La Berceuse (Wiegenlied): Geschichte, Bedeutung & Pinseltechnik
Ein Porträt, gemalt nach einer Krise
Im Dezember 1888 zerbrach Van Goghs Plan, im Gelben Haus in Arles eine Gemeinschaft von Künstlern um sich zu scharen. Paul Gauguin reiste nach einem erbitterten Streit zwischen den beiden Männern ab, und in den Tagen danach schnitt Van Gogh sich sein eigenes Ohr ab und wurde in das Krankenhaus von Arles eingeliefert. Das Malen nahm er nur langsam und stoßweise wieder auf, sobald er wieder kräftig genug war, um zu Hause zu arbeiten.
Zu den wenigen Menschen, die ihm in dieser Zeit nahe blieben, gehörte Joseph Roulin, ein Postbeamter der Stadt, und es ist Roulins Frau Augustine, die Van Gogh auf einem Stuhl sitzend malte, die Hände um die Schnur einer Wiege gelegt, die gerade außerhalb des Bildes bleibt. Er nannte das Bild Lullaby: Madame Augustine Roulin Rocking a Cradle, La Berceuse, und kehrte bis in den Frühling 1889 auf mehreren Leinwänden zu derselben Sitzenden und derselben Haltung zurück.
Diese besondere Leinwand, gemalt 1889 und 72,7 mal 92,7 Zentimeter messend, ist eine dieser Versionen. Sie wird heute vom Museum of Fine Arts, Boston, aufbewahrt.
Augustine Roulin, in Gelb und Schwarz gehalten
Sie sitzt dem Betrachter direkt zugewandt in einem hölzernen Armsessel, die Unterarme auf den Armlehnen, die Hände locker um ein Stück Seil gelegt, das unten aus dem Bild hinaus zu der Wiege führt, an der es befestigt ist. Ihr Gesicht und ihre Hände sind im selben warmen, ungebrochenen Gelb gemalt, als wären Haut und Lampenlicht aus derselben Substanz gemacht.
Über einem schlichten weißen Kragen trägt sie ein schwarzes Mieder, in kurzen, trockenen Strichen ausgeführt, die die Wolle grob und schwer wirken lassen gegen die Glätte ihrer Haut. Darunter ist ihr grüner Rock aus langen vertikalen Strichen aufgebaut, wobei der Pinsel dem Fall des Stoffes in ihrem Schoß folgt, so wie eine Hand ihn glätten könnte.
Ihr Ausdruck verrät sehr wenig. Sie blickt am Betrachter vorbei statt ihn an, geduldig und ein wenig müde, mit der besonderen Stille von jemandem, der es gewohnt ist, lange Strecken still zu sitzen, während ein Haushalt ohne sie weiterläuft.
Roter Boden, grüne Blätter und ein Seil im Dunkeln
Hinter ihr ist die Wand mit einem tapetenartigen Muster blasser Blumen bedeckt, die über ein grünes Feld verstreut sind, Gänseblümchen mit gelben Zentren und sich schlängelnden Stängeln, die fast die gesamte obere Hälfte der Leinwand füllen. Van Gogh malte sie locker, näher an einem wiederkehrenden Zeichen als an irgendeiner einzelnen Blüte, bis die ganze Fläche eher als Muster denn als Raum zu lesen ist.
Ein rotes Band läuft am unteren Rand des Bildes auf Bodenhöhe entlang und trifft die grüne Wand in einer harten Linie hinter dem Stuhl. Rot gegen Grün war eine Paarung, zu der Van Gogh während seiner Jahre in Arles immer wieder zurückkehrte, und hier hält sie die Komposition zusammen und zieht den Blick zwischen der dunklen Gestalt der Sitzenden und dem dekorativen Feld um sie herum hin und her.
Das Seil in ihren Händen besteht aus nicht mehr als ein paar dunklen Farbstrichen, doch es ist das Detail, das alles andere im Bild erklärt. Es bindet das Gemälde an eine Wiege, die uns nie gezeigt wird, und verwandelt, was ein schlichtes sitzendes Porträt hätte sein können, in ein Bild einer Handlung, des Wiegen, endlos wiederholt.
Ein Bild, das trösten soll
Van Gogh schrieb darüber, dass La Berceuse so wirken sollte, wie ein Stück populärer religiöser Bildsprache wirkt, ein Bild, das ein einsamer Mensch ansehen und sich weniger allein fühlen könnte. Er stellte es sich in der Kajüte eines Fischerbootes hängend vor, oder zwischen zwei seiner Sonnenblumen-Leinwände gesetzt, auf beiden Seiten neben ihr leuchtend wie die Flügel eines Altarbildes.
Dieser Anspruch erklärt die Flachheit des Gemäldes und seine Sicherheit im Umgang mit dem Muster. Van Gogh versuchte nicht so sehr, ein naturalistisches Abbild von Augustine Roulin zu schaffen, als vielmehr ein Bild mit der Direktheit eines Andachtsdrucks zu bauen, etwas, das noch aus der Entfernung eines Raumes oder einer Kajüte bei schlechtem Licht klar zu erkennen wäre.
An der Wand
Aus der Distanz betrachtet löst sich das Gemälde in drei einfache Formen auf: das dunkle Mieder, das blasse Gesicht und die Hände und das grüne Feld dahinter, bevor die Blumen und das Seil aus der Nähe wieder in den Vordergrund treten. Bei schwachem Licht scheint das Schwarz des Mieders den Raum um es herum aufzusaugen, während das Gelb des Gesichts das wenige verbleibende Licht festhält.
Bei hellerem Licht treten das Grün der Tapete und das rote Band am unteren Rand auseinander und beginnen, um Aufmerksamkeit zu konkurrieren, und das Bild wird geschäftiger, eindringlicher, weniger ruhig, als es zunächst erschien. Dieser Wechsel, von einer einzelnen stillen Figur zu einem unruhigen Feld von Muster und Farbe, ist Teil dessen, was das Gemälde davor bewahrt, sich über Jahre des Zusammenlebens mit ihm in den Hintergrund aufzulösen.
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