Der Sämann (Sonnenuntergang): Geschichte, Bedeutung & Pinseltechnik
Arles, in der Jahreszeit der Blüte
Vincent van Gogh erreichte Arles im Februar 1888, auf der Jagd nach einem Licht, von dem er glaubte, es würde seine Farbe so schärfen, wie japanische Drucke sein Auge geschärft hatten. Bis zum Frühling brachen die Obstgärten rund um die Stadt in Blüte aus, und er malte sie in rascher Folge, eine Leinwand nach der anderen, und arbeitete schneller, als er je in Paris gearbeitet hatte.
Der Sämann gehörte einem anderen Register des Ehrgeizes an. Es war keine Studie, die direkt nach einem Modell entstand, sondern eine Komposition, die aus der Erinnerung und einer langen Überzeugung aufgebaut war, ein Motiv, das er seit seinen frühesten Jahren als Künstler mit sich trug. Diese Leinwand, katalogisiert als Der Sämann III (Version 2), ist einer von mehreren Versuchen, die er im selben Jahr damit unternahm.
Er arbeitete in denselben Wochen daran wie an den blühenden Obstgärten, und etwas von dieser Jahreszeit schlich sich in das Bild ein. Ein blühender Zweig reicht vom oberen Rand der Leinwand herein, über den Stamm des Baumes gelegt, der die Szene beherrscht, als wäre der Obstgarten hinter dem Maler direkt in das Feld vor ihm hineingewachsen.
Ein gekappter Stamm teilt das Feld in zwei Hälften
Die Bildfläche ist klein, nur 40,3 mal 32,5 Zentimeter, doch Van Gogh drängt darin Ereignisse zusammen. Ein dicker, dunkler Stamm steigt von rechts unten nach links oben auf, seine gekappten Äste wie Finger gegen einen Himmel aus saurem Gelbgrün gespreizt, durchzogen von Rosa.
Über diese Äste gelegt ist ein schlanker blühender Zweig, seine Blüte in kurzen Tupfern aus Koralle und Weiß gesetzt, die sich locker vom Hauptstamm wegrollen. Der Baum ist keine beiläufige Staffage. Er spaltet die Leinwand auf der Diagonalen und drängt den Sämann, das nominelle Motiv des Bildes, in die untere linke Ecke.
Dort geht er, eine kompakte Figur in einer dunkelblau-grünen Jacke und Kappe, und streut mit ausgestrecktem Arm Saatgut über ein Feld, das in gebrochenen Strichen aus Lila, Grau und blassem Ocker wiedergegeben ist. Hinter ihm trennt ein schmales Band aus Blau, eher ein Farbverlauf als ein wörtlicher Fluss, das Feld von einem niedrigen Horizont, an dem eine ferne Stadt und eine einzelne dunkle Zypresse in wenigen sparsamen Strichen gesetzt sind.
Über allem, tief und riesig, sitzt eine Sonne aus reinem Chromgelb, in kreisförmigen Strichen aufgebaut, sodass die Farbe selbst sich zu drehen scheint. Sie lodert nicht so sehr, als glüht sie flach gegen den sauren Himmel, näher einer auf die Leinwand gepressten Münze als einer Wärmequelle.
Eine entlehnte Figur, zum Wettstreit gemacht
Der Sämann war nicht Van Goghs Erfindung. Er hatte das Motiv seit seinen Jahren in den Niederlanden gezeichnet und gemalt, in der Nachfolge von Jean-François Millet, dessen Bauernarbeiter er kopierte und als Vorbilder ehrlicher, unsentimentaler Motivwahl verehrte.
In Arles trieb er die Figur in eine Farbe, die Millet nie verwendete, und erprobte sich, wie er in seinen Briefen beschrieb, an den Malern, die er am meisten bewunderte, indem er ihre nüchternen tonalen Kompositionen in rohe Komplementärfarben übersetzte. Gelbe Sonne gegen ein ins Violette spielendes Feld, die älteste Paarung in seinem Farbdenken, leistet hier die emotionale Arbeit, die in Millets Originalen Zeichnung und Ton geleistet hatten.
Das Motiv trug mehr Gewicht als seine Komposition. Für Van Gogh stand der Sämann für einen Kreislauf, der jedes einzelne Leben überdauerte, Saatgut, der Erde anvertraut mit dem Versprechen, als Korn wiederzukehren. Er kehrte oft genug zu diesem Bild zurück, dass seine Briefe es wie einen privaten Glaubensartikel behandeln.
Farbe in Schnelligkeit verarbeitet
Die Pinselführung ist durchweg schnell und bestimmt. Das Feld ist mit kurzen diagonalen Strichen angelegt, die den Furchen folgen, statt sie einzeln zu beschreiben, der Himmel in längeren horizontalen Zügen, unterbrochen von Streifen rosa Wolken, die Rinde mit dunklen, sich windenden Linien eingeritzt, die die Grundfarbe durchscheinen lassen.
Nichts hier ist geglättet. Die Farbe sitzt in Rippen, wo der Pinsel sie aufnahm und freigab, und besonders die Sonnenscheibe trägt einen sichtbaren Impasto, eine erhabene, strukturierte Oberfläche, die je nach Standpunkt des Betrachters reales Licht unterschiedlich einfängt.
Diese Veränderlichkeit gehört zum Charakter des Bildes und ist kein Fehler einer eiligen Skizze. Van Gogh arbeitete auf eine entschiedene, plakathafte Klarheit hin, flache Ebenen starker Farbe, begrenzt durch gezeichnete Striche, im Geist näher an den Drucken, die er sammelte, als an der konventionellen Landschaftsmalerei seiner Zeit.
Wie es in einem Raum wirkt
Dort gehängt, wo Tageslicht es erreicht, verändert sich das Bild von Stunde zu Stunde auf eine Weise, wie es flachere Gemälde nicht tun. Morgen- oder bedecktes Licht lässt das Violett und Grau des Feldes klar gegen den gelben Himmel hervortreten; direkte Sonne über den Impasto fängt die Farbrillen ein und hebt die Chromscheibe schärfer hervor.
So klein es ist, mit 40,3 mal 32,5 Zentimetern, hält es eine Wand durch Dichte statt durch Größe, die gedrängte Diagonale des Stammes verleiht ihm mehr Präsenz, als seine Maße auf den ersten Blick vermuten lassen.
Das Original wird vom Van Gogh Museum, Amsterdam, verwahrt, katalogisiert unter der Gruppe von Sämann-Kompositionen, die Van Gogh in jenem Jahr in Arles schuf. Aus der Nähe oder quer durch einen Raum betrachtet, belohnt es die Art von ungestörtem, wiederholtem Hinsehen, für die ein Gemälde, so verdichtet und so schnell in seiner Entstehung, gemacht wurde zu bestehen.
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