Fritillaria in einer Kupfervase: Geschichte & Bedeutung
In den ersten Monaten des Jahres 1887 lebte Vincent van Gogh mit seinem Bruder Theo in Montmartre und verbrachte seine Tage in der Gesellschaft von Malern, deren Werk er zwei Jahre zuvor kaum gekannt hatte. Pissarro, Signac und der Kreis um Seurat zerlegten die Farbe in ihre einzelnen Stränge, und Van Gogh, der daneben beobachtete, diskutierte und malte, begann, Schnittblumen als sein Labor zu nutzen. Sie waren billig, sie beschwerten sich nicht darüber, still zu sitzen, und sie erlaubten ihm, eine Farbkombination gegen eine andere zu testen, ohne den Druck eines beauftragten Porträts oder einer Landschaft, die gefunden und bereist werden musste.
Ein Blumenstrauß als Farbproblem
Fritillaries in a Copper Vase gehört zu jener Reihe von Blumenstillleben aus dem Jahr 1887, gemalt in einem Moment, in dem Van Gogh weniger an Blumen als Blumen interessiert war als daran, was geschah, wenn man einen Farbton hart gegen einen anderen setzte. Kaiserkronen-Fritillarien mit ihren schweren glockenförmigen Köpfen gaben ihm eine Masse aus warmem Orange und Ocker, die er gegen etwas Kühles drücken konnte.
Er musste nicht reisen, um dieses Motiv zu finden, oder darauf warten, dass das Wetter mitspielte. Eine Vase, ein Tisch und ein Nachmittag genügten, und diese praktische Freiheit ist Teil des Grundes, warum aus diesem einen Jahr seines Lebens so viele Leinwände mit Schnittblumen erhalten sind.
Was auf dem Tisch steht
Die Vase selbst ist ein runder Kupfertopf, breit am Boden und am Hals zusammengezogen, seine Metalloberfläche aus kurzen Tupfern von Ocker, Oliv und stumpfem Gold aufgebaut, die das Licht einfangen und verlieren, während das Auge ihre Rundung hinabwandert. Aus ihr erhebt sich ein dichter Büschel Kaiserkronen-Fritillarien, deren orange und gelb-orange Glocken an dünnen Stielen über einem Fächer aus langen, stacheligen grünen Blättern nach unten hängen.
Ein blühender Stiel bricht aus dem Hauptbündel heraus und neigt sich nach links, fast ganz aus der Vase heraus, seine blassen Blüten fangen das Licht vor dem dunklen Grund. Es ist eine kleine Asymmetrie, die verhindert, dass der Strauß als ordentliche, ausgewogene Anordnung gelesen wird, und sie gibt der Komposition das Gefühl einer Pflanze, die sich noch wie eine Pflanze verhält und nicht wie ein Stillleben-Aufbau.
Darunter ist der Tisch mit kreuzschraffierten Strichen in Ocker, Rosa und Grün angelegt, eine gewebte oder gerippte Oberfläche, schnell wiedergegeben, in klarem Kontrast zur glatteren Behandlung des Kupfers darüber. Die Signatur sitzt in der oberen linken Ecke, über dem gefleckten blauen Feld.
Orange gegen ein Feld aus Blau
Der Hintergrund ist der Ort, an dem das Bild seine eigentliche Arbeit verrichtet. Van Gogh legte einen tiefblauen Grund an und bedeckte ihn dann mit einer Streuung kleiner Punkte und kurzer Striche in hellerem Blau und Weiß, ein Feld, das summt statt flach zu liegen, und dagegen liest sich das Orange der Blumen mit weit mehr Kraft, als es gegen eine schlichte Wand täte.
Orange und Blau stehen sich auf dem Farbkreis gegenüber, und Van Gogh las in diesen Pariser Jahren genau über diese Art der Paarung und testete in Farbe, was ihm in Gesprächen und in seiner Lektüre über Farbtheorie begegnete. Die getupfte Behandlung des Hintergrunds zeigt auch, wie er eine Technik nahe der gebrochenen Farbe der Neoimpressionisten ausprobierte, ohne ihr strenges System vollständig zu übernehmen.
Das Ergebnis ist eine Leinwand, auf der die Blumen vorzudringen scheinen und der Hintergrund zu vibrieren scheint, statt ruhig zurückzuweichen, sodass die ganze Oberfläche von Rand zu Rand aktiv bleibt.
Die Farbe selbst
Aus der Nähe ändert der Pinselstrich von einem Teil der Leinwand zum anderen seinen Charakter. Die Blütenblätter sind aus beladenen, sicheren Strichen aufgebaut, die der Kurve jeder glockenförmigen Blüte folgen, die Blätter sind mit schnellen linearen Berührungen angelegt, die von den Stielen nach außen schnippen, und die Kupfervase ist in kürzeren, bedächtigeren Tupfern bearbeitet, die ihre gerundete Metallform beschreiben.
Hier wird Farbe beschreibend und ausdrucksstark zugleich verwendet. Die Striche füllen nicht nur lokale Farbe aus, sie tragen die Richtung und den Druck der Hand, die sie gemacht hat, was Teil des Grundes ist, warum das Bild sich noch mehr als ein Jahrhundert später unmittelbar anfühlt.
Mit 60 mal 76 Zentimetern kommt die Leinwand in ihren Hauptelementen nahe genug an Lebensgröße heran, dass der Strauß echte Präsenz hat, statt als kleines dekoratives Detail zu sitzen. Sie belohnt die Art des genauen Hinsehens, zu der eine Reproduktion an einer Wand einlädt, wo ein Betrachter näher treten kann, um den Pinselstrich zu sehen, und zurücktreten kann, um die ganze Anordnung zur Ruhe kommen zu sehen.
An einer Wand
In einem Raum mit wechselndem Tageslicht aufgehängt, verschiebt sich ein Bild, das auf so viel Kontrast gebaut ist, ständig. Morgenlicht wird das blaue Feld nach vorn ziehen und die orangen Blüten warm und getrennt davor sitzen lassen, während Lampenlicht am Abend diesen Kontrast mildert und die Kupfervase mehr leuchten lässt als die Blumen um sie herum.
Es ist ein Bild, das verlangt, mehr als einmal am Tag betrachtet zu werden, was Teil dessen ist, was ein gutes Stillleben von einer Dekoration unterscheidet, die einmal ausgewählt und dann nie wirklich wieder gesehen wird. Fritillaries in a Copper Vase wird heute vom Musée d’Orsay in Paris gehalten, der Stadt, in der Van Gogh es 1887 malte und auf der Leinwand eine Reihe von Farbbeziehungen ausarbeitete, die er in die berühmteren Bilder mitnehmen sollte, die noch kommen würden.
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