Blühende Kastanienbäume: Geschichte, Bedeutung & Pinseltechnik
Ein stürmischer Frühling in Auvers-sur-Oise
Vincent van Gogh erreichte Auvers-sur-Oise im Mai 1890, nachdem er sich aus der Anstalt in Saint-Rémy-de-Provence entlassen hatte, wo er ein Jahr damit verbracht hatte, sich von wiederholten Zusammenbrüchen zu erholen. Er nahm ein kleines Zimmer über dem Café Ravoux und brachte sich in Reichweite von Dr. Paul Gachet, einem Arzt und Amateurmaler, den sein Bruder Theo in der Nähe gefunden hatte. Das Dorf nordwestlich von Paris bot strohgedeckte Dächer, Kreidefelsen und Gärten, die gerade ausschlugen.
Er malte in einem Tempo, das Biografen noch heute verstört, und schuf in den zehn Wochen vor seinem Tod im Juli rund siebzig Leinwände. Kastanienbäume in Blüte wurde 1890 gemalt, während derselben konzentrierten Arbeitsphase, als das Dorf noch kühl vom Frühlingsregen war und die Bäume entlang seiner Straßen ihre ersten Blüten der Saison öffneten.
Er hatte schon früher blühende Zweige gemalt, Mandelblüten, die er in jenem Winter als Geschenk für seinen neugeborenen Neffen geschickt hatte. Diese Leinwand nimmt denselben Appetit auf den Frühling und richtet ihn nach außen, weg von einem einzelnen abgeschnittenen Zweig und hin zu einem vollen, ausgewachsenen Baum, der öffentlich sichtbar am Rand einer Straße steht.
Eine Dorfstraße unter dem Blätterdach
Auf einer Leinwand von nur 58 mal 70 Zentimetern baute van Gogh die Komposition um einen einzigen riesigen Kastanienbaum, dessen Krone so breit und so hoch ist, dass sie den Himmel in ein schmales Band aus Grauviolett in den oberen Ecken drängt. Alles andere in der Szene, die Häuser, die Straße, die Passanten, ist darunter zusammengedrängt und wird von der schieren Masse der Blüten über ihnen in den Schatten gestellt.
Am Fuß des Baumes verläuft eine helle ockerfarbene Straße, links gesäumt von einem niedrigen Haus mit rotem Ziegeldach und Fensterläden. Ein Mann in grünem Mantel und Kappe geht allein im Vordergrund, während weiter die Straße hinunter eine kleine Gruppe von Frauen in Rot, Gelb und dunklem Stoff unter breiten Sommerhüten innehalten, eine davon mit einem Sonnenschirm.
Der Stamm verankert die Komposition rechts, eine dunkle, sich windende Säule aus schwarzen und umberfarbenen Strichen, die vor der Masse aus Grün darüber fast wie eine knorrige Skulptur wirkt. Kleinere Bäume und eine niedrige Mauer oder Bank, in derselben lockeren grünen und gelben Kurzschrift gemalt, schließen die untere rechte Ecke der Szene ab.
Weiß, Rosa und ein Grün bis an seine Grenze getrieben
Van Gogh baute das Blätterdach aus einem ungewöhnlich weiten Register von Grüntönen auf, vom fast schwarzen Schatten bis zu scharfem, saurem Gelbgrün, das das Licht an der Krone einfängt. Über diese Masse verstreut sind die Blütenkerzen selbst, getupft in Weiß, Creme, blassem Rosa und Spuren von Orange, sodass der Baum von innen heraus von Hunderten kleiner Flammen erleuchtet zu sein scheint.
Dagegen wirkt der Himmel als kaltes, stürmisches Graublau, aufgetragen in denselben kurzen diagonalen Strichen wie das Laub, sodass selbst die leeren Passagen des Bildes von Wetter aufgeladen wirken. Die Straße darunter ist wärmer, ein Band aus Gelbocker und blassem Grün, das jenes Licht einfängt, das dem Blätterdach entkommt.
Das Ergebnis ist eine Leinwand mit fast keinem neutralen Grund. Die Farbe wird überall zugleich hart vorangetrieben, und es ist der Zusammenstoß dieses kühlen Himmels mit der heißen Blüte, nicht irgendeine einzelne Passage, der dem Gemälde seine Spannung gibt.
In Eile gesetzte Spuren
Die Blüte wird nicht so sehr beschrieben als vielmehr auf die Leinwand geschlagen: kurze, sich kringelnde Striche und verschnörkelte Kommas aus Farbe, nebeneinandergelegt ohne Vermischung. Aus der Nähe löst sich der Baum in reine Malgeste auf, Tausende einzelner Berührungen, die sich erst aus der Entfernung zu Blättern und Blüten fügen.
Dies war Van Goghs späte Methode in ihrer sparsamsten Form. Statt jede Blütentraube sorgfältig zu modellieren, vertraute er auf eine schnelle, wiederholte Geste, denselben Strich immer wieder mit kleinen Verschiebungen von Farbe und Richtung, um das Flackern des Lichts durch eine bewegte Krone aus Blättern zu vertreten.
Die Figuren darunter sind mit derselben Kurzschrift gemalt, jede auf eine Handvoll Striche reduziert, gerade genug, um einen Hut, einen Mantel, einen Schritt festzuhalten. Nichts im Bild ist mühsam ausgearbeitet. Die ganze Oberfläche trägt das Gefühl eines Malers, der gegen die Zeit arbeitet, in dem letzten Frühling, den er sehen sollte.
Leben mit dem Gemälde
In einem Raum mit wechselndem Tageslicht aufgehängt, verhält sich das Bild weniger wie ein festes Bild und mehr wie Wetter. Morgenlicht holt das kühle Grau des Himmels und die schattige Unterseite des Blätterdachs hervor; am Abend wärmt künstliches Licht die Gelb- und Rosatöne der Blüte, bis der Baum von innen zu leuchten scheint.
Weil das Blätterdach fast den ganzen Rahmen füllt, liest sich das Gemälde aus der Entfernung als eine einzige Masse aus Grün und Weiß, und erst bei Annäherung zerfällt es in die Dorfstraße, die gehenden Figuren, die einzelnen Blüten. Dieser Wechsel belohnt einen Platz, an dem es sowohl von der anderen Seite des Raumes als auch aus der Nähe betrachtet werden kann.
Es passt an eine grün getönte oder neutrale Wand, wo seine eigenen Grüntöne den Raum tragen können, statt mit einer unruhigen Palette um sie herum zu konkurrieren. Was bei einem Betrachter hängen bleibt, lange nachdem die Einzelheiten der Straße aufgenommen wurden, ist der schiere Maßstab der Blüte selbst, ein Baum in voller Blüte, gemalt von einem Mann, der nur noch sehr wenig Frühling zu sehen hatte.
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