Madame Augustine Roulin mit Baby: Die Geschichte
Im Herbst 1888 lebte Vincent van Gogh in Arles auf geborgten Nerven, wartete auf die Ankunft von Paul Gauguin und versuchte sich unterdessen in eine Art von Beständigkeit zu malen. Die Menschen, die ihm in jenem Jahr Gesellschaft leisteten, waren keine Malerkollegen oder Kunsthändler, sondern der Haushalt eines Postbeamten: Joseph Roulin, seine Frau Augustine und ihre drei Kinder. Van Gogh malte sie alle, jeden mehr als einmal, und diese Leinwand ist ein Ergebnis davon: Madame Augustine Roulin mit Baby, entstanden 1888, mit den Maßen 73,5 mal 92,4 Zentimeter.
Der Haushalt eines Postboten wird zum Motiv
Joseph Roulin hatte zuerst für Van Gogh Modell gestanden, seine blaue Uniform und der volle Bart gaben dem Maler etwas Solides, womit er arbeiten konnte. Durch Joseph lernte Van Gogh den Rest der Familie kennen, und Augustine saß ihm mit dem jüngsten Kind Modell, einer Tochter, die im selben Jahr geboren wurde.
Es mangelte ihm an Modellen, denen er vertraute, und an Gesellschaft, auf die er sich verlassen konnte. Die Roulins gaben ihm beides, und die Reihe von Porträts, die er von ihnen anfertigte, einzeln und in dieser Zusammenstellung von Mutter und Säugling, liest sich weniger wie ein Auftrag und mehr wie die Aufzeichnung des einen Haushalts in Arles, der ihn hereinließ.
Von einer Studiokulisse ist hier nichts vorgetäuscht. Das Baby wird hochgehalten statt posiert, die Ärmchen leicht erhoben, so wie ein Säugling gehoben wird, um hergezeigt oder beruhigt zu werden, und diese ungeprobte Geste trägt dazu bei, dass das Bild beobachtet statt arrangiert wirkt.
Ein Feld aus Gelb mit zwei Figuren darin
Der Hintergrund ist eine einzige Fläche aus Gelb, flach aufgetragen, mit fast nichts darin außer der Bewegung des Pinsels. Sie gibt der ganzen Leinwand ihre Temperatur, bevor das Auge sich auf irgendetwas anderes eingestellt hat, und sie drängt beide Figuren nach vorn, als gäbe es im Raum keinen anderen Ort für das Licht.
Vor diesem Gelb lesen sich Augustines dunkelgrünes Mieder und das weiße Kleid des Babys als die beiden Pole des Bildes. Ein Keil aus Orange, die Rückseite ihres Stuhls, wird an ihrer Schulter sichtbar, und dieser Hauch von Orange gegen das umgebende Grün und Gelb leistet echte Arbeit: Es ist die Art komplementärer Paarung, die Van Gogh verfolgt hatte, seit er in den Süden gekommen war, Farbe, die Hitze erzeugt, statt Stoff zu beschreiben.
Dicke schwarze Konturlinien halten jede Form an ihrem Platz, den Kragen der Frau, den Ärmel ihrer Jacke, die Umrisse der Babyhaube. Es ist eine grafische, beinahe glasfensterartige Art, eine Figur aufzubauen, und sie lässt die Farbe innerhalb jeder Form schlicht und unverdünnt.
Mutter und Kind, von der Seite gesehen
Augustine ist im Dreiviertelprofil zum Baby gewandt, die Augen gesenkt, ihre Aufmerksamkeit ganz auf die kleine Gestalt gerichtet, die sie aufrecht vor sich hält. Sie blickt nicht denjenigen an, der sie malt, was verhindert, dass das Bild wie eine Sitzung wirkt, und es näher an einen mitten in der Bewegung erfassten Augenblick rückt.
Das Gesicht des Babys ist der erste Ort, an dem das Auge landet: rund, blass, in den Schatten leicht grünlich, so wie die Haut der Mutter grüne Untertöne trägt, mit weit auseinanderstehenden dunklen Augen und einem Mund, der den neutralen, leicht erschrockenen Ausdruck von Säuglingen trägt, wenn sie hochgehoben werden. Haube und Kleid sind in lockeren Strichen aus Weiß, Creme und ein wenig Rosa gemalt, ohne dass feines Detail betont würde, auf das ein akademischerer Porträtist bestanden hätte.
Augustines Hand, groß und rosa gegen das weiße Kleid, leistet die Arbeit, zu zeigen, wie sie das Kind ruhig hält. Es ist keine zierliche Hand im Bild; es ist eine arbeitende Hand, und Van Gogh mildert das nicht ab.
Farbe schnell aufgetragen und dann in Ruhe gelassen
Nichts ist hier zu Glätte überarbeitet. Die Striche im gelben Grund laufen in eine Richtung, kurz und gleichmäßig, und das Grün des Kleides ist aus sichtbaren Pinselzügen aufgebaut statt aus verschmolzenen Schattierungen.
Das ist die Manier, in die Van Gogh bis zu seinem zweiten Jahr im Süden gefunden hatte: starke Kontur, flache Farbe, Pinselarbeit, die auf der Oberfläche lesbar bleibt, statt verborgen zu werden. Sie passte zu einem Modell, das er nicht beschönigen musste, und zu einem Haushalt, den er gut genug kannte, um schnell zu malen.
Das Ergebnis trägt nichts von der Formalität eines beauftragten Porträts. Es hat das Tempo von etwas, das an einem Nachmittag gemalt wurde, von jemandem, der genau wusste, was er aus dem Gelb, dem Grün und dem Orange wollte, bevor er begann.
Was das Bild von einer Wand verlangt
Dort aufgehängt, wo Tageslicht es erreicht, bleibt der gelbe Grund nicht stehen. Er wechselt von warmem Gold in vollem Sonnenlicht zu etwas, das näher an Ocker liegt, wenn das Licht nachlässt, und das Grün von Augustines Kleid bewegt sich mit, morgens kühler, abends tiefer.
Das ist der Effekt, auf den Van Gogh mit dieser Art flacher, gesättigter Farbe hinarbeitete: ein Bild, das seinen Charakter je nach einfallendem Licht verändert, statt zu jeder Stunde gleich zu wirken.
Das Original wird von NEPIP gehalten, katalogisiert im Sammlungseintrag für Q11771568. Was beim Betrachter danach bleibt, ist nicht die Umgebung, sondern die Geste, eine Mutter, die ihr Kind hochhält, um es zu zeigen, gemalt von einem Mann, dem in Arles wenige genug Menschen geblieben waren, die bereit waren, ihm Modell zu sitzen.
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