Der Schnitter (nach Millet): Geschichte, Bedeutung & Pinselstrich
Saint-Rémy, 1889: Malen ohne Modell
Im späten Frühling 1889 hatte sich Van Gogh in die Anstalt Saint-Paul-de-Mausole in Saint-Rémy-de-Provence eingewiesen, ein ehemaliges Kloster, das der Behandlung nervöser Störungen diente. Ihm wurde eine kleine Zelle zugewiesen und schon bald ein zweiter Raum, den er als Atelier nutzen konnte. Weizenfelder reichten fast bis an die Mauern des Geländes und waren durch die Gitterstäbe seines Fensters zu sehen.
Abgeschnitten von den Modellen, auf die er sich in Arles verlassen hatte, wandte er sich wieder einem Künstler zu, den er seit seinen frühesten Zeichenjahren verehrt hatte: Jean-François Millet. Er begann, eine Reihe von Schwarz-Weiß-Drucken nach Millets Kompositionen zu überarbeiten, und behandelte sie weniger als Bilder zum Kopieren denn als Partituren, die in Farbe neu interpretiert werden wollten.
Der Schnitter, gemalt 1889 und heute im Van Gogh Museum, gehört zu dieser Folge. Millet hatte Jahrzehnte zuvor einen Mann gezeichnet, der eine Sichel durch stehendes Getreide schwingt; Van Gogh übernahm dieselbe Haltung und baute sie ganz in seiner eigenen Farbe, seinem eigenen Licht und seinem eigenen ruhelosen Rhythmus des Pinselstrichs neu auf.
Eine einzelne Figur, tief in den Weizen gebeugt
Mit 33 mal 44 Zentimetern ist die Leinwand klein genug, dass das Auge die ganze Szene fast auf einmal erfasst und dann direkt hinunter zu dem Mann in ihrer Mitte gezogen wird. Er ist fast doppelt gebeugt, eine Hand umfasst eine gekrümmte Sichel nahe an den Halmen, die andere stützt sich gegen sein eigenes Bein, mitten im Hieb erfasst und nicht dafür in Pose gebracht.
Seine Jacke und seine Hose sind ein tiefes, saturiertes Blau, in dicken, sich kräuselnden Strichen aufgebaut, die fast wie ein eigenes Wettersystem wirken, das durch das Feld zieht. Um ihn herum ist der Weizen in kurzen diagonalen Strichen aus Gelb, Ocker und Olivgrün angelegt, der Richtung folgend, in die sich das Getreide tatsächlich neigen würde.
Über dem Feld hellt sich der Himmel zu blassem Creme und staubigem Rosé auf, und ein Schwarm dunkler Vögel durchzieht ihn in lockeren, gebrochenen V-Formen, jede mit einer Handvoll schneller Striche gezeichnet. Es gibt kaum eine Horizontlinie; das Getreide steigt einfach auf, um den Himmel zu treffen, sodass das ganze Bild als ein einziger enger, umschlossener Raum wirkt, in dem der Schnitter arbeitet.
Das Blau der Kleidung und das Gold des Weizens liegen auf dem Farbkreis fast einander gegenüber, und Van Gogh verlässt sich stark auf diesen Kontrast, lässt die beiden Farbfelder gegeneinander drücken statt ineinander zu verlaufen. Es ist das Lauteste im Bild, lauter noch als die Arbeit, die es darstellt.
Der Tod, in Tageslicht neu gefasst
Van Gogh schrieb jenem Sommer an seinen Bruder Theo über den Schnitter, den er malte, und beschrieb die Figur als ein Bild des Todes, allerdings als eines, das er nicht traurig fand. Er setzte das Schneiden des Getreides unter volles Tageslicht und warme Farbe statt unter Schatten, sodass der Vorgang als Teil eines natürlichen Kreislaufs wirkt und nicht als ein Ende, das man fürchten müsste.
Diese Lesart passt gut zu dem, was mit ihm geschah. Van Gogh arbeitete während seiner Zeit in der Anstalt eine schwere Krankheit durch, und der Weizen, den er in jenem Jahr wiederholt in verschiedenen Wachstumsstadien und Wetterlagen malte, wurde eines der wenigen Motive, zu denen er immer wieder zurückkehren konnte und in denen er noch etwas Neues fand.
Der Schnitter selbst bleibt anonym, sein Gesicht ist nach unten gewandt und weitgehend verborgen. Was das Bild den Betrachter beobachten lässt, ist nicht ein Porträt, sondern eine Bewegung, Strich für Strich wiederholt, widerhallend in den wiederholten Farbstrichen, die das Feld um ihn herum aufbauen.
Blau gegen Gold: Wie die Figur aufgebaut wurde
Van Gogh umriss den Mann mit dunklen, fast schwarzen Konturlinien, eine Technik, die eher der Glasmalerei nahesteht als allem in Millets ursprünglicher Zeichnung. Innerhalb dieser Umrisse sitzt die Farbe in flachen, sicheren Farbflächen, das Blau vertieft sich in den Falten zu fast Schwarz, Creme und Weiß fangen das Licht ein, wo es auf seinen Rücken und seine Schulter fällt.
Das Feld um ihn herum ist ganz anders behandelt, in kurzen gebrochenen Strichen, die sich nie zu einzelnen Halmen auflösen, sondern aus normalem Betrachtungsabstand als eine einzige, in Bewegung befindliche Oberfläche wirken. Dieser Kontrast im Farbauftrag, feste Kanten am Mann, lockere Bewegung um ihn herum, ist es, was das Auge immer wieder zur Figur zurückkehren lässt, obwohl sie nur einen kleinen Teil der Leinwand einnimmt.
Die Vögel tragen fast gar keine Modellierung, nur dunkle Striche, auf den blassen Himmel gesetzt, und sie tragen mehr dazu bei, Maßstab und Distanz anzudeuten, als jede Verwendung von Perspektive im Feld selbst.
An einer Wand, wenn sich das Licht verändert
Dort aufgehängt, wo es echtes Tageslicht gibt, verändert sich das Gemälde im Laufe des Tages merklich. Bewölktes Licht oder Morgenlicht mildert das Blau der Kleidung des Schnitters in die Grüntöne um ihn herum ab, während ein wärmeres, tiefer stehendes Licht das Gold des Weizens nach vorn zieht, bis es gegen die Oberfläche zu drücken scheint.
Es lohnt sich, aus zwei Entfernungen betrachtet zu werden: aus der Nähe, wo sich die einzelnen Striche zu ihren eigenen kleinen Gesten trennen, und noch einmal von der anderen Seite des Raumes, wo sie sich wieder zu einer einzigen gebeugten Figur fügen, die sich ihren Weg durch ein Feld bahnt, das kein sichtbares Ende zu haben scheint.
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