La Berceuse: Die Frau, die die Wiege schaukelt
Die Frau eines Postboten sitzt für einen gebrochenen Mann Modell
Ende 1888 hatte Vincent van Gogh acht Monate in Arles verbracht und arbeitete auf das gemeinsame Atelier hin, von dem er hoffte, dass die Ankunft von Paul Gauguin es beginnen würde. Die beiden Maler hielten es kaum neun Wochen unter einem Dach aus. Die Vereinbarung brach in den letzten Tagen des Dezember zusammen, als Van Gogh einen Zusammenbruch erlitt und sich selbst am Ohr verletzte, und die folgenden Wochen teilten sich zwischen dem Gelben Haus und dem Stadtkrankenhaus, dem Hôtel-Dieu, auf.
Während dieser Genesung blieb eine Familie aus Arles eng an seiner Seite: Joseph Roulin, der Postbote, der Van Goghs beständigster Freund im Süden geworden war, und seine Frau Augustine. Es war Augustine, die sich bereit erklärte, Modell zu sitzen, sobald Van Gogh wieder einen Pinsel halten konnte, und zwischen Dezember 1888 und März 1889 malte er sie fünfmal in derselben Pose, sitzend mit einem Stück Seil, das durch ihre gefalteten Hände gewunden ist, und eine Wiege schaukelnd, die gerade außerhalb des Bildrahmens steht.
Er nannte das Bild La Berceuse, ein Wort, das sowohl das Wiegenlied als auch die Frau bezeichnet, die es singt. Sein ursprünglicher Titel, Madame Roulin Rocking the Cradle (La berceuse), benennt das Motiv schlicht; das Gemälde selbst macht etwas Seltsameres daraus.
Die Frau im grünen Mieder
Augustine sitzt frontal zum Betrachter, blickt aber nach unten und zur Seite, ihr Blick begegnet dem unseren nie. Ihre Hände ruhen übereinander in ihrem Schoß und halten eine helle, gedrehte Kordel, die in ihren grünen Rock hinunterführt, die unsichtbare Linie zu der Wiege, die sie schaukelt.
Van Gogh malte ihr Gesicht, ihren Hals und ihre Hände in einem heißen Gelbocker, in kurzen, gerichteten Strichen aufgebaut, die den Wangenknochen und die Knöchel modellieren, ohne in konventionelle Schattierung zu verfließen. Die Haut wird zu einem weiteren Block gesättigter Farbe statt zu einer Fläche, die sich vom Rest der Leinwand abhebt, und ihr rötliches Haar ist straff von einer hohen Stirn zurückgekämmt.
Sie trägt ein dunkelgrünes Mieder, hoch bis zum Hals zugeknöpft, mit einer schwarzen Schärpe gegürtet, über einem helleren grünen Rock, der in lockeren, dicht beieinanderliegenden vertikalen Strichen wiedergegeben ist. Ein roter Holzarmstuhl, dessen gedrechselte Armlehnen und geschnitzte Rückenlehne auf beiden Seiten von ihr sichtbar sind, richtet sie aufrecht in der Mitte des Bildes auf, und Rot zeigt sich wieder am Boden in den unteren Ecken, der eine schlichte warme Akzent in einem ansonsten dichten Musterfeld.
Eine Tapete von der Erfindung des Künstlers selbst
Hinter Augustine sind die oberen zwei Drittel der Leinwand einem Hintergrund gewidmet, den Van Gogh erfand statt beobachtete: ein dunkelblau-grüner Grund, übersät mit kleinen Punkten, über dem sich schlingende grüne Stängel große weiße Blumen mit roten, orangefarbenen und grünen Zentren tragen. Kleinere Blüten im selben rot-weißen Schema wiederholen sich an den linken und rechten Rändern.
Das Muster verweigert die Tiefe. Es hat keinen Fluchtpunkt und unternimmt keinen Versuch, zurückzuweichen, sodass es auf derselben flachen Ebene nach vorn drängt wie die Sitzende, statt hinter ihr zu liegen.
Das ist tatsächlich das, was das Auge zuerst trifft. Die weißen Blütenblätter fangen das Licht ein, bevor es Augustines Gesicht tut, und erst nachdem man die Blumen aufgenommen hat, wandert das Auge hinunter zu dem gesenkten Blick und den gefalteten Händen und erreicht das menschliche Motiv zuletzt statt zuerst.
Seeleute und ein Wiegenlied, das nicht gehört werden konnte
Van Gogh schrieb in seinen Briefen mit ungewöhnlicher Überzeugung über dieses Bild und beschrieb einen Plan, es zwischen zwei seiner Sonnenblumen-Leinwände zu hängen, deren Gelb zu beiden Seiten von Augustine stünde wie die verzweigten Arme von Kerzenleuchtern. Er stellte sich Seeleute fern von zu Hause vor, Männer, die die Fischerboote aus den Mittelmeerhäfen fuhren, die er besucht hatte, wie sie die drei Bilder zusammen betrachteten und etwas vom Trost eines Wiegenlieds empfanden, selbst Monate von jedem entfernt, der ihnen eines vorsingen könnte.
Es war ein ungewöhnlich konkreter Anspruch für ein Porträt, näher an der Idee eines Andachtsbildes als an einem Abbild einer bestimmten Nachbarin aus Arles. Dieser Anspruch ist einer der Gründe, warum er fünfmal zu derselben Sitzenden und derselben Pose zurückkehrte, statt das Motiv beiseitezulegen, sobald eine einzelne Leinwand fertig war.
Keines jener imaginierten Triptychen überlebt so, wie er es beschrieb, und das Bild steht heute allein, doch die Absicht prägt noch immer, wie das Gemälde gelesen wird: weniger als Aufzeichnung von Augustine Roulins Gesicht und mehr als ein Gegenstand, der trösten soll.
An einer Wand, durch einen Tag hindurch
Diese 1889 in Arles in Öl auf Leinwand gemalte Leinwand misst 92,7 mal 73,8 Zentimeter, 111,9 mal 91,8 mal 8,3 Zentimeter in ihrem Rahmen, und wird heute vom Art Institute of Chicago verwahrt. In einem Raum gesehen, verhält sie sich weniger wie ein Porträt und mehr wie ein Fall von farbigem Licht.
Bei flachem Tageslicht absorbiert der dunkle Grund der Tapete das Licht und hält die weißen Blumen als kleine, kühle Punkte, während Augustines Gesicht als eine einzelne starke Fläche aus Gelb unter dem Grün und Rot um sie herum wirkt. Bei Lampenlicht am Abend wärmt sich jenes Ocker auf und tritt hervor, das Rot des Stuhls vertieft sich, und das ganze Bild sitzt näher und wärmer als mittags.
Es belohnt einen Blick aus der Entfernung quer durch einen Raum, wo das Muster und die Figur zu einem flachen Feld aus Farbe verschmelzen, und es belohnt das Nahestehen, wo die Richtung jedes Strichs lesbar wird: die vertikale Schraffur des Rocks, die engen Farbkringel im Haar, die Stängel für Stängel durch die Blumen hinter ihr gezogene Linie. Nur wenige von Van Goghs Porträts verlangen, auf diese Weise zweimal gelesen zu werden, aus der Distanz und dann aus der Nähe, und es ist dieses zweite Lesen, das das Bild an einer Wand lebendig hält, statt es zu einem Hintergrundmuster erstarren zu lassen.
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