Glas mit gelben Rosen: Geschichte, Bedeutung & Malweise
Vincent van Gogh erreichte Paris im frühen Frühling 1886, kam ohne Vorwarnung an die Tür seines Bruders Theo und blieb zwei Jahre, die seine Art zu malen von Grund auf verändern sollten. Theo leitete eine Galerie, die mit der neuen französischen Malerei handelte, und durch ihn hatte Vincent Räume, um impressionistische Leinwände aus nächster Nähe zu sehen, statt nur aus zweiter Hand aus Antwerpen oder Nuenen von ihnen zu hören. Er stellte seine Palette nicht über Nacht um. Stattdessen arbeitete er sich durch jenes erste Jahr in der Stadt mit einer Reihe kleiner Leinwände, überwiegend Stillleben, und nutzte alles, was auf dem Tisch vor ihm stand, als Mittel, um Farbe gegen Farbe zu prüfen.
Blumen waren das naheliegende Motiv für diese Art von Übung: billig, austauschbar und in einer Stadt verfügbar, in der ein Marktstand nie weit entfernt war. Ein Strauß Rosen in einem Glas Wasser gab ihm eine feste Anordnung aus Gelb, Grün und reflektiertem Licht, zu der er über mehrere Sitzungen zurückkehren konnte, ohne dass die Blumen selbst so lange überlebten. Der Druck bestand nicht darin, ein Meisterwerk zu komponieren, sondern zu sehen, was geschah, wenn dicke, warme Farbe auf einen Hintergrund traf, den er noch nicht aufzuhellen gelernt hatte.
Glas mit gelben Rosen, gemalt 1886 und heute im Van Gogh Museum, ist ein Ergebnis dieser Prüfung. Mit 27 auf 35 Zentimetern ist es ein kleines Bild, im Maßstab einer Tischplatte gearbeitet statt einer Wand, und es zeigt einen Künstler mitten im Streit mit sich selbst: Er greift nach einer freieren Handschrift in den Blumen, während der Raum um sie herum sich noch wie die Innenräume verhält, die er in Brabant zurückgelassen hatte.
Ein Trinkglas, keine Vase
Die Blumen stehen in einem gewöhnlichen Trinkglas statt in etwas eigens dafür Ausgewähltem, jener Art Gefäß, die vermuten lässt, dass jemand eine Handvoll geschnittener Rosen ohne viel Zeremonie auf einen Tisch gestellt hat. Ein lockerer Bund blassgelber Blüten, deren Blätter von fast Weiß bis zu einem tieferen Ocker reichen, wo die Farbe am dicksten sitzt, neigt sich zum linken Rand der Leinwand. Eine Knospe hat ihr Gewicht bereits aufgegeben und hängt tief an einem gebogenen Stiel unter dem Hauptbund, genau an dem Punkt gefasst, an dem die Anordnung begonnen hat, überzukippen.
Hinter und über den Rosen erhebt sich eine dichte Masse breiter grüner Blätter und füllt die obere rechte Seite der Leinwand, sodass eher das Laub als die Blüte den größten Teil der Bildhöhe beansprucht. Das Glas selbst steht ungefähr in der Mitte, geradseitig und mit sichtbaren Facetten geschnitten, die das Licht in diagonalen Streifen aus Creme und blassem Rosa einfangen, während das Wasser darin als kaum mehr denn eine Streuung lockerer, dunkler Striche wiedergegeben ist.
Unter dem Glas trägt eine grünliche Tischplatte eine weiche, gebrochene Spiegelung davon, gemalt ohne jede der Bestimmtheit, die dem Strauß darüber zuteilwird. Die ganze Anordnung sitzt tief und leicht links von der Mitte und überlässt das obere Drittel der Leinwand den Blättern und der dunklen Wand hinter ihnen.
