Haus mit Sonnenblumen: Geschichte, Bedeutung & Maltechnik
Vincent van Gogh erreichte Auvers-sur-Oise am 20. Mai 1890, endlich entlassen aus der Anstalt in Saint-Remy und untergebracht in einem Zimmer über der Ravoux-Herberge. Er hatte vielleicht noch zehn Wochen zu leben, obwohl niemand um ihn herum das damals wusste. Was er wusste, war, dass er arbeiten wollte, und er machte sich über das Dorf und seine Gärten in einem Tempo her, das noch heute die Menschen verblüfft, die sein Werk studieren.
Unter der lockeren Aufsicht von Dr. Gachet, der in der Nähe wohnte und selbst ein wenig malte, ging Van Gogh die meisten Morgen mit seiner Staffelei hinaus und kam abends mit einer fertigen Leinwand zurück. Strohdächer, Küchengärten, Weizenfelder und die niedrigen Steinhäuser des Dorfes wurden fast täglich sein Motiv. Er suchte nicht nach großen Motiven. Er wollte das gewöhnliche Gewebe eines Ortes, den er lieb gewonnen hatte.
Haus mit Sonnenblumen, gemalt 1890 und mit bescheidenen 41 mal 31,5 Zentimetern, gehört zu dieser letzten Schaffensphase. Seine kleine Größe passt zu dem Tempo, in dem es entstand: eine einzige Sitzung, oder fast, vor einem Cottage, an dem er auf seinen Spaziergängen durch Auvers oft vorbeigekommen sein muss.
Ein Cottage hinter den Sonnenblumen
Das Gemälde rückt ein Dorfhaus ins Zentrum seiner Aufmerksamkeit, dessen Giebel und Dachgauben die Dachlinie zu einer unregelmäßigen, heimeligen Silhouette brechen. An einem Ende steigt ein Schornstein auf. Die Wände sind schlicht und hell, die Art von Gebäude, die Van Gogh nirgends fotografierte und in seinen letzten Wochen überall malte, weil Auvers voll davon war.
Ein niedriger Zaun verläuft entlang der Vorderseite des Anwesens, und ein Weg zieht den Blick vom Vordergrund zur Tür, was dem Haus ein bewohntes, zugängliches Gefühl verleiht statt eines monumentalen. Dies ist kein Wahrzeichen. Es ist jemandes Zuhause, von der Straße aus gesehen, wie ein Nachbar es sehen würde.
Vor der Mauer stehen Sonnenblumen hoch und locker zwischen dichtem Gartenwuchs, nicht geschnitten und in einer Vase arrangiert, sondern dort gelassen, wo sie wuchsen. Dichtes Blattwerk drängt sich in der unteren Hälfte der Leinwand, Büsche und Blätter rücken nah an den Betrachter heran, sodass das Haus selbst ein Stück weit zurückzusitzen scheint, erblickt durch einen Arbeitsgarten statt um seiner selbst willen zur Schau gestellt.
Farbe in Eile aufgetragen
Van Goghs Strich verschiebt sich merklich zwischen den beiden Hälften der Szene. Die Architektur ist aus kürzeren, ruhigeren Strichen aufgebaut, genug, um die Winkel des Daches und die flachen Ebenen der Wände zu fixieren, ohne sie übermäßig zu beschreiben. Der Garten dagegen ist in schnellen, rhythmischen Zügen aus Gold und Grün gearbeitet, die kaum innehalten, um ein einzelnes Blatt oder eine Blüte zu definieren.
Dieser Kontrast ist nicht zufällig. Er lässt das Auge das Haus als stabile, gefestigte Form lesen, während die Bepflanzung um es herum lebendig und leicht ungebärdig wirkt, näher daran, wie sich ein Garten im Hochsommer tatsächlich verhält, als an eine ordentliche botanische Aufzeichnung davon.
Die Farbe sitzt stellenweise dick, geriffelt dort, wo der Pinsel gezogen und gedreht wurde, statt flach verstrichen. Aus der Nähe trennen sich einzelne Striche in deutliche Farbmarken; tritt man zurück, lösen sie sich in Sonnenblumenköpfe, Blätter und das gepackte Grün eines gut gepflegten Stücks auf. Es ist schnelle, körperliche Malerei, gemacht von jemandem, der gegen das Licht und gegen die Jahreszeit arbeitet.
Ein Motiv, von dem er nicht lassen konnte
Van Gogh war seit seinen Jahren in Arles immer wieder zu Sonnenblumen zurückgekehrt, wo die Blume fast so etwas wie eine persönliche Signatur geworden war. Jene früheren Gemälde zeigen geschnittene Blüten, drinnen arrangiert, sorgfältig komponierte Stillleben, gemacht als Dekoration für ein Zimmer, das er mit Gauguin teilte.
Hier erscheint die Blume anders: verwurzelt, im Freien, wachsend gegen eine Cottage-Wand zwischen anderen Pflanzen statt isoliert in einer Vase. Sie liest sich weniger als ein für den Betrachter posiertes Emblem und mehr als etwas, das er einfach vor sich fand auf einem Spaziergang durch das Dorf, wert, stehen zu bleiben, ungeachtet ihrer früheren Bedeutung für ihn.
Auch das Haus trägt sein eigenes stilles Gewicht im Bild. Van Gogh malte die Cottages von Auvers in jenem Sommer wiederholt, angezogen von ihrem Stroh, ihren geflickten Wänden, ihren kleinen Gärten. Gepaart mit den Sonnenblumen bringt das Motiv zwei Dinge zusammen, zu denen er in seinen letzten Monaten immer wieder zurückkehrte: bescheidene ländliche Behausungen und eine Blume, die er unverkennbar zu seiner eigenen gemacht hatte.
Mit dem Gemälde leben
In dieser Größe belohnt das Gemälde einen Platz, an dem jemand tatsächlich nah herantreten kann, nah genug, um die Farbrücken auf den Sonnenblumenköpfen und das lockere Geflecht der Striche im Blattwerk zu sehen. Von der anderen Seite des Raumes lesen sich die Gold- und Grüntöne als eine einzige warme Masse; näher trennen sie sich wieder in die schnellen, einzelnen Marken, die Van Gogh hinterließ.
Tageslicht bringt den Kontrast zwischen den flacheren architektonischen Passagen und der dicken, bearbeiteten Oberfläche des Gartens hervor, während Lampenlicht am Abend dazu neigt, die Goldtöne nach vorn zu ziehen und die dunkleren Grüntöne zurücktreten zu lassen. Beide Lesarten sitzen bequem in einem Raum, der im Laufe des Tages eine Mischung aus natürlichem und künstlichem Licht erhält.
Es ist ein Bild, gebaut aus einem kurzen Spaziergang und einem gewöhnlichen Garten, nicht aus großem Ehrgeiz, und es trägt diese Direktheit an eine Wand. Nichts darin verlangt, aus der Ferne bewundert zu werden. Es verlangt, so angesehen zu werden, wie Van Gogh das Cottage selbst ansah, aus der Nähe, im Vorbeigehen, an einem gewöhnlichen Tag in einem Dorf, das er gut kennengelernt hatte.
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