedergegeben ist, die einzige Stelle im Bild, an der die Temperatur sinkt. Hinter ihm läuft der Weizen in kurzen, dichten Strichen von Chromgelb und Ocker zurück, bis er auf eine niedrige grüne Linie aus Hecke und Bäumen trifft.
In der oberen rechten Ecke, klein und leicht zu übersehen, sitzt eine zweite, winzigere Figur, in denselben Gelbtönen ausgeführt, ein fernes Echo des Mannes vorne, das die Ernte nicht wie die Arbeit eines einzelnen einsamen Körpers wirken lässt. Über allem ist der Himmel reines, tiefes Kobaltblau, in langen diagonalen Strichen aufgetragen, die in dieselbe Richtung streichen wie die gebogenen Halme darunter.
Farbe, die die Arbeit der Linie übernimmt
Millets ursprünglicher Schnitter war aus Tonwerten gebaut, aus sorgfältigen Grautönen, die ins Schwarz übergehen. Van Gogh hatte kein Interesse daran, das nachzuahmen; stattdessen ließ er eine Handvoll reiner Farben die gesamte Struktur von Figur und Feld tragen.
Das Gelb des Weizens ist nie eine flache Lasur. Es wechselt von blassem Stroh zu heißem Chrom bis zu Berührungen grünen Schattens, jede Veränderung als eigener, sichtbarer Strich aufgetragen statt glatt verrieben.
Gegen diese Hitze wirken der kobaltblaue Himmel und die einzelne blaue Jacke als Ballast. Es ist eine einfache Komplementärpaarung, Gelb gegen Blau, aber Van Gogh treibt beide zu ihrer vollsten Sättigung, sodass der Kontrast zu lesen ist, bevor irgendein Detail der Figur es ist.
Die Pinselarbeit selbst hat Richtung und Dringlichkeit. Striche im Feld folgen der Neigung des Getreides, Striche im Himmel wölben sich und eilen über einen hinweg, und die ganze Oberfläche hat die gepackte, durchgearbeitete Dichte einer Leinwand, die schnell aufgebaut wurde, in kurzen Sitzungen, von einem Mann, der in jenem Jahr seiner Hand mehr vertraute als seinem Auge.
Ein Motiv, zu dem Van Gogh immer wieder zurückkehrte
Der Schnitter war keine vorübergehende Anleihe. Im selben Jahr malte Van Gogh seine eigenen Erntearbeiter, die Weizen unter einer brennenden Sonne mähen, und bearbeitete das Motiv immer wieder von den Anstaltsgründen aus und aus dem Gedächtnis.
Millets Figur gab ihm eine fertige Version desselben Motivs, einen Mann, reduziert auf reine körperliche Anstrengung, gebückt unter dem Gewicht der Arbeit und der Jahreszeit. Es in seiner eigenen Farbe aufzunehmen, ließ Van Gogh bei einem Bild verweilen, das er bereits zu seinem eigenen gemacht hatte, ohne ein Modell oder ein Feld vor sich zu brauchen.
Der Szene wird keine Dramatik hinzugefügt, kein sichtbares Gesicht, keine Geste zum Betrachter. Der Schnitter arbeitet einfach, und das Gemälde bittet das Auge, bei dieser einen, wiederholten Bewegung zu bleiben, statt nach einer Geschichte um sie herum zu suchen.
Damit leben
In einem Raum aufgehängt, der echtes Tageslicht bekommt, verändert sich diese kleine Leinwand mit den Stunden, so wie es das ursprüngliche Motiv getan hätte. Morgenlicht hebt das kühle Blau der Jacke und den schattigen Boden hervor; am Nachmittag übernehmen die Gelbtöne, und das ganze Bild scheint sich zu erwärmen.
Es lohnt eine Wand, an der man es aus der Nähe betrachten kann, denn so viel seiner Kraft liegt in der Richtung und Dicke einzelner Striche, nicht in einer großen Gesamtwirkung. Unter ruhigeren, stärker durchgearbeiteten Bildern behauptet es sich durch bloße physische Beharrlichkeit, ein kleines Gemälde, das sich weigert, still zu sitzen.
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