Wo der Pinsel seine Meinung ändert
Was zuerst ins Auge fällt, ist, wie unterschiedlich Van Gogh die Rosen und die Blätter um sie herum behandelt hat. Die Blütenblätter sind aus kurzen, dicken, fast skulpturalen Strichen in Weiß, Creme und Gelb aufgebaut, so schwer aufgetragen, dass einzelne Blütenblätter aus der Nähe betrachtet leicht über die Leinwandoberfläche hinausstehen.
Die Blätter dagegen sind lockerer gemalt, in überlappenden Strichen aus Grün, Olive und einem schärferen Gelbgrün, wo das Licht ihre Oberseiten trifft. Das Ergebnis ist eine Art rastloser, unvollendeter Energie, die wenig mit der sorgfältigen, engeren Pinselführung der Stillleben gemein hat, die er nur ein oder zwei Jahre zuvor in den Niederlanden gemalt hatte.
Das Glas ist das stillste Stück technischer Kühnheit im Bild. Eine kleine Zahl blasser, trockener Striche in Weiß und Grün beschreiben seine Facetten und die Flüssigkeit darin, verrichten die Arbeit der Transparenz mit sehr wenig Farbe und lassen den dunklen Grund dahinter für den Schatten einstehen. Es ist keine prunkvolle Passage, aber es ist die eine Stelle auf der Leinwand, an der Van Gogh ein paar Markierungen vertraut, sehr viel Arbeit zu tun.
Die Wand, die noch zu Nuenen gehört
Hinter dem Strauß füllt eine tiefe weinbraune Wand den größten Teil der oberen Leinwand, überarbeitet in kurzen, wiederholten, nahezu senkrechten Strichen, die sich nie ganz zu einer flachen Farbe beruhigen. Sie wirkt weniger wie die luftigen Hintergründe der impressionistischen Leinwände, die Van Gogh jenes Jahr in Paris sah, und mehr wie die schraffierten, düsteren Innenräume seiner Bilder von brabanter Bauern.
Dieser Kontrast ist das eigentliche Thema des Bildes, mehr als die Rosen selbst. Ein Maler, der Jahre damit verbracht hatte, Braun und Umbra für Hütteninterieurs zu mischen, probierte in dieser Leinwand eine hellere, gebrochenere Behandlung für die Blumen aus, während die Gewohnheiten seiner alten Palette noch alles um sie herum beherrschten. Das Ergebnis sitzt zwischen zwei Arten zu malen, statt ganz in einer von beiden.
Eine kleine Leinwand, die gutes Licht braucht
An einer Wand gehängt, ist dies kein Bild, das sich von der anderen Seite eines Raumes aus ankündigt. Bei dämmrigem oder indirektem Licht wirkt der weinrote Hintergrund nahezu schwarz, und die Rosen können zu einem blassen Fleck verschwimmen, bis das Auge Zeit hat, sich anzupassen und Blütenblatt von Glas zu trennen und Glas von den Blättern dahinter.
Direktes oder streifendes Licht ändert das erheblich. Die aufgebauten Striche auf den Blumen beginnen, Licht einzufangen und eigene kleine Schatten zu werfen, und das Bild gewinnt eine Textur, die keine Reproduktion ganz vermittelt. Es ist eine Leinwand, die es belohnt, im Vorbeigehen bemerkt zu werden, so wie ein tatsächliches Glas mit geschnittenen Blumen auf einem Tisch bemerkt werden könnte, statt eine, die gebaut wurde, um sofort von der anderen Seite eines Raumes gelesen zu werden.
Diese stille, unebene Präsenz, die ihre Farbe nur unter dem richtigen Licht preisgibt und ansonsten halb im Schatten bleibt, hat mehr damit zu tun, woran Van Gogh 1886 tatsächlich arbeitete, als mit der helleren Palette, die man heute mit seinem Namen verbindet. Es ist ein frühes Bild, gemalt von einem Künstler, der noch entschied, was für ein Maler er werden würde.
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