La Berceuse (Frau in der Wiege): Geschichte, Bedeutung und Pinselführung
In den letzten Tagen des Jahres 1888 war Vincent van Goghs Haushalt in Arles auseinandergebrochen. Paul Gauguin verließ das Gelbe Haus nach ihrem Streit, und Van Gogh verbrachte die ersten Wochen des Jahres 1889 zwischen dem Krankenhaus und kurzen Aufenthalten zu Hause, wo er versuchte, sich mit Arbeit zu stabilisieren. Zu den Freunden, die ihm durch diesen Winter zur Seite standen, gehörten Joseph Roulin, der Postbote von Arles, und seine Frau Augustine-Alix Pellicot Roulin, und Augustine war es, die Van Gogh bat, für das Bild Modell zu sitzen, das er La Berceuse nannte.
Er hatte eine bestimmte Verwendung dafür im Sinn. Van Gogh schrieb davon, ein Bild malen zu wollen, das Fischer weit draußen auf dem Meer, Männer, die er sich in ihren Kojen schaukelnd und an zu Hause denkend vorstellte, in ihrer Kajüte aufhängen könnten wie ein sichtbar gemachtes Wiegenlied. Die Idee stammte teilweise aus Pierre Lotis Roman über isländische Fischer, und sie prägte die seltsame, direkte Ansprache des Bildes an einen Betrachter, den man sich als müde oder ängstlich oder einfach allein vorstellt.
Eine reglos dargestellte Sitzende, ein Wiegenband in ihren Händen
Augustine Roulin sitzt gerade dem Betrachter zugewandt in einem niedrigen hölzernen Armsessel, ihr Körper füllt den größten Teil der Leinwand. Sie trägt ein flaschengrünes Mieder, das mit einem dunklen Gürtel geschnürt ist, über einem helleren grünblauen Rock, und ihre Hände ruhen in ihrem Schoß, die Finger um eine dünne gestreifte Kordel verschlungen.
Diese Kordel ist das ganze Thema des Bildtitels. Sie verläuft nach unten und aus dem unteren Rand der Leinwand heraus, angebunden, so verstehen wir, an eine Wiege, die gerade außer Sichtweite ist, und Augustines Griff danach ist die einzige angedeutete Bewegung in einer ansonsten reglosen Figur.
Ihr Gesicht und ihr orange-rotes Haar sind aus warmen Ocker- und Rosatönen aufgebaut, glatter gemalt als alles um sie herum, sodass ihr Blick, ruhig und ein wenig distanziert, zu dem einen Ort wird, an dem das Auge ruhen kann. Van Gogh signiert das Bild auf der Armlehne des Stuhls mit „Vincent“, in der schlichten Schrift, die er für Werke reservierte, die er als vollendet und wichtig beurteilte.
Eine Tapete, die hinter ihr wild geworden ist
Hinter Augustine ist der Hintergrund keine Wand, sondern ein Feld aus Muster: ein dunkel flaschengrüner Grund, übersät mit kleinen Punkten und überwuchert von rosa und weißen Dahlien an sich windenden Stielen, zwischen denen sich schlaufenförmige Ranken in Gelb und hellem Grün hindurchziehen wie eine Tapete, die außer Kontrolle geraten ist.
Die Blumen sind nicht gleichmäßig verteilt. Sie drängen sich dichter an den oberen Ecken und entlang des linken Randes, sodass das Muster lebendig und wachsend wirkt statt gedruckt und sich wiederholend, ein Effekt, den Van Gogh Strich für Strich aufbaute, statt einen tatsächlichen Stoff zu kopieren.
Wo das gemusterte Grün auf die Bildränder trifft, weicht es abrupt flachen Partien aus Rotorange, sichtbar an den unteren Ecken rund um den Stuhl. Dieses Rot ist der einzige Ton im Bild, der nichts mit der Einrichtung des Raumes oder dem Kleid der Sitzenden zu tun hat, und es fungiert wie eine Art Zündflamme, die an der Basis der Komposition brennt.
Farbe aufgetragen wie eine gedrehte Kordel
Van Goghs Pinselarbeit wechselt über die Leinwand hinweg die Gangart. Bei den Blumen lässt er die Striche kurz, pastos und deutlich, sodass jede Dahlie aus einer Handvoll einzelner Berührungen in Rosa, Weiß und Rotorange aufgebaut ist, die sich erst aus ein paar Schritten Entfernung zu einer Blüte auflösen.
Beim grünen Mieder und Rock arbeitet er mit längeren, gleichmäßigeren Strichen, die dem Fall des Stoffes folgen und Augustines Körper ein Gewicht und eine Festigkeit geben, die die Tapete nie besitzt. Der Kontrast ist beabsichtigt: eine stille, geerdete Frau vor einem Hintergrund, der nicht aufhört, sich zu bewegen.
Die Kordel selbst ist mit derselben genauen Aufmerksamkeit gemalt wie die Blumen, ein paar sich windende Linien aus cremefarbenem, blauem und rotem Pigment, die entlang ihrer Länge das Licht einfangen. Es ist eine kleine Partie, leicht zu übersehen, aber sie ist das Detail, auf das das ganze Bild hin angelegt ist.
Was das Bild von einem Raum verlangt
Gemalt 1889 in Öl auf Leinwand mit 36 1/2 mal 29 Zoll (92,7 mal 73,7 Zentimeter), wird diese Version von La Berceuse heute vom The Metropolitan Museum of Art in New York aufbewahrt, wo ihr Anspruch ganz schlicht fortbesteht, ein Porträt, das als Trost wirken soll, nicht als Dekoration.
An einer Wand zu Hause verhält sich das Bild je nach Stunde anders. Bei schwachem Licht tritt der dunkelgrüne Hintergrund zurück und Augustines Gesicht und Hände scheinen von selbst vorzurücken, von innen erleuchtet; bei hellerem Tageslicht treten die Rottöne an den Ecken und die Rosatöne der Dahlien hervor und die ganze Oberfläche wird wieder unruhig.
Es belohnt die Art des Betrachtens, die Van Gogh sich von einem weit vom Land entfernten Seemann erhoffte: nicht ein Blick im Vorbeigehen, sondern die langsame Rückkehr eines Auges, das nirgendwo sonst hin kann, wieder und wieder zu dem ruhigen Gesicht und der Kordel, die locker in zwei Händen gehalten wird.
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