Der Sämann (nach Millet, Sonnenvariante): Geschichte
Ein Gemälde aus der Erinnerung, nicht nach der Natur
Im Mai 1889 begab sich Vincent van Gogh in die Anstalt Saint-Paul-de-Mausole in Saint-Rémy-de-Provence, auf der Suche nach Zuflucht nach den Krisen, die seine Zeit in Arles beendet hatten. Das Gelände bot ihm einen ummauerten Garten und Ausblicke auf Weizenfelder dahinter, doch über weite Strecken konnte er nicht einfach hinausgehen und ein Modell oder ein Motiv finden. Er schrieb an seinen Bruder Theo und bat um Reproduktionen der Maler, denen er am meisten vertraute, dieselben Namen, auf die er sich seit seinen frühesten Zeichenversuchen gestützt hatte.
An erster Stelle stand Jean-François Millet, dessen Sämann bereits zu einem der meistkopierten Bilder ländlicher Arbeit in Europa geworden war. Van Gogh zeichnete Millets Entwurf nicht nach, sondern übersetzte ihn, das war das Wort, das er selbst verwendete, indem er von einem Schwarz-Weiß-Abzug in ein Farbschema arbeitete, das ganz seine eigene Erfindung war.
Sämann, Der (nach Millet), gemalt 1889, gehört zu dieser Praxis. Millet lieferte die Haltung und die Komposition, und Van Gogh lieferte fast alles, was ein Betrachter tatsächlich sieht: die Farbe, das Licht und den Rhythmus des Pinsels.
Ein Mann in Blau vor violetter Erde
Der Sämann füllt die Mitte der Leinwand, mitten im Schritt einen abfallenden Acker hinab, sein rechtes Bein nach vorn gepflanzt und das linke nachgezogen. Er trägt einen breiten, aufgerollt gerandeten Hut in warmem Ocker, eine lockere blaue Kittelschürze, am Kragen offen, und helle Hosen, die über schweren Stiefeln gerafft sind. Ein dunkelorangefarbener Säckchen mit Saatgut, quer über die Brust gehängt, speist die Hand, die mitten im Wurf vor ihm ausschwingt.
Sein Gesicht ist nach unten gewandt und weitgehend verschattet, sodass das Bild eher durch die Haltung als durch den Ausdruck wirkt. Das ganze Gewicht der Figur liegt im Schritt und im ausgestreckten Arm, im Augenblick des Ausstreuens der Saat gefasst, nicht davor oder danach, weshalb die Haltung noch immer wie Bewegung wirkt und nicht wie eine eingehaltene Pose.
Hinter ihm, viel kleiner und aus nur wenigen Strichen gebildet, überqueren ein Pflüger und ein Paar angeschirrter Tiere das Feld zum Horizont. Sie geben dem Feld seinen Maßstab und seine Tiefe und bestätigen, dass dies bearbeitetes Ackerland ist und nicht eine einzelne Figur vor einer leeren Kulisse.
Der Himmel, der dieser Version ihren Namen gibt
Der Boden unter dem Sämann ist aus kurzen, dicht gesetzten Strichen in Blau und Violett aufgebaut, in einander überlagernden Richtungen gelegt, sodass die Furchen zu kippen und sich zu verschieben scheinen, statt entlang einer gewöhnlichen Perspektive zurückzuweichen. Es gibt keine flache Horizontlinie; Erde und Himmel treffen in einer weichen, gebrochenen Naht irgendwo hinter dem Pflüger aufeinander.
Darüber ist der Himmel ein Feld aus hakenförmigen gelbgrünen Pinselstrichen, dichter und heller zur oberen Hälfte der Leinwand hin. Das ist die Sonne, die der Sonnenversion der Komposition ihren Namen gibt, obwohl Van Gogh keine harte Scheibe gemalt hat. Ihr Licht ist in dieselben sich kräuselnden Spuren aufgelöst, die den Rest des Himmels bedecken, sodass die ganze obere Hälfte des Bildes als eine einzige Quelle des Leuchtens wirkt und nicht als ein beleuchteter Gegenstand darin.
Vor dem blauvioletten Grund bilden dieser gelbgrüne Himmel und der orangebraune Beutel und Hut des Sämanns ein Schema von Fast-Gegenfarben auf dem Farbkreis, jene Art von Paarung, die Van Gogh seit Arles in seinen Briefen durchgearbeitet hatte. Die Wirkung ist weniger naturalistisches Licht als Hitze: das Bild scheint eher zu strahlen, als nur beleuchtet zu sein.
Farbe aufgetragen wie Saatgut
Van Goghs Pinsel bewegt sich durchweg in kurzen, wiederholten Spuren: sich kräuselnde Kommas im Himmel, geradere Striche in den Furchen, einige längere Striche für die Kittelschürze und die Hosen. Farbleisten stehen von der Leinwand auf, wo der Pinsel schwer beladen war, sodass die Oberfläche selbst eine Textur trägt, die sich mit dem Winkel des einfallenden Lichts verändert.
Nichts im Bild ist glatt verrieben. Farbe steht neben Farbe in deutlichen Strichen, Grün neben Gold, Blau neben Violett, und das Auge übernimmt das Mischen, nicht der Pinsel.
Mit 66 x 80,8 cm ist das Original ein bescheidenes Format für die Nahbetrachtung und kein großes Ausstellungsstück, näher am Maßstab einer Seite als an einer wandfüllenden Leinwand. Es gehört heute zur Collection Stavros Niarchos, einem von vielen Werken aus Van Goghs Jahr in Saint-Rémy, die im folgenden Jahrhundert Frankreich in private Hände verließen.
An einer Wand, im Lauf des Tages
In einem Raum mit echtem Tageslicht gehängt, verändert sich dieser Sämann von Stunde zu Stunde. Morgenlicht hebt die Farbleisten im Himmel hervor und schiebt das Gelbgrün näher an echtes Gold; abends, unter Lampenlicht, tritt der blauviolette Grund hervor und das ganze Bild wirkt kühler und ruhiger.
Es belohnt es, nah heranzutreten, wo die einzelnen Striche sich in sichtbare Spuren trennen, und zurückzutreten, wo sie sich zu einem schreitenden Mann und einem brennenden Feld auflösen. Wenige Gemälde verlangen beide Abstände in derselben Betrachtung.
Was zu jeder Stunde konstant bleibt, ist das Gefühl eines Mannes in Bewegung, unbeschleunigt von gewöhnlicher Zeit, vor einem Himmel, der nicht aufhören wird, sich unter ihm zu bewegen.
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