Der Zuave: Geschichte, Bedeutung & Pinselstrich
Arles, Frühsommer 1888
Im Juni 1888 war Vincent van Gogh seit mehreren Monaten in Arles und prüfte noch immer, ob das Licht des Südens ihm die Farbe geben konnte, die er seit seinem Weggang aus Paris gesucht hatte. Er hatte Zimmer gemietet, arbeitete in einem mörderischen Tempo und hatte begonnen, diese Energie der Porträtmalerei zuzuwenden, überzeugt davon, dass ein in kräftigen Farben wiedergegebenes Gesicht mehr von einem Menschen transportieren konnte, als eine genaue Ähnlichkeit es je vermöchte.
Zuavenregimenter, französische Infanterie, deren Uniform und Herkunft teils in Nordafrika lagen, hielten in jenem Sommer eine Garnison in der Stadt. Van Gogh, stets aufmerksam auf Kostüm und auf Farbe, die er nicht erfinden konnte, fand in einem jungen Soldaten genau das Motiv, das er suchte: von der Arbeit im Freien gegerbte Haut und eine Uniform aus Rot, Blau und Gold.
Er arbeitete schnell, in der Art jener Jahreszeit, und drängte darauf, ein Porträt in ein oder zwei Sitzungen zu vollenden, statt wochenlang daran zu laborieren. Die Dringlichkeit zeigt sich in jedem Pinselstrich des Bildes, das daraus entstand.
Ein Gesicht aus vier Farben
1888 in Arles gemalt, misst die Leinwand 54 mal 65 Zentimeter, ein bescheidenes Format, das den Dargestellten nah heranholt, statt ihn auf Distanz zu halten. Der Zuave ist an der Brust angeschnitten, Kopf und Schultern füllen fast das ganze Bild, und er blickt über die Schulter des Betrachters hinweg, statt dem Auge direkt zu begegnen.
Sein Fez, über dunklem kurzgeschnittenem Haar nach hinten geschoben, ist eine rote Fläche, die die obere Hälfte der Leinwand beherrscht, ihre schattige Unterseite gleitet ins Schwarze. Sein Gesicht ist aus Ocker, Gelbgrün und Spuren von roher Siena aufgebaut, der Sonnenbrand als Verschiebung der Farbtemperatur festgehalten und nicht als konventionelle Schattierung.
Seine Jacke ist ein dichtes, fast schwarzes Blau, aufgelockert durch verschlungene Goldborte und zwei runde, mit Quasten versehene Verschlüsse, die wie Knöpfe an einer Schnur hängen. Darunter zeigt sich eine hellblaue Schärpe, die einzige Stelle kühler Farbe tief im Bild, die die darüber angehäuften Rottöne und Gelbtöne beruhigt.
Hinter ihm teilt sich die Wand in zwei Felder: eine flache grüne Tür oder Platte links und eine Wand aus orangerotem Ziegel, aufgelockert durch helle Mörtellinien, rechts. Keines von beiden wirkt wie Beschreibung, sondern eher wie Gegengewicht, ein Grün und ein Orange, dort gesetzt, weil jedes das Rot der Mütze und das Ocker der Haut zwischen ihnen verstärkt.
Farbe gegen Farbe gesetzt
In jenem Sommer arbeitete Van Gogh nach einer Theorie der Komplementärfarbe, die er von Delacroix und aus eigener Lektüre aufgenommen hatte, und setzte Rot gegen Grün und Blau gegen Orange, damit jedes das andere zu seiner vollen Stärke trieb. Der Zuave liest sich fast wie eine Vorführung dieser Idee.
Die Farbe ist in breiten, flachen Partien aufgetragen, statt allmählich ineinander verlaufend, jeder Farbbereich durch eine feste, oft dunkle Kontur abgeschlossen, die etwas den farbigen Drucken verdankt, die Van Gogh eingehend studierte. Es gibt wenig konventionelle Modellierung: das Gesicht ist eine Fläche, die Mütze eine Fläche, der Ziegel eine Fläche.
Diese Flachheit ist eine Entscheidung, keine Abkürzung. Indem Van Gogh sich weigert, die Übergänge zwischen den Farben zu mildern, hält er jeden Farbton auf voller Höhe, sodass das Bild quer durch einen Raum wirkt wie ein Stück Glasmalerei, in Farbblöcken statt in allmählicher Schattierung.
Hart und nicht leicht zu bändigen
In einem Brief an seinen Bruder Theo über dieses Porträt beschrieb Van Gogh die Kombination von Tönen, die er versuchte, als hart, sogar wild und nicht leicht unter Kontrolle zu bringen. Er bemerkte auch die Züge des Dargestellten in Worten, die zeigen, wie sehr ihn die Begegnung selbst erregte, weit über das gewöhnliche Geschäft hinaus, ein Modell zu finden.
Dieses Eingeständnis ist wichtig, denn es zeigt, dass das Bild kein leichter Erfolg war, der ihm von einem willigen Modell in die Hand gegeben wurde. Es war ein bewusstes Risiko, ein Test, wie weit Farbe allein ein Porträt tragen konnte, bevor es in Missklang kippte, und Van Gogh war sich, als er das schrieb, nicht völlig sicher, ob er auf der richtigen Seite dieser Linie geblieben war.
Der Zuave gehört zu einer kurzen Reihe von Porträts aus jenem Arleser Sommer, darunter einheimische arbeitende Menschen, die Van Gogh mit demselben Ernst behandelte wie eine Landschaft, Teil eines weiter gefassten Bemühens, die Porträtmalerei durch reine Farbe neu zu gestalten statt durch Beschreibung.
An einer Wand, in wechselndem Licht
Das Original wird heute vom Van Gogh Museum in Amsterdam verwahrt, in der Gruppe von Gemälden aus jenem Arleser Sommer, die dort aufbewahrt werden. In einem Raum betrachtet, verhält sich das Bild weniger wie eine Aufzeichnung eines Gesichts und mehr wie eine Masse geordneter Farbe, die sich in ein Gesicht auflöst, sobald das Auge sich darauf einlässt.
Morgenlicht oder künstliches Licht neigt dazu, das Rot der Mütze und den orangefarbenen Ziegel nach vorn zu ziehen; weicheres Abendlicht lässt stattdessen das Grün der Wand und das Blau der Schärpe hervortreten. Es belohnt einen zweiten Blick, einmal quer durch einen Raum, wo es als heißer, geordneter Block aus Rot, Grün und Gold wirkt, und wieder aus der Nähe, wo die Konturen, die unvermischt nebeneinanderstehenden Farbflecken und die Schnelligkeit des Pinsels deutlich zu sehen sind.
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