Fritillarien: Geschichte, Bedeutung & Pinseltechnik
Paris, 1886
Vincent van Gogh kam im Frühjahr 1886 in Paris an und zog zu seinem Bruder Theo, einem Kunsthändler, dessen Galerie ihn in der Nähe der Bilder hielt, die die französische Malerei umgestalteten. Die Jahre zuvor hatte er in den Niederlanden verbracht und in Brauntönen, Grautönen und Umbra gearbeitet, und Paris konfrontierte ihn mit etwas völlig anderem: Leinwände, die aus gebrochener Farbe aufgebaut waren, nebeneinander gesetzt statt auf der Palette vermischt.
Er antwortete auf den Schock so, wie er es gewöhnlich tat, indem er arbeitete. Schnittblumen waren billig, geduldig und unendlich verfügbar, also malte er sie durch das Jahr 1886 in rascher Folge, ein Arrangement nach dem anderen, und nutzte jede Leinwand, um zu testen, wie weit eine Farbe getrieben werden konnte, bevor sie den Gegenstand darunter verlor. Fritillaries, in jenem Jahr gemalt, 55 mal 38 Zentimeter, gehört zu dieser Reihe von Studien.
Es war anspruchsvolle, unglamouröse Übung, die Art, die ein Künstler sich selbst auferlegt statt der Art, die ein Auftraggeber in Auftrag gibt, und das zeigt sich daran, wie viele Blumenstücke aus diesen Monaten erhalten sind. Nur wenige von ihnen sind so dicht gedrängt wie dieses.
Eine Menge nickender Köpfe
Das Bild ist fast vollständig den Blumen selbst überlassen. Kaiserkronen hängen in engen Trauben, ihre glockenförmigen Köpfe an gebogenen Stielen herabhängend, jeder gekrönt von einem Büschel schmaler, aufrechter Blätter, die wie eine Halskrause nach außen stechen. Van Gogh hat sie so dicht gehäuft, dass Stiel und Blatt und Blütenblatt ineinandergreifen und dem Auge kaum eine Lücke zum Ausruhen bleibt.
Keine einzelne Blüte ist hier zur Bewunderung herausgestellt. Das Motiv ist die Menge, nicht irgendeine Blume darin, und die Komposition liest sich eher wie ein Dickicht als wie ein zur Schau arrangierter Strauß.
Diese Dichte ist eine bewusste Entscheidung. Indem Van Gogh den Bildrahmen Rand an Rand mit überlappenden Köpfen füllt, verwandelt er ein bescheidenes Stillleben in etwas, das einer Studie über Muster und Druck näher kommt, die Art von Übung, die direkt in die verschlungenen, hochenergetischen Kompositionen seiner späteren Jahre einfließen würde.
Eine Hand, die nicht stillhält
Die Pinselarbeit trägt ebenso viel zum Charakter des Bildes bei wie die Blumen. Jedes Blütenblatt ist aus kurzen, gerichteten Strichen aufgebaut, die der Krümmung und Rückkrümmung der Form folgen, statt sie zu glätten, sodass die Farbe selbst zu sträuben scheint.
Van Gogh war noch einige Jahre von dem dicken, seilartigen Impasto seiner letzten Periode entfernt, aber der Instinkt ist hier bereits sichtbar: Farbe, aufgetragen als Aufzeichnung von Bewegung, Strich für Strich, statt als flache Beschreibung einer Oberfläche. Bei genauem Hinsehen zerfällt das Bild in Hunderte kleiner, entschiedener Spuren; tritt man zurück, lösen sie sich in Laubwerk auf.
Es ist eine Technik, die genau zu diesem Motiv passt. Die Blätter der Kaiserkrone sind dünn, drahtig und unruhig, und eine glattere Hand hätte sie zu etwas weitaus Ruhigerem eingeebnet.
Farbe dicht aneinandergedrängt
Van Goghs Pariser Blumenstücke sind der Ort, an dem er sich selbst, Leinwand für Leinwand, beibrachte, wie sich Komplementärfarben verhalten, wenn man sie Kante an Kante setzt, und dieses Bild ist auf genau dieser Reibung aufgebaut: warme, flammengetönte Blüten, gehalten gegen einen kühleren Grund, jede Farbe von der anderen geschärft statt von ihr abgemildert.
Der Effekt ist weniger dekorativ als diagnostisch. Hier arbeitet ein Maler öffentlich eine Lektion aus, die er gerade erst entdeckt hatte, und das Bild bewahrt etwas von dieser Dringlichkeit in jedem Teil der Farboberfläche.
An der Wand, durch den Tag
Dort aufgehängt, wo Tageslicht es erreicht, ist dies ein Bild, das sich Stunde für Stunde verändert, da eine dichte, eng getönte Farboberfläche wie diese sich mit dem Winkel und der Farbe des einfallenden Lichts verschiebt. Morgenlicht hebt die Grate einzelner Striche hervor; Abendlicht ebnet die Oberfläche ein und lässt stattdessen das Muster der Blütenblätter die Oberhand gewinnen.
Es belohnt genaues Hinsehen mehr als einen Blick aus der Entfernung über den Raum hinweg. In der Nähe eines Esstisches oder in einer Küche platziert, irgendwo, wo Menschen lange genug still sitzen, um tatsächlich zu schauen, gibt sein Gewirr von Formen immer neuen Detail preis, je länger es betrachtet wird, auf eine Weise, wie es ein einfacheres Straußgemälde nicht täte.
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